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domingo, 22 de mayo de 2011

La ciudad de las Ciencias y las Arte

Tras un viaje a Valencia, y ver los obligados monumentos, como la lonja de la seda... no podía faltar visitar La Ciudad de las Artes y las Ciencias.

Los edificios que componen "La ciudad" son una verdadera obra de arte, y una verdadera obra de ingeniería diseñada por Calatrava y Candela, y  a pesar de la polémica por su estructura desectructurada.
El resultado es estremecedor.

Dentro de la ciudad, había una pequeña exposición de imágenes, en ella el tema central eran los 10 años de la inauguración de la ciudad.
Todas las imágenes fueron tomadas dentro de los recintos de la ciudad, tenían un par de líneas que las contextualizaban, eran párrafos de canciones, que habían sido traducidas al valenciano y al inglés.

martes, 17 de mayo de 2011

La Exposición de Plastilina al Horno

Después de presentar y representar nuestro menú de plastilina, se decidió hacer una exposición, y aunque en el tema de planificar una exposición, nuestro grupo de clase tiene experiencia, (el año pasado organizamos también la exposición de las máscaras de escayola) sigue siendo un trabajo muy duro.

Lo primero es idear el nombre de la exposición: tenía que estar relacionado con la comida, pero que se dejara claro que es un engaño, un trampantojo, yo, haciendo un juego de palabras, propuse la opción trampantojoripa, trampantripa, pero la combinación de tantas T y R la hace muy complicada, entonces se siguió proponiendo... Menú, Menú en plastilina, y al final quedó como Plastilina al Horno.

El resultado está aquí:

martes, 19 de abril de 2011

Gerome

Martes 19 de Abril
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)
Gerome


La exposición homónima de Jean- León Gerome, este pintor academicista neoclasicismo, me sorprendió gratamente, pues aunque sí es cierto que sus cuadros son kirtch , de ese clasicismo "pompiere" de moda en la época, sus delicadas líneas, su cuidado detallístico de gusto delicado y aséptico, pero su belleza es innegable.


Sin embargo, un enorme error de la exposición homónima era su merchandising, los objetos de la tienda de regalos no podían estar peor elegidos, por ejemplo, el imán recordatorio del cuadro que vemos abajo, su belleza, la penetrante mirada de africano que nos mira, la belleza del conjunto, pues el imán vende solo la baldosa.



Dentro de los cuadros que más me gustan, es su estiloorientalista. Es algo que me encanta.
El  cuadro  que más me gusta dentro d ela producción de este pintor es precissmantte el de abajo, que  no se encontraba dentro de la exposición,  pero a mí me aprece una obra increible que utilizo mucho, pues esta es la primera fuente que se conserva donde asegura la existencia de el baile con sable.

Heroinas

Martes 19 de Abril
Museo Thyssen-Bornemisza
Heroínas.

No me gustó tanto con la de la casa de las alhajas, y eso que se supone que el Thysen es de pago y la casa es gratuita, por lo que debería contener mejores obras.
En el Thyssen había más.

La obra que más me gusto eran un video-Art en el que reproducían la obra revolucionaria francesa " La libertad guiando al pueblo"  contando " la verdadera historia" en la que la el pueblo acaba matándola.

sábado, 9 de abril de 2011

Museo del Prado

Sábado 9 de Abril
Museo del Prado (Madrid)
colección permanente

Mi intención al acercarme al Pradro era ver la exposición del  "Joven Ribera " sin embargo, mi amigo me contó que jamás había entrado al museo para ver la exposición permanente, ni mucho menos la temporal, así que aprovechando la gratuidad del museo a partir de las seis de la tarde, decicí hacerle una visita essprex por el museo.
El problema de visitar un museo por primera vez es la saturación de cuadros, ( que conste que no he utilizado la palabra arte, porque dejan de serlo, y son cuadros...) tuve unos criterios de seleccion en las obras que eran las que personalmente consideraba imprescindibles por uno u otro motivo, mientras que le dije los cuadros que están a su alrededor, los viera, pero no les prestara demasiada atención.
Es algo muy duro decir que no preste atención a las verdaderas obras maestras que hay en el museo, pero si no hacía eso, acabaría no fijándose en ninguno.

La primera obra a la que prestamos atención es el Descendimiento de Van der Weyden, porque salvando al adoración del cordero místico, es la obra más importante y principal de la pintura Flamenca, y también es algo importante hacer mención al enorme tamaño de esta tabla, ( cuando en esta época el pequeño formato era el que se estilaba debido a la dificultad y al precio) y aún más impresionante es el pigmento azul derivado del lapislázuli tan tan tan carísimo, que era un homenaje a la virgen, y luego destacar la brillantísima composición diagonal de las figuras.



También considero muy importante el ciclo de pintura mural del ábside de Maderuelo, pues muy poca gente visita la zona de pintura alto medieval, pero es una joya de la pintura románica, y de las pocas obras, si no es la única de este estilo que hay en Madrid capital.
Lo único que no me gustó de esto es la la retotábulum que es actualmente no se encuentra allí, sino expuesta en una pared, pues aunque no pertenezca al conjunto, creo que daba una sensación en general de unidad global.

Las pinturas de Botticelli, pues estas pinturas a modo de historieta, cuenta la historia de cómo un joven consigue la mano de su amada debido a un bosque encantado donde el espíritu de una mujer está condenada a repetir una y otra vez su muerte a manos de su amante despechado al negarle su mano y que su cadáver sea descuartizado por sus perros de presa.
El inteligente joven organiza un banquete en ese mismo lugar para que su amada y su familia se sientan la necesidad de aceptar su propuesta de matrimonio.


Este treno sobre Cristo muerto, es una verdadera maravilla, una joyas de Antonelo da Mesina,  y que personalmente adoro, el patetismo dle ángel y su delicadeza, pues ni se atreve a tocar el cuerpo de Jesus directamente, si no través de una tela, el sufrimiento de cristo, la herida sangrante sin tapujos que se muestra por primera vez, las plumas multicolores de las alas,  los colores venecianos junto al detallismo falmenco se junta en esta tabla de madera de melocotón, este día tan soleado que contrasta con el sufrimiento de la cristiandad.
Es una obra brillante


La gallinita ciega  de Goya, aunque Goya es un pintor que no me gusta nada ( por muy mal que esté considerada esa frase en España) sin embargo tengo un recuerdo muy muy entrañable de  este cuadro debido a las prácticas, pues la clase de 4 años a la que asistí en calidad de prácticas, realizaron una visita la museo y fue allí mismo a los pies del cuadro de la gallinita ciega, cuando todos los niños hicieron un círculo y jugarón igualq ue los personajes del cuadro.
Solamente por eso se ha incorporado a mi elitista lista de "lo mejor del Prado"


El lavatorio de pies Tintoreto, esta obra creo que no se le hace justicia debido a su colocación, pues por mucho que el centro del cuadro sea el detalle de pedro quitándose la sandalia sin poder, el tema es el lavatorio d epies, es lo principal del la obra, y el autor veneciano lo tuvo en cuenta en el momento en que pensando en el lugar donde iba a estar colocado la obra, una compañía, , lo primero que se veía al entrar era a Jesus , humilde lavando los pies a sus discípulo 



Por último, para no extendernos más en esta lista sin fin, debo decir que aunque el Prado se ocnsidere de las mejores pinacotecas del mundo, no solo contiene obra pictórica, si no que guarda una buena produccion  escultórica que me encanta y la  vimos.

miércoles, 6 de abril de 2011

Heroínas

Miércoles 6 de Abril
La casa de las Alhajas (Madrid)
Heroínas

La exposición feminista de "Heroínas" esta dividida en dos localidades, la de la Casa de las Alhajas y la que se encuentra en el Thyssen.

La exposicíon trata sobre los diferentes puntos de la mujer en el arte, la visión de pintores ( en su mayoría hombres) sobre las mujeres, sin embargo, el el segundo piso se encontraba una serie de autoretratos hechos de pintoras, incluido el magnífico autoretrato de Artemisa Gentileshi, una de las más antiguas pintoras y la única la cual su fama a perdurado.

La exposición de la casa de las alhajas tiene una enorme producción de waterhouse, y a mí los cuadros de este pintor inglés, su visión de la mujer es muchísimo más sensual, y académica , pero tambíen es diferente su temática, brujas, magas... como este maravilloso óleo de Circe.

jueves, 24 de febrero de 2011

Alejandro el Magno

Centro de exposiciones de Canal (Madrid)
Alejandro Magno

La exposición de canal cuanta con tres partes claramente diferenciadas, la primera, una película en 3-D sobre "El sueño de Alejandro el Grande: Alejandría".
En la película, creada específicamente para esta exposición, tratan la fundación de una de las Alejandrías de Alejandro, la más importante, la Alejandría de Egipto, hablan de su primitiva construcción, de su extinto faro  y de la enorme biblioteca, centro de peregrinación del saber antiguo durante siglos.
 De la bella ciudad que Alejandro fundó y la dinastía de los Tolomeo dio explendor, ya solo queda el nombre, pero incluso el nombre rememora a maravillas del mundo clásico


segunda parte es la exposición propiamente dicha, la cual contiene muchos restos de artes suntuarias de la época de Alejandro y arte de los países que conquistó, y a destacar entre todo lo qes está ahi, es una leona de la puerta de Ishtar 

Han pasado siglos desde que la cerámica vidriada salió del horno, sin embargo pese a que se halla descasarillado en muchos lugares, sigue conservando una belleza abrumadora.
.... Cómo no sería  en su inauguración.

Otra joya a destacar es poder el mosaico de la batalla de Issos, este mosaico que fue encontrado en la casa del Fauno en las excavaciones de Pompei es el único testimonio de los ciclos pictóricos que a él se le dedicaron, se dice que este mosaico esta inspirado en una tabla del propio filoxénos.

La tercera parte, no mucha gente la ve, pero continuamente están realizando actividades para niños, como un guiñol con marionetas, el cual , no me perdí.

Es curiosa la concepción que tiene los niños de la obra que vimos, sobre Alejandro Magno y Darío, para ellos trata de cómo un romano se enfrenta a un mago.



miércoles, 8 de diciembre de 2010

La belleza de lo Grotesco

Miércoles 08 de diciembre de 2010
Fundación Carlos de Amberes (Madrid)
La belleza de lo grotesco.
James Ensor

Una magnifica exposición que nos permite visualizar a un artista tan característico con es Ensor.
Dividida en cuatro partes, en la primera de ellas nos encontramos a un Ensor poco conocido , como pintor de la naturaleza, lo compones una gran cantidad de grabados, sobre papel, fieltro, papel japonés , pergamino.. est. Coloreadas a mano con lápices, guache o acuarelas , donde nos muestra paisajes y marinas y urbanos con una precisión asombrosa, cuidando los detalles al máximo y con una coloreado exquisito.
También podemos contemplar grabados en los que él es el protagonista, y vemos como la ironía también la emplea para consigo mismo, por ejemplo en uno de sus autorretratos aparece como debería ser cuando cumpla 80 años ( una especie de cadáver ) y en otro que lo titula “ Mi  autorretrato en 1970” , aparece en la misma postura que el anterior, echado a modo de maja de Goya pero su cuerpo es un esqueleto .

En la nave central, pues no podemos olvidar que la fundación tiene su sede en una iglesia desacralizada, en la pared opuesta a lo que fue el altar  ( por cierto, no me resisto a mencionar el espectacular cuadro de Rubens, titulado “El martirio de San Andres” que presidio la cabecera del templo y que hoy día es una de muchas joyas que atesoran iglesias y conventos en Madrid )  está una de las grandes obras de Ensor “ La Entrada de Cristo en Bruselas un martes de carnaval” enmarcado en el reinado de Leopoldo II muy problemático y con gran cantidad de disturbios nos muestra a Jesús como un figura política revolucionaria, nos adentra en la aparición del socialismo y el comunismo y es una critica social y política.

“Los pecados capitales”, es una serie en la que aparecen reflejados todos ellos y que ilustraron un álbum acompañando a los textos de Demolier que se vendió a 20 francos o 50 según fuera coloreado o no, es una critica y nos recuerda mucho a Brueghel el Viejo.
Dentro de “ La gran farsa” nos podemos encontrar al arquero terrible, a El cortejo infernal, Brujos en la borrasca, Demonios apaleando Ángeles Broma del elefante, en la que una multitud infligen castigos al animal ante la hilaridad de la concurrencia ¿ puede recordarnos algo a las fiestas patronales de muchos pueblos de España con el toro  como protagonista?... etc
En “ L os buenos jueces” critica al sistema judicial y esta inspirado en uno de sus cuadros. En “ Los malos médicos” mas de lo mismo en Gendarmes aparecen unos pescadores muertos a manos de ellos... etc.
Hay un grabado muy significativo “Cocineros peligrosos” en las que aparecen dos cabezas sobre sendas bandejas y que se van a servir a unos comensales, estos son los críticos
y las cabezas pertenecen a pintores, uno de ellos es el propio Ensor clavado en su cabeza hay una banderita  en la que podemos leer Art Ensor, una expresión intraducible que hace referencia a un juego de palabras Hareng saur” nombre de un plato de cocina.
Otro grabado que merece la pena ser comentado es “Alimentación doctrina” es un ataque a los notables son cinco figuras encima de un multitud en la que nos muestran sus posaderas en el momento de defecar sobre ellos, pertenecen a Leopoldo II UN OBISPO, UN CURA, UN GENDARME Y UN BURGUES.
“Venganza de Hop. Frog sobre un cuento de Poe, un enano rechazado por el rey que logra que se disfracen de orangutanes y se encadenen a un candil que luego prende a modo de lámpara que ilumina un salón de baile.
“A auto de Fe” también hace referencia a un cuadro suyo, en el aparece Felipe II rezando con las manos juntas en el infierno, viendo pasar las almas de sus victimas.
Podíamos seguir describiendo mucos mas grabados y en todos ellos hallaríamos ese toque ácido de critica a través de unos personajes que no son tales sini mascaras, pero no tendríamos espacio suficiente.
Por ultimo también se pueden contemplar un serie de mascaras pintadas por el que harían la delicia de esta asignatura.

Thyssen-Bornemisza

Miércoles 08 de diciembre de 2010
Museo Thyssen-bornemisza (Madrid)
Colección permanente


Hay que decir que los fondos de la galería del museo Thyssen-Bornemisza, es inmensa, casi tanto como su colección permanente, cuadros de una gran calidad artística y de muchísimo valor.
La verdad, es que fui allí a disfrutar de su colección, y de los cuadros que más me gustaron no puedo hacer el comentario, dado que ninguna pertenece al arte contemporáneo, pero sin duda no puedo dejar de manifestar mi emoción ante LA ANUNCIACIÓN del Greco, y mucho menos dejar de comentar una de las mayores obras de arte de la humanidad, EL JOVEN CABALLERO EN UN PAISAJE, del artista renacentista veneciano Vittore Carpaccio, pero comprendo que ninguna de ellas se puede hablar.

En cambio de las sí cometeré las obras de la planta baja, comentar por ejemplo las obras de Liechtenstein o Bacon

Lichtenstein es un autor que siempre me han gustado, por su enorme inspiración por el mundo del cómic o el tebeo , su uso del color primario , usado de forma intencionadamente biselada. Este artista, otrora inspiración de Andy Warhol recibió una muy merecida exposición homónima en España, de la que hace ya casi cinco años.

Luego también adoré el retrato del amante de Bacon, George Dyer, que posteriormente se suicidó, sentado en una silla giratoria frente a un espejo colocado sobre un extraño mueble con peana.
El amante esta un tanto distorsionado y con una postura absolutamente manierista logrando un escorzo violento. También tiene la cara retorcida y en el otro lado, la cara reflejada en el espejo, no sufre las mismas distorsiones
La figura está rodeada por un cono de luz, como un foco que sale de arriba añadiendo dramatismo a la escena.
He de añadir que al igualq que le pasó a Lichtenstein, a Bacon, también se le ofreció una exposición homónima, aunque esta vez en el museo del Prado.

Con Conchinchina

Lunes 08 de noviembre de 2010
Sala de exposiciones del Coliseo de la cultura (Villaviciosa de Odón)
Con Chinchiná - Fotografías de Kurt Schleicher


La exposición narra el fascinante viaje de su autor por la península de la Indochina, conocida por el nombre de la Conchinchina, de los que lo forman Laos Camboya y Vietnam. Paises muy muy diferentes el uno del otro, como nos dejan patentes las fotografías, en la que intentan  mostrar sus maravillosas construcciones, pero sobre todo sus gente.

La exposición está formada por  ciento una fotografías , a su vez divididas en tres partes, cada una perteneciente a un país, que forma la Conchinchina

De Laos , me fascinaros una serie de fotografías con la temática del mercado.  Los diferente productos, la gente que no sabía que esta siendo retratada y por lo tanto la naturalidad rayando en lo vulgar que solo se consigue sin advertir la cámara.
Ver esa fotografía es como trasladarte a esas concurridas calles, con especies, con el gentío, prácticamente sientes el barullo de una ciudad desconocida.

De Vietnam no he podido dejar de quedarme fascinada con las típicas fotografías de mujeres en las plantaciones de arroz,. Son tal  y como se imaginan los tópicos de las películas. Son esos trabajos duros y sacrificado,. Esos trabajos que los realistas, de la pintura social, como los miembros de La escuela de Barbillón , como Millet les gustaba tanto poder retratar., Y eso precisamente fue una de las primeras imágenes que me llegaron a la mente, los cuadros de Las espigadoras de Millet, la misma postura, el mismo trabajo y el mismo espacio vacío, salvo con trabajadores. Y también a “los acuchilladores de Parqué” de Caillebotte. Esa misma ese esfuerzo. Aun que el exotismo de Vietnam  reste dureza a la imagen, sin duda no le falta.


De Camboya  me quedó fascinada los templos maravillosos que están en uno de los templos de Angkor  una fotografía de unas raíces gigantes que se  engullen la arquitectura.
Es sin duda la naturaleza en estado puro, queriendo arrancar a la arquitectura el espacio que ella le ha robado, y año tras año, con cada lluvia, con cada rayo de sol avanza un poco más y se come un poco más de los sillares que antaño fue un templo de culto.
Realmente es una imagen sobrecogedora .

martes, 7 de diciembre de 2010

Made in U.S.A

Martes 07 de diciembre de 2010
Fundación Mafre (Madrid)
Made in U.S.A: Arte americano de la Phillips Collection


Es una exposición muy interesan tente ya que en Europa y mucho mas concretamente en España adolecemos de colecciones de arte americanas.
La única pega que le pondría a la exposición es la gran cantidad de temas que abarca, repartidas en diez salas y que resulta un ejercicio costoso de asimilación. Desde el Impresionismo  hasta el expresionismo abstracto , hacemos un recorrido por muchas y muy variadas corrientes pictóricas. De todas formas es muy aleccionador ver como la evolución de la pintura sigue un camino en el que el peldaño anterior es necesario para pasar al siguiente, Así desde la pintura de Homer hasta la de Mark Rothko .
Las fuerzas de la naturaleza ocupan un lugar privilegiado en el arte de los EEUU pues el territorio es inmenso  y siempre fue una apuesta personal el plasmarlas.
En cuanto a La ciudad, pasa a ser uno de los símbolos más característicos de América del norte, ciudades impetuosas dominadas por la construcción a l más alto nivel, puentes y rascacielos son emblemas de la avanzada tecnología e ingeniería de la nación y pronto reemplazo al campo, así podemos contemplar “Rascacielo” de Sheeler o de Crawford.
Gergia O”Keeffe es una pintora más conocida por estas latitudes, ya se han hecho exposiciones de su obra, recuerdo una en la Fundación Marsh y sus flores mezcla de naturaleza y abstracción no dejan indiferentes.
Pero sin embargo hay un pintor que si que es referente de la pintura americana, se trata de Eduard Hopper , quizá uno de los mas conocidos. Su forma de pintar , o mejor dicho de tratar los temas que pinta es inconfundible, a las grandes ciudades contrapone pequeños lugares, a las multitudes seres solitarios , sus casas siempre esta cerradas, sus paisajes son de una soledad abrumadora, lo mismo que sus personajes, pero quizás, para mi , lo mejor de Hopper es que representa el silencio como nadie, en sus cuadros el silencio se ve, igual que en los cuadros de Velázquez podemos ver el aire..
Otra referencia de EEUU son los móviles de Calder, aquí podemos contemplar uno en una pequeña sala del segundo piso. También en solitario se nos muestra la obra de Rothko, puro expresionismo abstracto, el pintor de la meditación, tanto que tiene un santuario con pinturas en todas las paredes que nos llevan a la meditación mas metafísica. Quizás lo mas importante de estos autores es que dieron lugar al expresionismo Abstracto, el primer estilo verdaderamente internacional nacido en los EEUU, y que ayudo a QUE Nueva York sea la capital de la vanguardia del arte mundial.

miércoles, 1 de diciembre de 2010

Reina Sofía

Miércoles 01 de diciembre de 2010
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Colección permanente del Museo.

Después de que todo nuestro grupo de la asignatura de taller de plástica teatral al completo estuviéramos ensayando la representación de  teatro de sombras que se realizará el próximo jueves, la cual lleva por nombre “Oda a Dalí” o “Oda al surrealismo” surgió la idea de ir a Museo centro de Arte Reina Sofía, dado que allí se guardan obras de ese estilo. Así mis compañeras África, Yaiza y yo nos dirigimos allí.

Una vez en el centro, tras subir a la terraza del edifico nuevo y contemplar las maravillosas vistas de la ciudad de Madrid, buscamos en el mapa en que salas estaban las obras pertenecientes al movimiento surrealista.
Entre esas paredes queríamos inspirarnos, antes de que fuera tarde, para poder rectificar si fuera necesario algunos matices de la obra, para que en ella se apreciara el homenaje que  queríamos propiciar a uno de los más grandes exponentes del movimiento vanguardista, y desde luego el más importante de los artistas surrealistas españoles, y hacerlo lo más sentido posible.
Entre las salas del museo, habia verdaderas obras maravillosas, me encantó ver en persona “El  gran masturbador.“ pues no tenía el gusto de conocer esta obra en persona, y verla tan cercana, con los colores mil veces más relucientes que la mejor de las fotografías  de un libro ha sido una gran experiencia.

Caminando por los pasillo topé de bruces con una escultura fantástica de Man Ray,  se llamaba “objeto indestructible” un nombre aparentemente rimbonmabte, pero cuando descubres la historia que está detrás de esta obra, en la que se hizo un primer objeto , este a tamaño real, que era llamado objeto a ser destruido, después salió otra versión llamado objeto destruible, que en una exposición dadaísta se destrozó como parte de la inauguración. Algo que me encanta. Adoro a los dadaístas, su filosofía de vida me parece tan sumamente nihilista, que no puedo sino admirar su carencia absoluta de … todo.
La obra que se encuentra en el Reina Sofía es de tamaño muy superior a lo que sería un metrónomo normal, y en su aguja, marcando el paso incesable y eterno de los segundos, tiene un ojo. Pero el ojo según la posición de la aguja se convierte en un ojo cerrado o abierto. El ojo pertenecía a una antigua amante de Man Ray, lo que da a la obra ciertas connotaciones sexuales y afectivas a la obra.

sábado, 27 de noviembre de 2010

Fain Art

Sábado 27 de noviembre de 2010
Palacio de congresos ( Madrid)
Fain Art
Feria de arte independiente

Antes de empezar quería dar gracias a la chica de la puerta, pues en un principio yo había quedado con dos amigos además de con Sara Guerrero, para ir juntos a esa feria aprovechando que teníamos dos entradas dobles ( la suya y la mía)pero cuando llegué a la puerta me di cuenta de que me la había olvidado en mesa del ordenador, mientras comprobaba dónde se encontraba situado en el mapa la feria. La recepcionista me regaló otra entrada para no se estropearan nuestros planes.

La feria me gusto muchísimo. Cuando llegamos había un concierto en directo y un ambiente neo - bohemio vanguardista que me entusiasma. Es un ambiente muy fresco y distendido.

El primer Stan en el nos encontramos, fue también uno de los que más me gustó.
La colección REFLEJOS, con un estilo hiper-realista, pero  no lo suficiente como para parecer una fotografía, pues ese estilo de pintura no me gusta nada, me parece de una vulgaridad espantosa y anodina, un clasicismo insincero absolutamente kirch, y en la feria los había. Había un stan que entre mi grupo de amigos causo muchos elogios, excepto a mi. Que ver ese tipo de cuadros solo me hace pensar en lo que haría un camionero., sin embargo la colección de CARMINA OREJAS no lo era en absoluto.
Sara Guerrero y yo estuvimos hablando con la autora, y nos contó una anécdota sobre su pintura que no me resisto a retransmitir. Había un cuadro de un niño, (su nieto)  basado en una fotografía “DESCUBRIENDO EL MUNDO” en el que se encontraba en el río unas pompas y va a explotarlas, pues en al feria hubo una niña pequeña que  de la entrada, vio el cuadro y salió corriendo a  explotarlas pero solo se golpeó contra el cuadro.
La verdad es que el tema de los reflejos es algo que siempre me a apasionado. Como conseguir que se rompa el espacio donde está el espectador y donde esta el cuadro, como algunos parece que donde deberías de estar reflejado tú hay otra cosa, que amplía el espacio de una manera asombrosa.

Me encantó también la opción propuesta por Castañeda Fuertes, pues esta licenciada en bellas artes dícese capaz conseguir la sanación a través de sus pinturas.
Mediante un encargo, se hará un cuadro absolutamente personal, y exclusivo, diseñado para un lugar de la casa, y dice que después al contemplarlo durante el tiempo se compromete a curar el interior, realizar un despertar interior.
La verdad es que no creo demasiado en semejante milagro de la medicina, pero me pareció muy interesante, por no decir  que su obra en general, aparte de si sanan o no, me apreció realmente hermosa .
Sus mayores virtudes son un color vibrante e intensísimo, en todas las escalas unos paisajes de diferentes orígenes, que básicamente son una mísera excusa para el maravilloso cromatismo.

Creo que sin duda el que más me gustó de todos son unos “esbozos” realizados por MARIA LUISA ESPARCIA.  Son unos cuadros, unos retratos basados en los grandes cuadros de la humanidad, y con tan solo unos esbozos se podía apreciar perfectamente qué es.
Desde la chica de la perla, hasta un greco, la dama del armiño, y una virgen renacentista, todos los cuadros, pero la característica es que en la cara solo había un espacio en blanco. No tenían cara, son rostros sin cara que aun así extrañamente tiene una profundidad tremenda, y que parece que te mira, te atraviesan con unos ojos inexistentes.

Además me pareció que el precio por estas pinturas era muy accesible a los bolsillos de la gente, un gran oportunidad. Aunque en el fondo, el asunto económico del precio me apreció muy asequible en tonos generales, al contrario que la exposición de grabados y arte múltiple que se celebró en el Ifema. Aquí, no había unos precios desorbitados,, al contrario era un buen sitio donde un esteta podría surtirse y satisfacerse con su mecenazgo.


  GLORIA GOMEZ  también fue otra autora de la que disfruté mucho.
Había una serie de grabados de diferentes motivos y tamaños, realmente hermosos y actuales. ME gusto especialmente el que trababa de unos peces.
Me pareció que la técnica eran litografías aunque no estoy muy segura, pues también cabe la posibilidad de realizarla con planchas de bronce. Indistintamente a la técnica, la colección numerada era muy bonita a la para que sencilla, nada recargada, solo unos pocos trazos .
La verdad es que me molestó enormemente el hecho de que  no pudiera permitirme el pagar por una de esas obras. Porque realmente me gustaron mucho.

Unos cuadros con una luminosidad tremenda eran los cuadros del stan  de la SALA   ALBAREDA. Eran todos ellos paisajes, con o sin figuras antropomorfas, y con o sin construcciones de fondo, pero todas ellas con el denominador común de la luz. Un cromatismo muy claro y una pincelada muy fluida son los otros nexos .

Voy a acabar hablando de unas obras que no me gustaron en absoluto, que son sin duda unas esculturas, y eso que a mí la escultura me fascina, y me parece que tiene una presencia real tremenda, en este caso me aprecio espantosa, que son unas esculturas en resina de uno mono, y un perro que tenía la cara de Iltre. Y del presidente Obama.
La verdad es que me apreció tremendamente ofensivo, humillante y vejatorio , y fuera de lugar. En definitiva muy desagradable.
No sé qué opinarán los demás sobre ella pero no sabría ni describirla correctamente porque pasé de largo de aquella ofensa estética en cuanto pude. Sin detenerme a mirarla, así que ni siquiera sé el nombre del autor  y la verdad no me interesa lo más mínimo conocerlo.

viernes, 26 de noviembre de 2010

Jardines impresionistas

Viernes 26  de noviembre de 2010
Fundación  Caja Madrid (Madrid)
Jardines impresionstas

esta deliciosa exposición deliciosa es para disfrutar recorriéndola, con la única pega de que es imposible hacerlo con el sosiego y la intimidad que precisa, por el numero de visitantes a cualquier hora del día.
Los pintores que se muestran , Curran, Pisarro, Klimt, Anglada Camarasa, Van Gogh, Monet.... etc son  todos ellos , de una calidad ampliamente reconocida, por lo tanto es verdaderamente difícil elegir que obra describir o en que cuadro pararse mas tiempo.
Es la primera vez que se realiza una exposición monográfica de jardines impresionista, postimpresionistas y naturalistas y ver juntas todas estas cantidades de obras es un regalo.
Los jardines fueron no obstante un tema caro para estos pintores porque reunía tres características muy definidas de su pintura. Pintar al aire libre, presencia de  figuras de la vida moderna y posibilidad de desplegar una paleta de colores intensos y brillantes.
Aquí podemos ver pinturas de Caillebotte de una planitud manifiesta, casi como si estuviera pintando un tapiz, de Bonart  coqueteando con lo nabit y con el simbolismo, de Villard decorativista, con colores brillantes y contornos delimitados, con Van Gogh en una pintura que representa un sotobosque y que nos hable de terquedad, pero también de esperanza en el rayo de luz que aparece al fondo con esa pincelada descompuesta .
Los pintores americanos también están presentes Friesele, pintando a una mujer que casi forma parte de la decoración, Curran en un cuadro espléndido en el que aparecen dos mujeres en una barca y en un lago de flores, paisaje que por otra parte existe en Ohio. Pintores austriacos como Kramer o Corinth , escandinavos como Larson muy apreciado en esas latitudes y poco conocido en estas.. etc
Pero mención especial, para mi merecen Klimt con tres soberbios cuadros, en formato cuadrado tan característico de él , en uno de ellos mezcla arquitectura con jardín y con jardín productivo, en todos tiende a la abstracción utiliza colores planos y es muy decorativista. Anglada Camarasa, pintor  inconfundible con esa mujer tan rotunda como todas las suyas , vestida de blanco y que parece un pavo real, en ese jardín nocturno al que ella ilumina, Malevich en una pintura que sorprende porque es inusual en su estilo de las vanguardia rusa, esta pertenece a su época parisina es casi naif y nos muestra la vida en la ciudad, también sorprende Braque en este jardín con ya muy clara influencia cubista y no lo hace Nolde, heredero de la pintura de Van Gogh  conocido también por sus flores  rotundas, que inciden en los sentidos con colores tensos y con su trazo grueso casi táctil.
Debería nombrar a muchos más porque todos son estupendos, Es esta una exposición que no debe perderse nadie que disfrute con el arte.

Museo del traje

Viernes 26  de noviembre de 2010
Museo del traje (Madrid)

La edad de oro de la alta costura española
Lope (las entretablas del siglo de Oro)

Nunca había ido al Museo del traje antes, y eso que me habían contando que estaba muy bien y era muy interesante. El museo está un tanto alejado de la puerta, pero me sorprendió lo grande que era.
Allí en ocasiones se exhiben los vestuarios de algunas películas, como fue el caso de “Ágora” ( una lástima no poder verlo) y como ha sido el caso del film español estrenado este verano “Lope: las entretelas del siglo de Oro” . Tengo amigos que han visto la película, y me dieron una opinión bastante mala de la misma. No puedo decir lo mismo de su vestuario.
Estaba realmente logrado.
Me gustó mucho el vestuario en general, y me dio muchas ideas para hacer futuros trajes, cuando aprenda a patronar, o cuando consiga quedar con una amiga, intentare reproducir la capa azul.

Algo que me sorprendió mucho es que las cámaras de cine oscurecen mucho los colores, así la capa que a simple vista era de un azul extraño, en los póster de los fotogramas que había de la película, se veía de un azul oscuro, casi marino.

La otra exposición  temporal del museo se llamaba  “La edad de oro de la alta costura española“ , y eran trajes de fiesta por prestigiosos diseñadores españoles desde los años veinte a los setenta.
Me llego a sorprender muchísimo la intemporalidad de la alta costura. Pues aunque se veía perfectamente que era un corte antiguo, había trajes que eran realmente “actuales” es decir, cualquier famosa podría ir a recoger un premio cualquiera con algunos de estos trajes sin llamar la atención de modo negativo, sino al contrario recibiendo elogios por parte de la prensa.
Nos sorprendió muchísimo al llegar a los vestidos más actuales ( década de los setenta) y ver allí algún corte o algún descampado que nos recordaba a nuestra madre, alguna fotografía  de casa con un traje realmente parecido a los allí expuestos.

miércoles, 17 de noviembre de 2010

Escultura al aire libre

Miércoles 17 de Noviembre de 2010
Museo de Escultura de Leganés  (Leganés)

Este museo es uno de mis favoritos, paso por su lado cada vez que voy a recibir mis clases de baile, es decir, cada miércoles.
Recuerdo que fue para mí una enorme sorpresa encontrármelo,  buscando el centro cívico para un intensivo de ritmo Saidi  pasé por delante de lo que creía un parque, y entre las rejas de hierro forjado se asomaban ciertas esculturas.

Tengo que confesar que para mí la escultura  es mi arte mayor preferido, y con el que más disfruto, quizás porque es mucho más cercano que la pintura,  incluye la multiplicidad de puntos de vista disfrutas desde todos su ángulos y es capaz de conmoverme como no puede hacer un edificio. Me gusta rodearlas, acercarme a las esculturas para luego alejarme, comprobar el material  ¡Qué ofrece mil y una posibilidades!  Aproximarme tanto que pudiera tocarlas si lo deseara..
Muchas veces la conservación choca con los deseos del artistas, pues muchas esculturas no están hechas para mirar desde un pedestal.  Sino para disfrutarlas. Por eso comulgo tantísimo con este museo. Naturaleza y arte de la mano, como tantos humanistas renacentistas se empeñaron  en realizar, pues este museo no deja de ser un paisaje intervenido, creado el mismo con un fin estético, con elementos sacados de la naturaleza y creados para este único fin. Es el sueño de la humanidad, la mítica armonía con la naturaleza, pues los parques y jardines significan una añoranza, el regreso sentimental a la Edad Dorada, al Edén. También es una vía de escape, y el camino para alcanzar esa meta es la reconciliación con la naturaleza y esta se hace a través del arte. Este museo es la conjugación de lo bello del arte y de la naturaleza.
Es un museo al aire libre,  es arte que respira, arte vivo.

Las esculturas de este museo son algunas cedidas por el Reina Sofía, y son difíciles de escribir en conjunto, ya que cada una pertenece a un escultor, y a un estilo.
Una de su obras favoritas se llama Milenia de Manolo González , es un conjunto de esculturas  forradas como de malla de metal que calca la anatomía perfecta de figuras masculinas antropomorfas  sostenidas por cables metálicos. Una única figura en varios momentos diferentes,  realizando una especie de acrobacia, y captada en los momentos más espectaculares de la misma.
A pesar de su material da un aspecto de ligereza, que se acentúa por el hecho de que casi eres capaz de  colocarte debajo de las mismas, que las ves sostenidas en el aire , violando continuamente la fuerza de la gravedad, mientras tus pies se aferran constantemente al suelo.
Las figuras casi se tocan con los dedos, pero no llegan a alcanzarse, pero ayuda a la composición, y el material con el que están hechas , al ser translucido da una sensación de todavía más acusada de  etéreo.

miércoles, 10 de noviembre de 2010

Los paisajes americanos de Asher B. Durand

Miércoles  10  de noviembre de 2010
Fundación Juan March (Madrid)
Los paisajes americanos de Asher B. Durand.(1796-1886)

La exposición de la Fundación Juan March, como todas las que se hacen en esa sede, está muy bien organizada, además con la nueva remodelación, las salas han quedado mucho mas amplias y así las exposiciones ganan en perspectiva.
En esta exposición se recogen múltiples obras del artista, entre oleos, dibujos y grabados, que nos dan una visión muy completa de su trabajo y su evolución.

Nacido en 1769, muy joven se dedico al arte del grabado, y durante casi 28 años este fue su oficio. Aunque su obra cumbre en este periodo fue el grabado que hizo de la “Declaración de la Independencia” muy merecido, a mí me ha llamado más la atención los grabados que él realizó en los billetes de banco en los que mezcla figuras extraídas directamente del clasicismo conviviendo con las caras de americanos del momento. En uno de ellos aparece el Presidente Lincon  a la manera de Julio Cesar.

Asher  no se contentó con el grabado, aspiraba a pintar al óleo, pues consideraba que esa forma de arte era de más categoría . Así empezó a pintar retratos de  filántropos, y se le encargo posteriormente el retrato de siete  de los presidentes de  EEUU, pero su meta era llegar a ser un pintor de paisajes. Como no tenia preparación en estos temas , durante un año viajo por Europa, sin duda cuna del arte para estudiar la pintura europea y aprender de ella. A su vuelta a casa este fue su único oficio , y debía de tener muy claro su objetivo porque se convirtió en el mas afamado pintor de paisajes de su tiempo llegando a ser el mentor junto con su amigo y maestro de la “Hudson River School”

Los árboles fueron su obsesión, los consideraba casi como humanos , en este sentido, fue un pintor meticuloso, como así lo demuestran las cientos de apuntes que hizo sobre los mismos, diferenciándolos como podía diferenciar los rostros de las personas.

En la exposición se muestran muchos paisajes,  y  casi todos siguen unas reglas muy definidas: un primer plano terrenal, en colores ocres, después árboles, que unas veces forman pantalla para que la vista eleve hacia el horizonte muy lejano y otras veces este se deja entrever, en los primeros el horizonte se abre y en el se percibe el aire o la atmósfera.
En sus últimos cuadros la forma de concebir el paisaje cambia de manera significativa, los impresionistas dejan su huella y los colores se suavizan tirando a verdes suaves y  diluyendo la pincelada.

Dalí, Lorca y la residencia de estudiantes

Miércoles  10  de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Dalí, Lorca y la residencia de Estudiantes

Una exposición poco convencional. Nos habla de la relación de grandes mentes españolas que coincidieron durante unos años cohabitando en un mismo lugar, grandes artistas, siendo  Dalí, Lorca y Buñuel sus máximos exponentes.
Yo sabía que ellos se habían conocido, pero no  sabía con cuanta afinidad y cuan estrecha había resultado esa amistad  hasta hoy, como la pintura de Dalí se veía influida por Lorca, y como la poesía de Lorca bebía de Dalí ,  de esa relación  me ha sorprendido el resultado de su amistad, me ha parecido muy afable, muy cercana, aquí no se exponían los trabajos de dos genios, que también, sino los proyectos, la mayoría inacabados, de dos amigos, dos estudiantes con ganas de comerse el mundo e infinidad de ideas que se retroalimentan mutuamente.

De esa relación simbiótica, aparece uno de los cuadros que más me ha gustado, un retrato de Federico García Lorca realizado por Salvador Dalí ,  al estilo cubista, cosa que me sorprendió, dado que no conocía esa faceta del pintor, supongo que no llegaría a sentirse cómodo en el estilo, sin embargo, debo decir que era un retrato cubista, bastante bueno, de forma muy desestructurada,  en la que solo se distinguía la figura antropomorfa  ligeramente, detalles como la corbata, la hoja de papel, seguramente haciendo alusión a poesía. El colorido estába muy bien plasmado dejando los tonos de luz muy centrados, siendo fácil seguir el eje y distinguir de ese modo la figura.
De este mismo estilo destaco un maravilloso bodegón ( naturaleza muerta )de Juan Gris, en la escala del color homónimo.

Otro de los cuadros que más me gustó, apenas debería estar dentro de la exposición, dado que en ella no llegan al surrealismo ( etapa que encumbro a Dalí como genio)  pero estaba, y me encantó. Se trata de “la mañana angustiosa” de Giorgio de Chirico.  Es un cuadro que no hace, a priori, honor a su nombre, pues en él ves muchísima claridad, pero al fijarnos más detenidamente,  sí sentimos esa presión en el pecho que caracteriza , esa sensación de ahogo.
Ese miedo que inspiran las sombras alargadas, como garras, que arañan las zonas iluminadas.
La perspectiva del cuadro, tremendamente marcada, parece hacernos creer que el final está demasiado lejos, que se extiende al infinito, y que nunca podremos llegar a él.
También está al angustia de la oscuridad que muere, y que la luz bañe todo,  que muestre  la realidad que las sombras ocultan, porque el horror más grande no es el  que mora en las tinieblas, es aquél que después de morar en las tinieblas, acechante,  sale a la luz.

Infancia

Miércoles  10  de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Infancia - Isabel Muñoz

Fue una exposición tremendamente impactante para mí.
La obra ,organizada por Unicef,  conmemora el vigésimo aniversario de la Convención de los Derechos del Niño. Se trata de las fotografías de Isabel Muñoz, tomadas en las zonas más desfavorecidas de los cuatro continentes, y en todas ellas refleja la más cruenta cara del fracaso, en sus más desfavorables  y desprotegidas víctimas: Los niños.

Las imágenes estaban acompañadas de la trágica historia de los niños que retrataban. Historias plagadas de abandonos, raptos, enfermedad, abusos sexuales,  y con el denominador común de la pobreza y la vulnerabilidad. Historias a cada cual más trágica y desoladora que conseguía, transmitir  la compasión y el horror a la que se han visto sometidos.

Hubo unas fotografía, que especialmente me llamaron,  las manos de una niña india, decoradas con henna, pero ajadas, pues llevaba  desde más tiempo de lo que recordaba trabajando como limpiadora, de las suaves manos de niña, ya no quedaba nada.
Había otra, también era unas manos, unas manos de varón africano, que ocultaban su rostro, unas manos llenas de callos y cicatrices provocadas por años de torturas a las que se había visto sometido.

La más espectacular de todas, trataba de un joven nigeriano, un huérfano de uno de sus progenitores, y abandona por el otro, sufría enormemente y  se despertaba todos los días esnifando pegamento para olvidar su pasado.
Tenía apenas 17 años, y ya eran 17 años los que tenía que olvidar.
No era solo su  funesta historia lo que me llamó. Era la fuerza de su  imagen: En ella aparecía este apuesto joven   de raza africana, enfocado de torso para arriba, vestido con una turbante y en un marco incomparable,  rodeado de desierto y arena bajo un sol abrasador. Y en escala de grises, que , aunque aparentemente sea igual que una imagen a color,  mentalmente no es así, las imágenes en blanco y negro impactan más estéticamente.

La imagen transmitía una fuerza increíble. Un dolor más allá de lo imaginable, un horror más allá de lo visible.
Nunca había visto unos ojos como aquellos, tan llenos de dolor y tan carentes de esperanza, tan luminosos y brillantes cristales, pero tan inertes como los mismos


Federico Fellini, El circo de las ilusiones

Miércoles  10  de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Federico Fellini, El circo de las ilusiones

Caixa forum,  ubicado en el llamado triángulo del arte de Madrid, es un edifico espectacular en mi opinión, de los más bonitos de Madrid, pues a pesar de su construcción tiempo atrás, se ha remodela de una forma espectacular desde sus cimientos , pero conservando esa fachada de ladrillo tan característica.
Pero luego de donde debiera estar el tejado aparecen unos módulos de metal ajado y oxidado , que casan a la perfección con el edificio, pues le da ese aspecto de corrosividad que me encanta, esa sensación de lugar horrible, con las ventanas tapiadas, con el óxido de sus paredes, para llegar a lo más espectacular: El edificio flota, se suspende en el aire como levitando del suelo, pues cuando caminas para buscar exactamente dónde se sujeta, solo ves esa escalera de caracol que te da la bienvenida , diseñada en homenaje al las escaleras de museo Guggenheim, y una pequeña fuente, como una cascada de la que fluye agua y una sonorabilidad fantástica.

Una vez dentro entramos en la exposición homoníma al cineasta Fellini, en la sala nos llenamos de la música de sus películas que, en un ciclo continuo, no paraba de ambientar.
La exposición hablaba de su vida, de su amada Italia , de sus gentes y de todo ello  unido y de nada de eso a la vez, pues todo eso era lo que componía su arte.
La exposición hacia especial interés en la película “la dolce vita”  un film que todavía no he visto, pero esta exposición ha despertado el interés por ello, así que quedé con Sara Guerrero en verla próximamente.
Especialmente  me sorprendió como asuntos aislados en la sociedad, Fellini, conseguía transformarlos en sus películas, como por ejemplo, tras la guerra,  Italia había acogido muchas apariciones marianas, o como una fiesta de la alta sociedad acabó en un strepteare, por parte de una joven actriz  y por consecuencia un gran escándalo en Italia al enterarse de su decadente  jet set, mientras que Fellini lo tomó como una fuente de inspiración para una escena de su “obras maestras”. La verdad es que no alcanzo a comprender la razón, sin embargo esta información fue lo  que más me impactó de todo. Contemplar esas fotografías de la actriz “la turca” una joven desconocida , que posiblemente ya estuviera acabada, pero sintiendo envidia de la expectación que ejerció el baile de otra, ella decidió causar lo mismo pero de manera más directa y mucho menos elegante. Y mientras ella se desprendía de su ropa y de quizás los últimos vestigios de dignidad que le quedaban, la gente se agolpaba a su alrededor para contemplar su decadencia.

Como fin y curiosidad, quiero cerrar comentando que me he enterado que el término Paparazzi, y  la profesión se “inventó” en Italia y deriva de un personaje de este director.