miércoles, 15 de diciembre de 2010
domingo, 12 de diciembre de 2010
Levi Van Veluw
La obra de Levi Van Veluw me resulta inquietante y desagradable.
esta obra me gusta, pero tan solo porque se parece al disfraz de un amigo
sábado, 11 de diciembre de 2010
Nicoletta Ceccoli
Sobre Nicoletta Ceccoli, ya había tenido oportunidad de conocer su obra, no sabría decir exactamente donde, pero su obra no me es nueva, ya la había visto en otras ocasiones.
Este estilo con reminiscencias románticas, un tanto góticas, pero siendo delicadas muñecas, me lleva inmediatamente a pensar en "El corazón de Arlene"
¿No te llegan algunas reminiscencias cuando comparas ambas obras?viernes, 10 de diciembre de 2010
Meret Oppenheim
Esta artista fotógrafa surrealista Suiza, también ha publicado escritos y poemas por la década de los ochenta.
Su obra de temática surrealista, deja muy patente ese estado en sus obras: «Juego de desayuno de piel»,
«Mesa con patas de aves»,
Tras su muerte de un ataque al corazón se han realizado varias exposiciones colectivas y retrospectivas de su trabajo pero el mayor homenaje es la existencia del Premio Meret Oppenheim que otorga anualmente la «Oficina suiza de cultura» a artistas de más de cuarenta años.
La verdad, es que el arte surrealista siempre me ha fascinado. Esa realidad onírica. Adoro esarealidad que alude a una experiencia , que alude a otra realidad que no está presente, me encanta esa expresión como el dadaísmo, esa concepción que lo es todo y no es nada, algo muy claro, pero con un matiz en nihilista en el fondo. ( En mi caso eso no es demasiado complicado. Yo encuentro matices nihilistas en casi cualquier cosa)
jueves, 9 de diciembre de 2010
Ouka Leele
Ouka Lele es una de las fotógrafas madrileña , cuyo verdadero nombre es Bárbara Allende Gil de Biedma. Me ha sorprendido muchísimo, pues con ese nombre lo menos que esperaba es que fuera española.
Destacó como artista de la «movida» madrileña de primeros de los ochenta, Cosa que también, choca de pleno para mí, pues cunado vi su obra y oí su mombre, lo último a lo que lo asociaría es a Alaska, Pedro Almodóvar... Sin embargo eso fue así.
Parece ser que el nombre de Ouka Leele viene de una especie de constelación de una carta estelar inventada por otro personaje destacado de la movida madrileña, "El Hortelano" del cual nunca había oído hablar.
Aquí vemos una obra que realizó dentro del Prado, lo cual tiene valor, primero porque el Prado es una pinacoteca muy celosa de su intimidad y no permiten fotografías en el interior ( cosa que sé por experiencia propia y hacen que de cada foto que he tomado ilegalmente allí, tenga mucho más valor, aunque evidentemente está mucho peor encuadrada) Y segundo porque es una fotografía magnífica, y muy delicada, delante de uno de los grandes joyas del prado ( si es que no lo son todas) como es el "Juicio de Paris" de Rubens que aporta una elegancia refinada y exquisita a los gestos de la modelo.
Además combina muy bien con el apartado de "empelúcate" con esa melena de inspiración histórica, con ese rubio de los países norteños y pudor como un "Nacimiento de Afrodita" o una venus púdica de la estatuaria romana, en la que la diosa cubre su desnudez con su propio cabello.
ESTA OBRA ES MI FAVORITA
combina dos grandes pasiones mías, LAS TORTUGAS, que siempre hacen que una obra sea mejor ( a mi no se me ocurre ninguna obra de arte que tenga tortugas y sea estéticamente desagradable) y además esta técnica fotógráfica, me gusta, si no me equivoco, esa sobre-exposición de luz se consigue con una lomografía.
Esta obra también la quiero poner en el blog por las reminiscencias que tiene en los grabados japoneses ukiyo-e, como " la esposa del pescador" y motivos similares.
miércoles, 8 de diciembre de 2010
Sara Sapetti
Sobre esta autora, ya habalmos el año anterior por su relación entre arte y comida, este año es mucho más específico, ya que hablamos de ella en su relación con arte y pelo.
Como esta fotografía en la que el vello se convierte en salchichón, un maravilloso cabello y barba hecho con trozos de cerdo.
Aquí tenemos una corona mucho más apta para veganos, pues esa hecha de vegetales, una tiara de lechuga y a modo de arcadas de Kamelatio bizantino, unas zanahorias colgante.
La belleza de lo Grotesco
Miércoles 08 de diciembre de 2010
Fundación Carlos de Amberes (Madrid)
La belleza de lo grotesco.
James Ensor
Una magnifica exposición que nos permite visualizar a un artista tan característico con es Ensor.
Dividida en cuatro partes, en la primera de ellas nos encontramos a un Ensor poco conocido , como pintor de la naturaleza, lo compones una gran cantidad de grabados, sobre papel, fieltro, papel japonés , pergamino.. est. Coloreadas a mano con lápices, guache o acuarelas , donde nos muestra paisajes y marinas y urbanos con una precisión asombrosa, cuidando los detalles al máximo y con una coloreado exquisito.
También podemos contemplar grabados en los que él es el protagonista, y vemos como la ironía también la emplea para consigo mismo, por ejemplo en uno de sus autorretratos aparece como debería ser cuando cumpla 80 años ( una especie de cadáver ) y en otro que lo titula “ Mi autorretrato en 1970” , aparece en la misma postura que el anterior, echado a modo de maja de Goya pero su cuerpo es un esqueleto .
En la nave central, pues no podemos olvidar que la fundación tiene su sede en una iglesia desacralizada, en la pared opuesta a lo que fue el altar ( por cierto, no me resisto a mencionar el espectacular cuadro de Rubens, titulado “El martirio de San Andres” que presidio la cabecera del templo y que hoy día es una de muchas joyas que atesoran iglesias y conventos en Madrid ) está una de las grandes obras de Ensor “ La Entrada de Cristo en Bruselas un martes de carnaval” enmarcado en el reinado de Leopoldo II muy problemático y con gran cantidad de disturbios nos muestra a Jesús como un figura política revolucionaria, nos adentra en la aparición del socialismo y el comunismo y es una critica social y política.
“Los pecados capitales”, es una serie en la que aparecen reflejados todos ellos y que ilustraron un álbum acompañando a los textos de Demolier que se vendió a 20 francos o 50 según fuera coloreado o no, es una critica y nos recuerda mucho a Brueghel el Viejo.
Dentro de “ La gran farsa” nos podemos encontrar al arquero terrible, a El cortejo infernal, Brujos en la borrasca, Demonios apaleando Ángeles Broma del elefante, en la que una multitud infligen castigos al animal ante la hilaridad de la concurrencia ¿ puede recordarnos algo a las fiestas patronales de muchos pueblos de España con el toro como protagonista?... etc
En “ L os buenos jueces” critica al sistema judicial y esta inspirado en uno de sus cuadros. En “ Los malos médicos” mas de lo mismo en Gendarmes aparecen unos pescadores muertos a manos de ellos... etc.
Hay un grabado muy significativo “Cocineros peligrosos” en las que aparecen dos cabezas sobre sendas bandejas y que se van a servir a unos comensales, estos son los críticos
y las cabezas pertenecen a pintores, uno de ellos es el propio Ensor clavado en su cabeza hay una banderita en la que podemos leer Art Ensor, una expresión intraducible que hace referencia a un juego de palabras Hareng saur” nombre de un plato de cocina.
Otro grabado que merece la pena ser comentado es “Alimentación doctrina” es un ataque a los notables son cinco figuras encima de un multitud en la que nos muestran sus posaderas en el momento de defecar sobre ellos, pertenecen a Leopoldo II UN OBISPO, UN CURA, UN GENDARME Y UN BURGUES.
“Venganza de Hop. Frog sobre un cuento de Poe, un enano rechazado por el rey que logra que se disfracen de orangutanes y se encadenen a un candil que luego prende a modo de lámpara que ilumina un salón de baile.
“A auto de Fe” también hace referencia a un cuadro suyo, en el aparece Felipe II rezando con las manos juntas en el infierno, viendo pasar las almas de sus victimas.
Podíamos seguir describiendo mucos mas grabados y en todos ellos hallaríamos ese toque ácido de critica a través de unos personajes que no son tales sini mascaras, pero no tendríamos espacio suficiente.
Por ultimo también se pueden contemplar un serie de mascaras pintadas por el que harían la delicia de esta asignatura.
Fundación Carlos de Amberes (Madrid)
La belleza de lo grotesco.
James Ensor
Una magnifica exposición que nos permite visualizar a un artista tan característico con es Ensor.
Dividida en cuatro partes, en la primera de ellas nos encontramos a un Ensor poco conocido , como pintor de la naturaleza, lo compones una gran cantidad de grabados, sobre papel, fieltro, papel japonés , pergamino.. est. Coloreadas a mano con lápices, guache o acuarelas , donde nos muestra paisajes y marinas y urbanos con una precisión asombrosa, cuidando los detalles al máximo y con una coloreado exquisito.
También podemos contemplar grabados en los que él es el protagonista, y vemos como la ironía también la emplea para consigo mismo, por ejemplo en uno de sus autorretratos aparece como debería ser cuando cumpla 80 años ( una especie de cadáver ) y en otro que lo titula “ Mi autorretrato en 1970” , aparece en la misma postura que el anterior, echado a modo de maja de Goya pero su cuerpo es un esqueleto .
En la nave central, pues no podemos olvidar que la fundación tiene su sede en una iglesia desacralizada, en la pared opuesta a lo que fue el altar ( por cierto, no me resisto a mencionar el espectacular cuadro de Rubens, titulado “El martirio de San Andres” que presidio la cabecera del templo y que hoy día es una de muchas joyas que atesoran iglesias y conventos en Madrid ) está una de las grandes obras de Ensor “ La Entrada de Cristo en Bruselas un martes de carnaval” enmarcado en el reinado de Leopoldo II muy problemático y con gran cantidad de disturbios nos muestra a Jesús como un figura política revolucionaria, nos adentra en la aparición del socialismo y el comunismo y es una critica social y política.
“Los pecados capitales”, es una serie en la que aparecen reflejados todos ellos y que ilustraron un álbum acompañando a los textos de Demolier que se vendió a 20 francos o 50 según fuera coloreado o no, es una critica y nos recuerda mucho a Brueghel el Viejo.
Dentro de “ La gran farsa” nos podemos encontrar al arquero terrible, a El cortejo infernal, Brujos en la borrasca, Demonios apaleando Ángeles Broma del elefante, en la que una multitud infligen castigos al animal ante la hilaridad de la concurrencia ¿ puede recordarnos algo a las fiestas patronales de muchos pueblos de España con el toro como protagonista?... etc
En “ L os buenos jueces” critica al sistema judicial y esta inspirado en uno de sus cuadros. En “ Los malos médicos” mas de lo mismo en Gendarmes aparecen unos pescadores muertos a manos de ellos... etc.
Hay un grabado muy significativo “Cocineros peligrosos” en las que aparecen dos cabezas sobre sendas bandejas y que se van a servir a unos comensales, estos son los críticos
y las cabezas pertenecen a pintores, uno de ellos es el propio Ensor clavado en su cabeza hay una banderita en la que podemos leer Art Ensor, una expresión intraducible que hace referencia a un juego de palabras Hareng saur” nombre de un plato de cocina.
Otro grabado que merece la pena ser comentado es “Alimentación doctrina” es un ataque a los notables son cinco figuras encima de un multitud en la que nos muestran sus posaderas en el momento de defecar sobre ellos, pertenecen a Leopoldo II UN OBISPO, UN CURA, UN GENDARME Y UN BURGUES.
“Venganza de Hop. Frog sobre un cuento de Poe, un enano rechazado por el rey que logra que se disfracen de orangutanes y se encadenen a un candil que luego prende a modo de lámpara que ilumina un salón de baile.
“A auto de Fe” también hace referencia a un cuadro suyo, en el aparece Felipe II rezando con las manos juntas en el infierno, viendo pasar las almas de sus victimas.
Podíamos seguir describiendo mucos mas grabados y en todos ellos hallaríamos ese toque ácido de critica a través de unos personajes que no son tales sini mascaras, pero no tendríamos espacio suficiente.
Por ultimo también se pueden contemplar un serie de mascaras pintadas por el que harían la delicia de esta asignatura.
Thyssen-Bornemisza
Miércoles 08 de diciembre de 2010
Museo Thyssen-bornemisza (Madrid)
Colección permanente
Hay que decir que los fondos de la galería del museo Thyssen-Bornemisza, es inmensa, casi tanto como su colección permanente, cuadros de una gran calidad artística y de muchísimo valor.
La verdad, es que fui allí a disfrutar de su colección, y de los cuadros que más me gustaron no puedo hacer el comentario, dado que ninguna pertenece al arte contemporáneo, pero sin duda no puedo dejar de manifestar mi emoción ante LA ANUNCIACIÓN del Greco, y mucho menos dejar de comentar una de las mayores obras de arte de la humanidad, EL JOVEN CABALLERO EN UN PAISAJE, del artista renacentista veneciano Vittore Carpaccio, pero comprendo que ninguna de ellas se puede hablar.
En cambio de las sí cometeré las obras de la planta baja, comentar por ejemplo las obras de Liechtenstein o Bacon
Lichtenstein es un autor que siempre me han gustado, por su enorme inspiración por el mundo del cómic o el tebeo , su uso del color primario , usado de forma intencionadamente biselada. Este artista, otrora inspiración de Andy Warhol recibió una muy merecida exposición homónima en España, de la que hace ya casi cinco años.
Luego también adoré el retrato del amante de Bacon, George Dyer, que posteriormente se suicidó, sentado en una silla giratoria frente a un espejo colocado sobre un extraño mueble con peana.
El amante esta un tanto distorsionado y con una postura absolutamente manierista logrando un escorzo violento. También tiene la cara retorcida y en el otro lado, la cara reflejada en el espejo, no sufre las mismas distorsiones
La figura está rodeada por un cono de luz, como un foco que sale de arriba añadiendo dramatismo a la escena.
He de añadir que al igualq que le pasó a Lichtenstein, a Bacon, también se le ofreció una exposición homónima, aunque esta vez en el museo del Prado.
Museo Thyssen-bornemisza (Madrid)
Colección permanente
Hay que decir que los fondos de la galería del museo Thyssen-Bornemisza, es inmensa, casi tanto como su colección permanente, cuadros de una gran calidad artística y de muchísimo valor.
La verdad, es que fui allí a disfrutar de su colección, y de los cuadros que más me gustaron no puedo hacer el comentario, dado que ninguna pertenece al arte contemporáneo, pero sin duda no puedo dejar de manifestar mi emoción ante LA ANUNCIACIÓN del Greco, y mucho menos dejar de comentar una de las mayores obras de arte de la humanidad, EL JOVEN CABALLERO EN UN PAISAJE, del artista renacentista veneciano Vittore Carpaccio, pero comprendo que ninguna de ellas se puede hablar.
En cambio de las sí cometeré las obras de la planta baja, comentar por ejemplo las obras de Liechtenstein o Bacon
Lichtenstein es un autor que siempre me han gustado, por su enorme inspiración por el mundo del cómic o el tebeo , su uso del color primario , usado de forma intencionadamente biselada. Este artista, otrora inspiración de Andy Warhol recibió una muy merecida exposición homónima en España, de la que hace ya casi cinco años.
Luego también adoré el retrato del amante de Bacon, George Dyer, que posteriormente se suicidó, sentado en una silla giratoria frente a un espejo colocado sobre un extraño mueble con peana.
El amante esta un tanto distorsionado y con una postura absolutamente manierista logrando un escorzo violento. También tiene la cara retorcida y en el otro lado, la cara reflejada en el espejo, no sufre las mismas distorsiones
La figura está rodeada por un cono de luz, como un foco que sale de arriba añadiendo dramatismo a la escena.
He de añadir que al igualq que le pasó a Lichtenstein, a Bacon, también se le ofreció una exposición homónima, aunque esta vez en el museo del Prado.
Con Conchinchina
Lunes 08 de noviembre de 2010
Sala de exposiciones del Coliseo de la cultura (Villaviciosa de Odón)
Con Chinchiná - Fotografías de Kurt Schleicher
La exposición narra el fascinante viaje de su autor por la península de la Indochina, conocida por el nombre de la Conchinchina, de los que lo forman Laos Camboya y Vietnam. Paises muy muy diferentes el uno del otro, como nos dejan patentes las fotografías, en la que intentan mostrar sus maravillosas construcciones, pero sobre todo sus gente.
La exposición está formada por ciento una fotografías , a su vez divididas en tres partes, cada una perteneciente a un país, que forma la Conchinchina
De Laos , me fascinaros una serie de fotografías con la temática del mercado. Los diferente productos, la gente que no sabía que esta siendo retratada y por lo tanto la naturalidad rayando en lo vulgar que solo se consigue sin advertir la cámara.
Ver esa fotografía es como trasladarte a esas concurridas calles, con especies, con el gentío, prácticamente sientes el barullo de una ciudad desconocida.
De Vietnam no he podido dejar de quedarme fascinada con las típicas fotografías de mujeres en las plantaciones de arroz,. Son tal y como se imaginan los tópicos de las películas. Son esos trabajos duros y sacrificado,. Esos trabajos que los realistas, de la pintura social, como los miembros de La escuela de Barbillón , como Millet les gustaba tanto poder retratar., Y eso precisamente fue una de las primeras imágenes que me llegaron a la mente, los cuadros de Las espigadoras de Millet, la misma postura, el mismo trabajo y el mismo espacio vacío, salvo con trabajadores. Y también a “los acuchilladores de Parqué” de Caillebotte. Esa misma ese esfuerzo. Aun que el exotismo de Vietnam reste dureza a la imagen, sin duda no le falta.
De Camboya me quedó fascinada los templos maravillosos que están en uno de los templos de Angkor una fotografía de unas raíces gigantes que se engullen la arquitectura.
Es sin duda la naturaleza en estado puro, queriendo arrancar a la arquitectura el espacio que ella le ha robado, y año tras año, con cada lluvia, con cada rayo de sol avanza un poco más y se come un poco más de los sillares que antaño fue un templo de culto.
Realmente es una imagen sobrecogedora .
Sala de exposiciones del Coliseo de la cultura (Villaviciosa de Odón)
Con Chinchiná - Fotografías de Kurt Schleicher
La exposición narra el fascinante viaje de su autor por la península de la Indochina, conocida por el nombre de la Conchinchina, de los que lo forman Laos Camboya y Vietnam. Paises muy muy diferentes el uno del otro, como nos dejan patentes las fotografías, en la que intentan mostrar sus maravillosas construcciones, pero sobre todo sus gente.
La exposición está formada por ciento una fotografías , a su vez divididas en tres partes, cada una perteneciente a un país, que forma la Conchinchina
De Laos , me fascinaros una serie de fotografías con la temática del mercado. Los diferente productos, la gente que no sabía que esta siendo retratada y por lo tanto la naturalidad rayando en lo vulgar que solo se consigue sin advertir la cámara.
Ver esa fotografía es como trasladarte a esas concurridas calles, con especies, con el gentío, prácticamente sientes el barullo de una ciudad desconocida.
De Vietnam no he podido dejar de quedarme fascinada con las típicas fotografías de mujeres en las plantaciones de arroz,. Son tal y como se imaginan los tópicos de las películas. Son esos trabajos duros y sacrificado,. Esos trabajos que los realistas, de la pintura social, como los miembros de La escuela de Barbillón , como Millet les gustaba tanto poder retratar., Y eso precisamente fue una de las primeras imágenes que me llegaron a la mente, los cuadros de Las espigadoras de Millet, la misma postura, el mismo trabajo y el mismo espacio vacío, salvo con trabajadores. Y también a “los acuchilladores de Parqué” de Caillebotte. Esa misma ese esfuerzo. Aun que el exotismo de Vietnam reste dureza a la imagen, sin duda no le falta.
De Camboya me quedó fascinada los templos maravillosos que están en uno de los templos de Angkor una fotografía de unas raíces gigantes que se engullen la arquitectura.
Es sin duda la naturaleza en estado puro, queriendo arrancar a la arquitectura el espacio que ella le ha robado, y año tras año, con cada lluvia, con cada rayo de sol avanza un poco más y se come un poco más de los sillares que antaño fue un templo de culto.
Realmente es una imagen sobrecogedora .
martes, 7 de diciembre de 2010
Made in U.S.A
Martes 07 de diciembre de 2010
Fundación Mafre (Madrid)
Made in U.S.A: Arte americano de la Phillips Collection
Es una exposición muy interesan tente ya que en Europa y mucho mas concretamente en España adolecemos de colecciones de arte americanas.
La única pega que le pondría a la exposición es la gran cantidad de temas que abarca, repartidas en diez salas y que resulta un ejercicio costoso de asimilación. Desde el Impresionismo hasta el expresionismo abstracto , hacemos un recorrido por muchas y muy variadas corrientes pictóricas. De todas formas es muy aleccionador ver como la evolución de la pintura sigue un camino en el que el peldaño anterior es necesario para pasar al siguiente, Así desde la pintura de Homer hasta la de Mark Rothko .
Las fuerzas de la naturaleza ocupan un lugar privilegiado en el arte de los EEUU pues el territorio es inmenso y siempre fue una apuesta personal el plasmarlas.
En cuanto a La ciudad, pasa a ser uno de los símbolos más característicos de América del norte, ciudades impetuosas dominadas por la construcción a l más alto nivel, puentes y rascacielos son emblemas de la avanzada tecnología e ingeniería de la nación y pronto reemplazo al campo, así podemos contemplar “Rascacielo” de Sheeler o de Crawford.
Gergia O”Keeffe es una pintora más conocida por estas latitudes, ya se han hecho exposiciones de su obra, recuerdo una en la Fundación Marsh y sus flores mezcla de naturaleza y abstracción no dejan indiferentes.
Pero sin embargo hay un pintor que si que es referente de la pintura americana, se trata de Eduard Hopper , quizá uno de los mas conocidos. Su forma de pintar , o mejor dicho de tratar los temas que pinta es inconfundible, a las grandes ciudades contrapone pequeños lugares, a las multitudes seres solitarios , sus casas siempre esta cerradas, sus paisajes son de una soledad abrumadora, lo mismo que sus personajes, pero quizás, para mi , lo mejor de Hopper es que representa el silencio como nadie, en sus cuadros el silencio se ve, igual que en los cuadros de Velázquez podemos ver el aire..
Otra referencia de EEUU son los móviles de Calder, aquí podemos contemplar uno en una pequeña sala del segundo piso. También en solitario se nos muestra la obra de Rothko, puro expresionismo abstracto, el pintor de la meditación, tanto que tiene un santuario con pinturas en todas las paredes que nos llevan a la meditación mas metafísica. Quizás lo mas importante de estos autores es que dieron lugar al expresionismo Abstracto, el primer estilo verdaderamente internacional nacido en los EEUU, y que ayudo a QUE Nueva York sea la capital de la vanguardia del arte mundial.
Fundación Mafre (Madrid)
Made in U.S.A: Arte americano de la Phillips Collection
Es una exposición muy interesan tente ya que en Europa y mucho mas concretamente en España adolecemos de colecciones de arte americanas.
La única pega que le pondría a la exposición es la gran cantidad de temas que abarca, repartidas en diez salas y que resulta un ejercicio costoso de asimilación. Desde el Impresionismo hasta el expresionismo abstracto , hacemos un recorrido por muchas y muy variadas corrientes pictóricas. De todas formas es muy aleccionador ver como la evolución de la pintura sigue un camino en el que el peldaño anterior es necesario para pasar al siguiente, Así desde la pintura de Homer hasta la de Mark Rothko .
Las fuerzas de la naturaleza ocupan un lugar privilegiado en el arte de los EEUU pues el territorio es inmenso y siempre fue una apuesta personal el plasmarlas.
En cuanto a La ciudad, pasa a ser uno de los símbolos más característicos de América del norte, ciudades impetuosas dominadas por la construcción a l más alto nivel, puentes y rascacielos son emblemas de la avanzada tecnología e ingeniería de la nación y pronto reemplazo al campo, así podemos contemplar “Rascacielo” de Sheeler o de Crawford.
Gergia O”Keeffe es una pintora más conocida por estas latitudes, ya se han hecho exposiciones de su obra, recuerdo una en la Fundación Marsh y sus flores mezcla de naturaleza y abstracción no dejan indiferentes.
Pero sin embargo hay un pintor que si que es referente de la pintura americana, se trata de Eduard Hopper , quizá uno de los mas conocidos. Su forma de pintar , o mejor dicho de tratar los temas que pinta es inconfundible, a las grandes ciudades contrapone pequeños lugares, a las multitudes seres solitarios , sus casas siempre esta cerradas, sus paisajes son de una soledad abrumadora, lo mismo que sus personajes, pero quizás, para mi , lo mejor de Hopper es que representa el silencio como nadie, en sus cuadros el silencio se ve, igual que en los cuadros de Velázquez podemos ver el aire..
Otra referencia de EEUU son los móviles de Calder, aquí podemos contemplar uno en una pequeña sala del segundo piso. También en solitario se nos muestra la obra de Rothko, puro expresionismo abstracto, el pintor de la meditación, tanto que tiene un santuario con pinturas en todas las paredes que nos llevan a la meditación mas metafísica. Quizás lo mas importante de estos autores es que dieron lugar al expresionismo Abstracto, el primer estilo verdaderamente internacional nacido en los EEUU, y que ayudo a QUE Nueva York sea la capital de la vanguardia del arte mundial.
miércoles, 1 de diciembre de 2010
Reina Sofía
Miércoles 01 de diciembre de 2010
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Colección permanente del Museo.
Después de que todo nuestro grupo de la asignatura de taller de plástica teatral al completo estuviéramos ensayando la representación de teatro de sombras que se realizará el próximo jueves, la cual lleva por nombre “Oda a Dalí” o “Oda al surrealismo” surgió la idea de ir a Museo centro de Arte Reina Sofía, dado que allí se guardan obras de ese estilo. Así mis compañeras África, Yaiza y yo nos dirigimos allí.
Una vez en el centro, tras subir a la terraza del edifico nuevo y contemplar las maravillosas vistas de la ciudad de Madrid, buscamos en el mapa en que salas estaban las obras pertenecientes al movimiento surrealista.
Entre esas paredes queríamos inspirarnos, antes de que fuera tarde, para poder rectificar si fuera necesario algunos matices de la obra, para que en ella se apreciara el homenaje que queríamos propiciar a uno de los más grandes exponentes del movimiento vanguardista, y desde luego el más importante de los artistas surrealistas españoles, y hacerlo lo más sentido posible.
Entre las salas del museo, habia verdaderas obras maravillosas, me encantó ver en persona “El gran masturbador.“ pues no tenía el gusto de conocer esta obra en persona, y verla tan cercana, con los colores mil veces más relucientes que la mejor de las fotografías de un libro ha sido una gran experiencia.
Caminando por los pasillo topé de bruces con una escultura fantástica de Man Ray, se llamaba “objeto indestructible” un nombre aparentemente rimbonmabte, pero cuando descubres la historia que está detrás de esta obra, en la que se hizo un primer objeto , este a tamaño real, que era llamado objeto a ser destruido, después salió otra versión llamado objeto destruible, que en una exposición dadaísta se destrozó como parte de la inauguración. Algo que me encanta. Adoro a los dadaístas, su filosofía de vida me parece tan sumamente nihilista, que no puedo sino admirar su carencia absoluta de … todo.
La obra que se encuentra en el Reina Sofía es de tamaño muy superior a lo que sería un metrónomo normal, y en su aguja, marcando el paso incesable y eterno de los segundos, tiene un ojo. Pero el ojo según la posición de la aguja se convierte en un ojo cerrado o abierto. El ojo pertenecía a una antigua amante de Man Ray, lo que da a la obra ciertas connotaciones sexuales y afectivas a la obra.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Colección permanente del Museo.
Después de que todo nuestro grupo de la asignatura de taller de plástica teatral al completo estuviéramos ensayando la representación de teatro de sombras que se realizará el próximo jueves, la cual lleva por nombre “Oda a Dalí” o “Oda al surrealismo” surgió la idea de ir a Museo centro de Arte Reina Sofía, dado que allí se guardan obras de ese estilo. Así mis compañeras África, Yaiza y yo nos dirigimos allí.
Una vez en el centro, tras subir a la terraza del edifico nuevo y contemplar las maravillosas vistas de la ciudad de Madrid, buscamos en el mapa en que salas estaban las obras pertenecientes al movimiento surrealista.
Entre esas paredes queríamos inspirarnos, antes de que fuera tarde, para poder rectificar si fuera necesario algunos matices de la obra, para que en ella se apreciara el homenaje que queríamos propiciar a uno de los más grandes exponentes del movimiento vanguardista, y desde luego el más importante de los artistas surrealistas españoles, y hacerlo lo más sentido posible.
Entre las salas del museo, habia verdaderas obras maravillosas, me encantó ver en persona “El gran masturbador.“ pues no tenía el gusto de conocer esta obra en persona, y verla tan cercana, con los colores mil veces más relucientes que la mejor de las fotografías de un libro ha sido una gran experiencia.
Caminando por los pasillo topé de bruces con una escultura fantástica de Man Ray, se llamaba “objeto indestructible” un nombre aparentemente rimbonmabte, pero cuando descubres la historia que está detrás de esta obra, en la que se hizo un primer objeto , este a tamaño real, que era llamado objeto a ser destruido, después salió otra versión llamado objeto destruible, que en una exposición dadaísta se destrozó como parte de la inauguración. Algo que me encanta. Adoro a los dadaístas, su filosofía de vida me parece tan sumamente nihilista, que no puedo sino admirar su carencia absoluta de … todo.
La obra que se encuentra en el Reina Sofía es de tamaño muy superior a lo que sería un metrónomo normal, y en su aguja, marcando el paso incesable y eterno de los segundos, tiene un ojo. Pero el ojo según la posición de la aguja se convierte en un ojo cerrado o abierto. El ojo pertenecía a una antigua amante de Man Ray, lo que da a la obra ciertas connotaciones sexuales y afectivas a la obra.
sábado, 27 de noviembre de 2010
Fain Art
Sábado 27 de noviembre de 2010
Palacio de congresos ( Madrid)
Fain Art
Feria de arte independiente
Antes de empezar quería dar gracias a la chica de la puerta, pues en un principio yo había quedado con dos amigos además de con Sara Guerrero, para ir juntos a esa feria aprovechando que teníamos dos entradas dobles ( la suya y la mía)pero cuando llegué a la puerta me di cuenta de que me la había olvidado en mesa del ordenador, mientras comprobaba dónde se encontraba situado en el mapa la feria. La recepcionista me regaló otra entrada para no se estropearan nuestros planes.
La feria me gusto muchísimo. Cuando llegamos había un concierto en directo y un ambiente neo - bohemio vanguardista que me entusiasma. Es un ambiente muy fresco y distendido.
El primer Stan en el nos encontramos, fue también uno de los que más me gustó.
La colección REFLEJOS, con un estilo hiper-realista, pero no lo suficiente como para parecer una fotografía, pues ese estilo de pintura no me gusta nada, me parece de una vulgaridad espantosa y anodina, un clasicismo insincero absolutamente kirch, y en la feria los había. Había un stan que entre mi grupo de amigos causo muchos elogios, excepto a mi. Que ver ese tipo de cuadros solo me hace pensar en lo que haría un camionero., sin embargo la colección de CARMINA OREJAS no lo era en absoluto.
Sara Guerrero y yo estuvimos hablando con la autora, y nos contó una anécdota sobre su pintura que no me resisto a retransmitir. Había un cuadro de un niño, (su nieto) basado en una fotografía “DESCUBRIENDO EL MUNDO” en el que se encontraba en el río unas pompas y va a explotarlas, pues en al feria hubo una niña pequeña que de la entrada, vio el cuadro y salió corriendo a explotarlas pero solo se golpeó contra el cuadro.
La verdad es que el tema de los reflejos es algo que siempre me a apasionado. Como conseguir que se rompa el espacio donde está el espectador y donde esta el cuadro, como algunos parece que donde deberías de estar reflejado tú hay otra cosa, que amplía el espacio de una manera asombrosa.
Me encantó también la opción propuesta por Castañeda Fuertes, pues esta licenciada en bellas artes dícese capaz conseguir la sanación a través de sus pinturas.
Mediante un encargo, se hará un cuadro absolutamente personal, y exclusivo, diseñado para un lugar de la casa, y dice que después al contemplarlo durante el tiempo se compromete a curar el interior, realizar un despertar interior.
La verdad es que no creo demasiado en semejante milagro de la medicina, pero me pareció muy interesante, por no decir que su obra en general, aparte de si sanan o no, me apreció realmente hermosa .
Sus mayores virtudes son un color vibrante e intensísimo, en todas las escalas unos paisajes de diferentes orígenes, que básicamente son una mísera excusa para el maravilloso cromatismo.
Creo que sin duda el que más me gustó de todos son unos “esbozos” realizados por MARIA LUISA ESPARCIA. Son unos cuadros, unos retratos basados en los grandes cuadros de la humanidad, y con tan solo unos esbozos se podía apreciar perfectamente qué es.
Desde la chica de la perla, hasta un greco, la dama del armiño, y una virgen renacentista, todos los cuadros, pero la característica es que en la cara solo había un espacio en blanco. No tenían cara, son rostros sin cara que aun así extrañamente tiene una profundidad tremenda, y que parece que te mira, te atraviesan con unos ojos inexistentes.
Además me pareció que el precio por estas pinturas era muy accesible a los bolsillos de la gente, un gran oportunidad. Aunque en el fondo, el asunto económico del precio me apreció muy asequible en tonos generales, al contrario que la exposición de grabados y arte múltiple que se celebró en el Ifema. Aquí, no había unos precios desorbitados,, al contrario era un buen sitio donde un esteta podría surtirse y satisfacerse con su mecenazgo.
GLORIA GOMEZ también fue otra autora de la que disfruté mucho.
Había una serie de grabados de diferentes motivos y tamaños, realmente hermosos y actuales. ME gusto especialmente el que trababa de unos peces.
Me pareció que la técnica eran litografías aunque no estoy muy segura, pues también cabe la posibilidad de realizarla con planchas de bronce. Indistintamente a la técnica, la colección numerada era muy bonita a la para que sencilla, nada recargada, solo unos pocos trazos .
La verdad es que me molestó enormemente el hecho de que no pudiera permitirme el pagar por una de esas obras. Porque realmente me gustaron mucho.
Unos cuadros con una luminosidad tremenda eran los cuadros del stan de la SALA ALBAREDA. Eran todos ellos paisajes, con o sin figuras antropomorfas, y con o sin construcciones de fondo, pero todas ellas con el denominador común de la luz. Un cromatismo muy claro y una pincelada muy fluida son los otros nexos .
Voy a acabar hablando de unas obras que no me gustaron en absoluto, que son sin duda unas esculturas, y eso que a mí la escultura me fascina, y me parece que tiene una presencia real tremenda, en este caso me aprecio espantosa, que son unas esculturas en resina de uno mono, y un perro que tenía la cara de Iltre. Y del presidente Obama.
La verdad es que me apreció tremendamente ofensivo, humillante y vejatorio , y fuera de lugar. En definitiva muy desagradable.
No sé qué opinarán los demás sobre ella pero no sabría ni describirla correctamente porque pasé de largo de aquella ofensa estética en cuanto pude. Sin detenerme a mirarla, así que ni siquiera sé el nombre del autor y la verdad no me interesa lo más mínimo conocerlo.
Palacio de congresos ( Madrid)
Fain Art
Feria de arte independiente
Antes de empezar quería dar gracias a la chica de la puerta, pues en un principio yo había quedado con dos amigos además de con Sara Guerrero, para ir juntos a esa feria aprovechando que teníamos dos entradas dobles ( la suya y la mía)pero cuando llegué a la puerta me di cuenta de que me la había olvidado en mesa del ordenador, mientras comprobaba dónde se encontraba situado en el mapa la feria. La recepcionista me regaló otra entrada para no se estropearan nuestros planes.
La feria me gusto muchísimo. Cuando llegamos había un concierto en directo y un ambiente neo - bohemio vanguardista que me entusiasma. Es un ambiente muy fresco y distendido.
El primer Stan en el nos encontramos, fue también uno de los que más me gustó.
La colección REFLEJOS, con un estilo hiper-realista, pero no lo suficiente como para parecer una fotografía, pues ese estilo de pintura no me gusta nada, me parece de una vulgaridad espantosa y anodina, un clasicismo insincero absolutamente kirch, y en la feria los había. Había un stan que entre mi grupo de amigos causo muchos elogios, excepto a mi. Que ver ese tipo de cuadros solo me hace pensar en lo que haría un camionero., sin embargo la colección de CARMINA OREJAS no lo era en absoluto.
Sara Guerrero y yo estuvimos hablando con la autora, y nos contó una anécdota sobre su pintura que no me resisto a retransmitir. Había un cuadro de un niño, (su nieto) basado en una fotografía “DESCUBRIENDO EL MUNDO” en el que se encontraba en el río unas pompas y va a explotarlas, pues en al feria hubo una niña pequeña que de la entrada, vio el cuadro y salió corriendo a explotarlas pero solo se golpeó contra el cuadro.
La verdad es que el tema de los reflejos es algo que siempre me a apasionado. Como conseguir que se rompa el espacio donde está el espectador y donde esta el cuadro, como algunos parece que donde deberías de estar reflejado tú hay otra cosa, que amplía el espacio de una manera asombrosa.
Me encantó también la opción propuesta por Castañeda Fuertes, pues esta licenciada en bellas artes dícese capaz conseguir la sanación a través de sus pinturas.
Mediante un encargo, se hará un cuadro absolutamente personal, y exclusivo, diseñado para un lugar de la casa, y dice que después al contemplarlo durante el tiempo se compromete a curar el interior, realizar un despertar interior.
La verdad es que no creo demasiado en semejante milagro de la medicina, pero me pareció muy interesante, por no decir que su obra en general, aparte de si sanan o no, me apreció realmente hermosa .
Sus mayores virtudes son un color vibrante e intensísimo, en todas las escalas unos paisajes de diferentes orígenes, que básicamente son una mísera excusa para el maravilloso cromatismo.
Creo que sin duda el que más me gustó de todos son unos “esbozos” realizados por MARIA LUISA ESPARCIA. Son unos cuadros, unos retratos basados en los grandes cuadros de la humanidad, y con tan solo unos esbozos se podía apreciar perfectamente qué es.
Desde la chica de la perla, hasta un greco, la dama del armiño, y una virgen renacentista, todos los cuadros, pero la característica es que en la cara solo había un espacio en blanco. No tenían cara, son rostros sin cara que aun así extrañamente tiene una profundidad tremenda, y que parece que te mira, te atraviesan con unos ojos inexistentes.
Además me pareció que el precio por estas pinturas era muy accesible a los bolsillos de la gente, un gran oportunidad. Aunque en el fondo, el asunto económico del precio me apreció muy asequible en tonos generales, al contrario que la exposición de grabados y arte múltiple que se celebró en el Ifema. Aquí, no había unos precios desorbitados,, al contrario era un buen sitio donde un esteta podría surtirse y satisfacerse con su mecenazgo.
GLORIA GOMEZ también fue otra autora de la que disfruté mucho.
Había una serie de grabados de diferentes motivos y tamaños, realmente hermosos y actuales. ME gusto especialmente el que trababa de unos peces.
Me pareció que la técnica eran litografías aunque no estoy muy segura, pues también cabe la posibilidad de realizarla con planchas de bronce. Indistintamente a la técnica, la colección numerada era muy bonita a la para que sencilla, nada recargada, solo unos pocos trazos .
La verdad es que me molestó enormemente el hecho de que no pudiera permitirme el pagar por una de esas obras. Porque realmente me gustaron mucho.
Unos cuadros con una luminosidad tremenda eran los cuadros del stan de la SALA ALBAREDA. Eran todos ellos paisajes, con o sin figuras antropomorfas, y con o sin construcciones de fondo, pero todas ellas con el denominador común de la luz. Un cromatismo muy claro y una pincelada muy fluida son los otros nexos .
Voy a acabar hablando de unas obras que no me gustaron en absoluto, que son sin duda unas esculturas, y eso que a mí la escultura me fascina, y me parece que tiene una presencia real tremenda, en este caso me aprecio espantosa, que son unas esculturas en resina de uno mono, y un perro que tenía la cara de Iltre. Y del presidente Obama.
La verdad es que me apreció tremendamente ofensivo, humillante y vejatorio , y fuera de lugar. En definitiva muy desagradable.
No sé qué opinarán los demás sobre ella pero no sabría ni describirla correctamente porque pasé de largo de aquella ofensa estética en cuanto pude. Sin detenerme a mirarla, así que ni siquiera sé el nombre del autor y la verdad no me interesa lo más mínimo conocerlo.
viernes, 26 de noviembre de 2010
Jardines impresionistas
Viernes 26 de noviembre de 2010
Fundación Caja Madrid (Madrid)
Jardines impresionstas
esta deliciosa exposición deliciosa es para disfrutar recorriéndola, con la única pega de que es imposible hacerlo con el sosiego y la intimidad que precisa, por el numero de visitantes a cualquier hora del día.
Los pintores que se muestran , Curran, Pisarro, Klimt, Anglada Camarasa, Van Gogh, Monet.... etc son todos ellos , de una calidad ampliamente reconocida, por lo tanto es verdaderamente difícil elegir que obra describir o en que cuadro pararse mas tiempo.
Es la primera vez que se realiza una exposición monográfica de jardines impresionista, postimpresionistas y naturalistas y ver juntas todas estas cantidades de obras es un regalo.
Los jardines fueron no obstante un tema caro para estos pintores porque reunía tres características muy definidas de su pintura. Pintar al aire libre, presencia de figuras de la vida moderna y posibilidad de desplegar una paleta de colores intensos y brillantes.
Aquí podemos ver pinturas de Caillebotte de una planitud manifiesta, casi como si estuviera pintando un tapiz, de Bonart coqueteando con lo nabit y con el simbolismo, de Villard decorativista, con colores brillantes y contornos delimitados, con Van Gogh en una pintura que representa un sotobosque y que nos hable de terquedad, pero también de esperanza en el rayo de luz que aparece al fondo con esa pincelada descompuesta .
Los pintores americanos también están presentes Friesele, pintando a una mujer que casi forma parte de la decoración, Curran en un cuadro espléndido en el que aparecen dos mujeres en una barca y en un lago de flores, paisaje que por otra parte existe en Ohio. Pintores austriacos como Kramer o Corinth , escandinavos como Larson muy apreciado en esas latitudes y poco conocido en estas.. etc
Pero mención especial, para mi merecen Klimt con tres soberbios cuadros, en formato cuadrado tan característico de él , en uno de ellos mezcla arquitectura con jardín y con jardín productivo, en todos tiende a la abstracción utiliza colores planos y es muy decorativista. Anglada Camarasa, pintor inconfundible con esa mujer tan rotunda como todas las suyas , vestida de blanco y que parece un pavo real, en ese jardín nocturno al que ella ilumina, Malevich en una pintura que sorprende porque es inusual en su estilo de las vanguardia rusa, esta pertenece a su época parisina es casi naif y nos muestra la vida en la ciudad, también sorprende Braque en este jardín con ya muy clara influencia cubista y no lo hace Nolde, heredero de la pintura de Van Gogh conocido también por sus flores rotundas, que inciden en los sentidos con colores tensos y con su trazo grueso casi táctil.
Debería nombrar a muchos más porque todos son estupendos, Es esta una exposición que no debe perderse nadie que disfrute con el arte.
Fundación Caja Madrid (Madrid)
Jardines impresionstas
esta deliciosa exposición deliciosa es para disfrutar recorriéndola, con la única pega de que es imposible hacerlo con el sosiego y la intimidad que precisa, por el numero de visitantes a cualquier hora del día.
Los pintores que se muestran , Curran, Pisarro, Klimt, Anglada Camarasa, Van Gogh, Monet.... etc son todos ellos , de una calidad ampliamente reconocida, por lo tanto es verdaderamente difícil elegir que obra describir o en que cuadro pararse mas tiempo.
Es la primera vez que se realiza una exposición monográfica de jardines impresionista, postimpresionistas y naturalistas y ver juntas todas estas cantidades de obras es un regalo.
Los jardines fueron no obstante un tema caro para estos pintores porque reunía tres características muy definidas de su pintura. Pintar al aire libre, presencia de figuras de la vida moderna y posibilidad de desplegar una paleta de colores intensos y brillantes.
Aquí podemos ver pinturas de Caillebotte de una planitud manifiesta, casi como si estuviera pintando un tapiz, de Bonart coqueteando con lo nabit y con el simbolismo, de Villard decorativista, con colores brillantes y contornos delimitados, con Van Gogh en una pintura que representa un sotobosque y que nos hable de terquedad, pero también de esperanza en el rayo de luz que aparece al fondo con esa pincelada descompuesta .
Los pintores americanos también están presentes Friesele, pintando a una mujer que casi forma parte de la decoración, Curran en un cuadro espléndido en el que aparecen dos mujeres en una barca y en un lago de flores, paisaje que por otra parte existe en Ohio. Pintores austriacos como Kramer o Corinth , escandinavos como Larson muy apreciado en esas latitudes y poco conocido en estas.. etc
Pero mención especial, para mi merecen Klimt con tres soberbios cuadros, en formato cuadrado tan característico de él , en uno de ellos mezcla arquitectura con jardín y con jardín productivo, en todos tiende a la abstracción utiliza colores planos y es muy decorativista. Anglada Camarasa, pintor inconfundible con esa mujer tan rotunda como todas las suyas , vestida de blanco y que parece un pavo real, en ese jardín nocturno al que ella ilumina, Malevich en una pintura que sorprende porque es inusual en su estilo de las vanguardia rusa, esta pertenece a su época parisina es casi naif y nos muestra la vida en la ciudad, también sorprende Braque en este jardín con ya muy clara influencia cubista y no lo hace Nolde, heredero de la pintura de Van Gogh conocido también por sus flores rotundas, que inciden en los sentidos con colores tensos y con su trazo grueso casi táctil.
Debería nombrar a muchos más porque todos son estupendos, Es esta una exposición que no debe perderse nadie que disfrute con el arte.
Museo del traje
Viernes 26 de noviembre de 2010
Museo del traje (Madrid)
La edad de oro de la alta costura española
Lope (las entretablas del siglo de Oro)
Nunca había ido al Museo del traje antes, y eso que me habían contando que estaba muy bien y era muy interesante. El museo está un tanto alejado de la puerta, pero me sorprendió lo grande que era.
Allí en ocasiones se exhiben los vestuarios de algunas películas, como fue el caso de “Ágora” ( una lástima no poder verlo) y como ha sido el caso del film español estrenado este verano “Lope: las entretelas del siglo de Oro” . Tengo amigos que han visto la película, y me dieron una opinión bastante mala de la misma. No puedo decir lo mismo de su vestuario.
Estaba realmente logrado.
Me gustó mucho el vestuario en general, y me dio muchas ideas para hacer futuros trajes, cuando aprenda a patronar, o cuando consiga quedar con una amiga, intentare reproducir la capa azul.
Algo que me sorprendió mucho es que las cámaras de cine oscurecen mucho los colores, así la capa que a simple vista era de un azul extraño, en los póster de los fotogramas que había de la película, se veía de un azul oscuro, casi marino.
La otra exposición temporal del museo se llamaba “La edad de oro de la alta costura española“ , y eran trajes de fiesta por prestigiosos diseñadores españoles desde los años veinte a los setenta.
Me llego a sorprender muchísimo la intemporalidad de la alta costura. Pues aunque se veía perfectamente que era un corte antiguo, había trajes que eran realmente “actuales” es decir, cualquier famosa podría ir a recoger un premio cualquiera con algunos de estos trajes sin llamar la atención de modo negativo, sino al contrario recibiendo elogios por parte de la prensa.
Nos sorprendió muchísimo al llegar a los vestidos más actuales ( década de los setenta) y ver allí algún corte o algún descampado que nos recordaba a nuestra madre, alguna fotografía de casa con un traje realmente parecido a los allí expuestos.
Museo del traje (Madrid)
La edad de oro de la alta costura española
Lope (las entretablas del siglo de Oro)
Nunca había ido al Museo del traje antes, y eso que me habían contando que estaba muy bien y era muy interesante. El museo está un tanto alejado de la puerta, pero me sorprendió lo grande que era.
Allí en ocasiones se exhiben los vestuarios de algunas películas, como fue el caso de “Ágora” ( una lástima no poder verlo) y como ha sido el caso del film español estrenado este verano “Lope: las entretelas del siglo de Oro” . Tengo amigos que han visto la película, y me dieron una opinión bastante mala de la misma. No puedo decir lo mismo de su vestuario.
Estaba realmente logrado.
Me gustó mucho el vestuario en general, y me dio muchas ideas para hacer futuros trajes, cuando aprenda a patronar, o cuando consiga quedar con una amiga, intentare reproducir la capa azul.
Algo que me sorprendió mucho es que las cámaras de cine oscurecen mucho los colores, así la capa que a simple vista era de un azul extraño, en los póster de los fotogramas que había de la película, se veía de un azul oscuro, casi marino.
La otra exposición temporal del museo se llamaba “La edad de oro de la alta costura española“ , y eran trajes de fiesta por prestigiosos diseñadores españoles desde los años veinte a los setenta.
Me llego a sorprender muchísimo la intemporalidad de la alta costura. Pues aunque se veía perfectamente que era un corte antiguo, había trajes que eran realmente “actuales” es decir, cualquier famosa podría ir a recoger un premio cualquiera con algunos de estos trajes sin llamar la atención de modo negativo, sino al contrario recibiendo elogios por parte de la prensa.
Nos sorprendió muchísimo al llegar a los vestidos más actuales ( década de los setenta) y ver allí algún corte o algún descampado que nos recordaba a nuestra madre, alguna fotografía de casa con un traje realmente parecido a los allí expuestos.
miércoles, 17 de noviembre de 2010
Escultura al aire libre
Miércoles 17 de Noviembre de 2010
Museo de Escultura de Leganés (Leganés)
Este museo es uno de mis favoritos, paso por su lado cada vez que voy a recibir mis clases de baile, es decir, cada miércoles.
Recuerdo que fue para mí una enorme sorpresa encontrármelo, buscando el centro cívico para un intensivo de ritmo Saidi pasé por delante de lo que creía un parque, y entre las rejas de hierro forjado se asomaban ciertas esculturas.
Tengo que confesar que para mí la escultura es mi arte mayor preferido, y con el que más disfruto, quizás porque es mucho más cercano que la pintura, incluye la multiplicidad de puntos de vista disfrutas desde todos su ángulos y es capaz de conmoverme como no puede hacer un edificio. Me gusta rodearlas, acercarme a las esculturas para luego alejarme, comprobar el material ¡Qué ofrece mil y una posibilidades! Aproximarme tanto que pudiera tocarlas si lo deseara..
Muchas veces la conservación choca con los deseos del artistas, pues muchas esculturas no están hechas para mirar desde un pedestal. Sino para disfrutarlas. Por eso comulgo tantísimo con este museo. Naturaleza y arte de la mano, como tantos humanistas renacentistas se empeñaron en realizar, pues este museo no deja de ser un paisaje intervenido, creado el mismo con un fin estético, con elementos sacados de la naturaleza y creados para este único fin. Es el sueño de la humanidad, la mítica armonía con la naturaleza, pues los parques y jardines significan una añoranza, el regreso sentimental a la Edad Dorada, al Edén. También es una vía de escape, y el camino para alcanzar esa meta es la reconciliación con la naturaleza y esta se hace a través del arte. Este museo es la conjugación de lo bello del arte y de la naturaleza.
Es un museo al aire libre, es arte que respira, arte vivo.
Las esculturas de este museo son algunas cedidas por el Reina Sofía, y son difíciles de escribir en conjunto, ya que cada una pertenece a un escultor, y a un estilo.
Una de su obras favoritas se llama Milenia de Manolo González , es un conjunto de esculturas forradas como de malla de metal que calca la anatomía perfecta de figuras masculinas antropomorfas sostenidas por cables metálicos. Una única figura en varios momentos diferentes, realizando una especie de acrobacia, y captada en los momentos más espectaculares de la misma.
A pesar de su material da un aspecto de ligereza, que se acentúa por el hecho de que casi eres capaz de colocarte debajo de las mismas, que las ves sostenidas en el aire , violando continuamente la fuerza de la gravedad, mientras tus pies se aferran constantemente al suelo.
Las figuras casi se tocan con los dedos, pero no llegan a alcanzarse, pero ayuda a la composición, y el material con el que están hechas , al ser translucido da una sensación de todavía más acusada de etéreo.
Museo de Escultura de Leganés (Leganés)
Este museo es uno de mis favoritos, paso por su lado cada vez que voy a recibir mis clases de baile, es decir, cada miércoles.
Recuerdo que fue para mí una enorme sorpresa encontrármelo, buscando el centro cívico para un intensivo de ritmo Saidi pasé por delante de lo que creía un parque, y entre las rejas de hierro forjado se asomaban ciertas esculturas.
Tengo que confesar que para mí la escultura es mi arte mayor preferido, y con el que más disfruto, quizás porque es mucho más cercano que la pintura, incluye la multiplicidad de puntos de vista disfrutas desde todos su ángulos y es capaz de conmoverme como no puede hacer un edificio. Me gusta rodearlas, acercarme a las esculturas para luego alejarme, comprobar el material ¡Qué ofrece mil y una posibilidades! Aproximarme tanto que pudiera tocarlas si lo deseara..
Muchas veces la conservación choca con los deseos del artistas, pues muchas esculturas no están hechas para mirar desde un pedestal. Sino para disfrutarlas. Por eso comulgo tantísimo con este museo. Naturaleza y arte de la mano, como tantos humanistas renacentistas se empeñaron en realizar, pues este museo no deja de ser un paisaje intervenido, creado el mismo con un fin estético, con elementos sacados de la naturaleza y creados para este único fin. Es el sueño de la humanidad, la mítica armonía con la naturaleza, pues los parques y jardines significan una añoranza, el regreso sentimental a la Edad Dorada, al Edén. También es una vía de escape, y el camino para alcanzar esa meta es la reconciliación con la naturaleza y esta se hace a través del arte. Este museo es la conjugación de lo bello del arte y de la naturaleza.
Es un museo al aire libre, es arte que respira, arte vivo.
Las esculturas de este museo son algunas cedidas por el Reina Sofía, y son difíciles de escribir en conjunto, ya que cada una pertenece a un escultor, y a un estilo.
Una de su obras favoritas se llama Milenia de Manolo González , es un conjunto de esculturas forradas como de malla de metal que calca la anatomía perfecta de figuras masculinas antropomorfas sostenidas por cables metálicos. Una única figura en varios momentos diferentes, realizando una especie de acrobacia, y captada en los momentos más espectaculares de la misma.
A pesar de su material da un aspecto de ligereza, que se acentúa por el hecho de que casi eres capaz de colocarte debajo de las mismas, que las ves sostenidas en el aire , violando continuamente la fuerza de la gravedad, mientras tus pies se aferran constantemente al suelo.
Las figuras casi se tocan con los dedos, pero no llegan a alcanzarse, pero ayuda a la composición, y el material con el que están hechas , al ser translucido da una sensación de todavía más acusada de etéreo.
lunes, 15 de noviembre de 2010
La fiesta de la espuma
Siguiendo una recomendación de una chica que solía trabajar en educación especial, ese día trajimos espuma de afeitar y durante la clase entera jugamos con ella.
Se supone que esta actividad debía ser relajante, sin embargo, en nuestra clase compuesta de cincuenta mujeres, no lo fue.
( Debido a un problema técnico con mi móvil, no tengo las fotografías correspondientes a este día)
Se supone que esta actividad debía ser relajante, sin embargo, en nuestra clase compuesta de cincuenta mujeres, no lo fue.
( Debido a un problema técnico con mi móvil, no tengo las fotografías correspondientes a este día)
miércoles, 10 de noviembre de 2010
Los paisajes americanos de Asher B. Durand
Miércoles 10 de noviembre de 2010
Fundación Juan March (Madrid)
Los paisajes americanos de Asher B. Durand.(1796-1886)
La exposición de la Fundación Juan March, como todas las que se hacen en esa sede, está muy bien organizada, además con la nueva remodelación, las salas han quedado mucho mas amplias y así las exposiciones ganan en perspectiva.
En esta exposición se recogen múltiples obras del artista, entre oleos, dibujos y grabados, que nos dan una visión muy completa de su trabajo y su evolución.
Nacido en 1769, muy joven se dedico al arte del grabado, y durante casi 28 años este fue su oficio. Aunque su obra cumbre en este periodo fue el grabado que hizo de la “Declaración de la Independencia” muy merecido, a mí me ha llamado más la atención los grabados que él realizó en los billetes de banco en los que mezcla figuras extraídas directamente del clasicismo conviviendo con las caras de americanos del momento. En uno de ellos aparece el Presidente Lincon a la manera de Julio Cesar.
Asher no se contentó con el grabado, aspiraba a pintar al óleo, pues consideraba que esa forma de arte era de más categoría . Así empezó a pintar retratos de filántropos, y se le encargo posteriormente el retrato de siete de los presidentes de EEUU, pero su meta era llegar a ser un pintor de paisajes. Como no tenia preparación en estos temas , durante un año viajo por Europa, sin duda cuna del arte para estudiar la pintura europea y aprender de ella. A su vuelta a casa este fue su único oficio , y debía de tener muy claro su objetivo porque se convirtió en el mas afamado pintor de paisajes de su tiempo llegando a ser el mentor junto con su amigo y maestro de la “Hudson River School”
Los árboles fueron su obsesión, los consideraba casi como humanos , en este sentido, fue un pintor meticuloso, como así lo demuestran las cientos de apuntes que hizo sobre los mismos, diferenciándolos como podía diferenciar los rostros de las personas.
En la exposición se muestran muchos paisajes, y casi todos siguen unas reglas muy definidas: un primer plano terrenal, en colores ocres, después árboles, que unas veces forman pantalla para que la vista eleve hacia el horizonte muy lejano y otras veces este se deja entrever, en los primeros el horizonte se abre y en el se percibe el aire o la atmósfera.
En sus últimos cuadros la forma de concebir el paisaje cambia de manera significativa, los impresionistas dejan su huella y los colores se suavizan tirando a verdes suaves y diluyendo la pincelada.
Fundación Juan March (Madrid)
Los paisajes americanos de Asher B. Durand.(1796-1886)
La exposición de la Fundación Juan March, como todas las que se hacen en esa sede, está muy bien organizada, además con la nueva remodelación, las salas han quedado mucho mas amplias y así las exposiciones ganan en perspectiva.
En esta exposición se recogen múltiples obras del artista, entre oleos, dibujos y grabados, que nos dan una visión muy completa de su trabajo y su evolución.
Nacido en 1769, muy joven se dedico al arte del grabado, y durante casi 28 años este fue su oficio. Aunque su obra cumbre en este periodo fue el grabado que hizo de la “Declaración de la Independencia” muy merecido, a mí me ha llamado más la atención los grabados que él realizó en los billetes de banco en los que mezcla figuras extraídas directamente del clasicismo conviviendo con las caras de americanos del momento. En uno de ellos aparece el Presidente Lincon a la manera de Julio Cesar.
Asher no se contentó con el grabado, aspiraba a pintar al óleo, pues consideraba que esa forma de arte era de más categoría . Así empezó a pintar retratos de filántropos, y se le encargo posteriormente el retrato de siete de los presidentes de EEUU, pero su meta era llegar a ser un pintor de paisajes. Como no tenia preparación en estos temas , durante un año viajo por Europa, sin duda cuna del arte para estudiar la pintura europea y aprender de ella. A su vuelta a casa este fue su único oficio , y debía de tener muy claro su objetivo porque se convirtió en el mas afamado pintor de paisajes de su tiempo llegando a ser el mentor junto con su amigo y maestro de la “Hudson River School”
Los árboles fueron su obsesión, los consideraba casi como humanos , en este sentido, fue un pintor meticuloso, como así lo demuestran las cientos de apuntes que hizo sobre los mismos, diferenciándolos como podía diferenciar los rostros de las personas.
En la exposición se muestran muchos paisajes, y casi todos siguen unas reglas muy definidas: un primer plano terrenal, en colores ocres, después árboles, que unas veces forman pantalla para que la vista eleve hacia el horizonte muy lejano y otras veces este se deja entrever, en los primeros el horizonte se abre y en el se percibe el aire o la atmósfera.
En sus últimos cuadros la forma de concebir el paisaje cambia de manera significativa, los impresionistas dejan su huella y los colores se suavizan tirando a verdes suaves y diluyendo la pincelada.
Dalí, Lorca y la residencia de estudiantes
Miércoles 10 de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Dalí, Lorca y la residencia de Estudiantes
Una exposición poco convencional. Nos habla de la relación de grandes mentes españolas que coincidieron durante unos años cohabitando en un mismo lugar, grandes artistas, siendo Dalí, Lorca y Buñuel sus máximos exponentes.
Yo sabía que ellos se habían conocido, pero no sabía con cuanta afinidad y cuan estrecha había resultado esa amistad hasta hoy, como la pintura de Dalí se veía influida por Lorca, y como la poesía de Lorca bebía de Dalí , de esa relación me ha sorprendido el resultado de su amistad, me ha parecido muy afable, muy cercana, aquí no se exponían los trabajos de dos genios, que también, sino los proyectos, la mayoría inacabados, de dos amigos, dos estudiantes con ganas de comerse el mundo e infinidad de ideas que se retroalimentan mutuamente.
De esa relación simbiótica, aparece uno de los cuadros que más me ha gustado, un retrato de Federico García Lorca realizado por Salvador Dalí , al estilo cubista, cosa que me sorprendió, dado que no conocía esa faceta del pintor, supongo que no llegaría a sentirse cómodo en el estilo, sin embargo, debo decir que era un retrato cubista, bastante bueno, de forma muy desestructurada, en la que solo se distinguía la figura antropomorfa ligeramente, detalles como la corbata, la hoja de papel, seguramente haciendo alusión a poesía. El colorido estába muy bien plasmado dejando los tonos de luz muy centrados, siendo fácil seguir el eje y distinguir de ese modo la figura.
De este mismo estilo destaco un maravilloso bodegón ( naturaleza muerta )de Juan Gris, en la escala del color homónimo.
Otro de los cuadros que más me gustó, apenas debería estar dentro de la exposición, dado que en ella no llegan al surrealismo ( etapa que encumbro a Dalí como genio) pero estaba, y me encantó. Se trata de “la mañana angustiosa” de Giorgio de Chirico. Es un cuadro que no hace, a priori, honor a su nombre, pues en él ves muchísima claridad, pero al fijarnos más detenidamente, sí sentimos esa presión en el pecho que caracteriza , esa sensación de ahogo.
Ese miedo que inspiran las sombras alargadas, como garras, que arañan las zonas iluminadas.
La perspectiva del cuadro, tremendamente marcada, parece hacernos creer que el final está demasiado lejos, que se extiende al infinito, y que nunca podremos llegar a él.
También está al angustia de la oscuridad que muere, y que la luz bañe todo, que muestre la realidad que las sombras ocultan, porque el horror más grande no es el que mora en las tinieblas, es aquél que después de morar en las tinieblas, acechante, sale a la luz.
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Dalí, Lorca y la residencia de Estudiantes
Una exposición poco convencional. Nos habla de la relación de grandes mentes españolas que coincidieron durante unos años cohabitando en un mismo lugar, grandes artistas, siendo Dalí, Lorca y Buñuel sus máximos exponentes.
Yo sabía que ellos se habían conocido, pero no sabía con cuanta afinidad y cuan estrecha había resultado esa amistad hasta hoy, como la pintura de Dalí se veía influida por Lorca, y como la poesía de Lorca bebía de Dalí , de esa relación me ha sorprendido el resultado de su amistad, me ha parecido muy afable, muy cercana, aquí no se exponían los trabajos de dos genios, que también, sino los proyectos, la mayoría inacabados, de dos amigos, dos estudiantes con ganas de comerse el mundo e infinidad de ideas que se retroalimentan mutuamente.
De esa relación simbiótica, aparece uno de los cuadros que más me ha gustado, un retrato de Federico García Lorca realizado por Salvador Dalí , al estilo cubista, cosa que me sorprendió, dado que no conocía esa faceta del pintor, supongo que no llegaría a sentirse cómodo en el estilo, sin embargo, debo decir que era un retrato cubista, bastante bueno, de forma muy desestructurada, en la que solo se distinguía la figura antropomorfa ligeramente, detalles como la corbata, la hoja de papel, seguramente haciendo alusión a poesía. El colorido estába muy bien plasmado dejando los tonos de luz muy centrados, siendo fácil seguir el eje y distinguir de ese modo la figura.
De este mismo estilo destaco un maravilloso bodegón ( naturaleza muerta )de Juan Gris, en la escala del color homónimo.
Otro de los cuadros que más me gustó, apenas debería estar dentro de la exposición, dado que en ella no llegan al surrealismo ( etapa que encumbro a Dalí como genio) pero estaba, y me encantó. Se trata de “la mañana angustiosa” de Giorgio de Chirico. Es un cuadro que no hace, a priori, honor a su nombre, pues en él ves muchísima claridad, pero al fijarnos más detenidamente, sí sentimos esa presión en el pecho que caracteriza , esa sensación de ahogo.
Ese miedo que inspiran las sombras alargadas, como garras, que arañan las zonas iluminadas.
La perspectiva del cuadro, tremendamente marcada, parece hacernos creer que el final está demasiado lejos, que se extiende al infinito, y que nunca podremos llegar a él.
También está al angustia de la oscuridad que muere, y que la luz bañe todo, que muestre la realidad que las sombras ocultan, porque el horror más grande no es el que mora en las tinieblas, es aquél que después de morar en las tinieblas, acechante, sale a la luz.
Infancia
Miércoles 10 de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Infancia - Isabel Muñoz
Fue una exposición tremendamente impactante para mí.
La obra ,organizada por Unicef, conmemora el vigésimo aniversario de la Convención de los Derechos del Niño. Se trata de las fotografías de Isabel Muñoz, tomadas en las zonas más desfavorecidas de los cuatro continentes, y en todas ellas refleja la más cruenta cara del fracaso, en sus más desfavorables y desprotegidas víctimas: Los niños.
Las imágenes estaban acompañadas de la trágica historia de los niños que retrataban. Historias plagadas de abandonos, raptos, enfermedad, abusos sexuales, y con el denominador común de la pobreza y la vulnerabilidad. Historias a cada cual más trágica y desoladora que conseguía, transmitir la compasión y el horror a la que se han visto sometidos.
Hubo unas fotografía, que especialmente me llamaron, las manos de una niña india, decoradas con henna, pero ajadas, pues llevaba desde más tiempo de lo que recordaba trabajando como limpiadora, de las suaves manos de niña, ya no quedaba nada.
Había otra, también era unas manos, unas manos de varón africano, que ocultaban su rostro, unas manos llenas de callos y cicatrices provocadas por años de torturas a las que se había visto sometido.
La más espectacular de todas, trataba de un joven nigeriano, un huérfano de uno de sus progenitores, y abandona por el otro, sufría enormemente y se despertaba todos los días esnifando pegamento para olvidar su pasado.
Tenía apenas 17 años, y ya eran 17 años los que tenía que olvidar.
No era solo su funesta historia lo que me llamó. Era la fuerza de su imagen: En ella aparecía este apuesto joven de raza africana, enfocado de torso para arriba, vestido con una turbante y en un marco incomparable, rodeado de desierto y arena bajo un sol abrasador. Y en escala de grises, que , aunque aparentemente sea igual que una imagen a color, mentalmente no es así, las imágenes en blanco y negro impactan más estéticamente.
La imagen transmitía una fuerza increíble. Un dolor más allá de lo imaginable, un horror más allá de lo visible.
Nunca había visto unos ojos como aquellos, tan llenos de dolor y tan carentes de esperanza, tan luminosos y brillantes cristales, pero tan inertes como los mismos
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Infancia - Isabel Muñoz
Fue una exposición tremendamente impactante para mí.
La obra ,organizada por Unicef, conmemora el vigésimo aniversario de la Convención de los Derechos del Niño. Se trata de las fotografías de Isabel Muñoz, tomadas en las zonas más desfavorecidas de los cuatro continentes, y en todas ellas refleja la más cruenta cara del fracaso, en sus más desfavorables y desprotegidas víctimas: Los niños.
Las imágenes estaban acompañadas de la trágica historia de los niños que retrataban. Historias plagadas de abandonos, raptos, enfermedad, abusos sexuales, y con el denominador común de la pobreza y la vulnerabilidad. Historias a cada cual más trágica y desoladora que conseguía, transmitir la compasión y el horror a la que se han visto sometidos.
Hubo unas fotografía, que especialmente me llamaron, las manos de una niña india, decoradas con henna, pero ajadas, pues llevaba desde más tiempo de lo que recordaba trabajando como limpiadora, de las suaves manos de niña, ya no quedaba nada.
Había otra, también era unas manos, unas manos de varón africano, que ocultaban su rostro, unas manos llenas de callos y cicatrices provocadas por años de torturas a las que se había visto sometido.
La más espectacular de todas, trataba de un joven nigeriano, un huérfano de uno de sus progenitores, y abandona por el otro, sufría enormemente y se despertaba todos los días esnifando pegamento para olvidar su pasado.
Tenía apenas 17 años, y ya eran 17 años los que tenía que olvidar.
No era solo su funesta historia lo que me llamó. Era la fuerza de su imagen: En ella aparecía este apuesto joven de raza africana, enfocado de torso para arriba, vestido con una turbante y en un marco incomparable, rodeado de desierto y arena bajo un sol abrasador. Y en escala de grises, que , aunque aparentemente sea igual que una imagen a color, mentalmente no es así, las imágenes en blanco y negro impactan más estéticamente.
La imagen transmitía una fuerza increíble. Un dolor más allá de lo imaginable, un horror más allá de lo visible.
Nunca había visto unos ojos como aquellos, tan llenos de dolor y tan carentes de esperanza, tan luminosos y brillantes cristales, pero tan inertes como los mismos
Federico Fellini, El circo de las ilusiones
Miércoles 10 de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Federico Fellini, El circo de las ilusiones
Caixa forum, ubicado en el llamado triángulo del arte de Madrid, es un edifico espectacular en mi opinión, de los más bonitos de Madrid, pues a pesar de su construcción tiempo atrás, se ha remodela de una forma espectacular desde sus cimientos , pero conservando esa fachada de ladrillo tan característica.
Pero luego de donde debiera estar el tejado aparecen unos módulos de metal ajado y oxidado , que casan a la perfección con el edificio, pues le da ese aspecto de corrosividad que me encanta, esa sensación de lugar horrible, con las ventanas tapiadas, con el óxido de sus paredes, para llegar a lo más espectacular: El edificio flota, se suspende en el aire como levitando del suelo, pues cuando caminas para buscar exactamente dónde se sujeta, solo ves esa escalera de caracol que te da la bienvenida , diseñada en homenaje al las escaleras de museo Guggenheim, y una pequeña fuente, como una cascada de la que fluye agua y una sonorabilidad fantástica.
Una vez dentro entramos en la exposición homoníma al cineasta Fellini, en la sala nos llenamos de la música de sus películas que, en un ciclo continuo, no paraba de ambientar.
La exposición hablaba de su vida, de su amada Italia , de sus gentes y de todo ello unido y de nada de eso a la vez, pues todo eso era lo que componía su arte.
La exposición hacia especial interés en la película “la dolce vita” un film que todavía no he visto, pero esta exposición ha despertado el interés por ello, así que quedé con Sara Guerrero en verla próximamente.
Especialmente me sorprendió como asuntos aislados en la sociedad, Fellini, conseguía transformarlos en sus películas, como por ejemplo, tras la guerra, Italia había acogido muchas apariciones marianas, o como una fiesta de la alta sociedad acabó en un strepteare, por parte de una joven actriz y por consecuencia un gran escándalo en Italia al enterarse de su decadente jet set, mientras que Fellini lo tomó como una fuente de inspiración para una escena de su “obras maestras”. La verdad es que no alcanzo a comprender la razón, sin embargo esta información fue lo que más me impactó de todo. Contemplar esas fotografías de la actriz “la turca” una joven desconocida , que posiblemente ya estuviera acabada, pero sintiendo envidia de la expectación que ejerció el baile de otra, ella decidió causar lo mismo pero de manera más directa y mucho menos elegante. Y mientras ella se desprendía de su ropa y de quizás los últimos vestigios de dignidad que le quedaban, la gente se agolpaba a su alrededor para contemplar su decadencia.
Como fin y curiosidad, quiero cerrar comentando que me he enterado que el término Paparazzi, y la profesión se “inventó” en Italia y deriva de un personaje de este director.
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Federico Fellini, El circo de las ilusiones
Caixa forum, ubicado en el llamado triángulo del arte de Madrid, es un edifico espectacular en mi opinión, de los más bonitos de Madrid, pues a pesar de su construcción tiempo atrás, se ha remodela de una forma espectacular desde sus cimientos , pero conservando esa fachada de ladrillo tan característica.
Pero luego de donde debiera estar el tejado aparecen unos módulos de metal ajado y oxidado , que casan a la perfección con el edificio, pues le da ese aspecto de corrosividad que me encanta, esa sensación de lugar horrible, con las ventanas tapiadas, con el óxido de sus paredes, para llegar a lo más espectacular: El edificio flota, se suspende en el aire como levitando del suelo, pues cuando caminas para buscar exactamente dónde se sujeta, solo ves esa escalera de caracol que te da la bienvenida , diseñada en homenaje al las escaleras de museo Guggenheim, y una pequeña fuente, como una cascada de la que fluye agua y una sonorabilidad fantástica.
Una vez dentro entramos en la exposición homoníma al cineasta Fellini, en la sala nos llenamos de la música de sus películas que, en un ciclo continuo, no paraba de ambientar.
La exposición hablaba de su vida, de su amada Italia , de sus gentes y de todo ello unido y de nada de eso a la vez, pues todo eso era lo que componía su arte.
La exposición hacia especial interés en la película “la dolce vita” un film que todavía no he visto, pero esta exposición ha despertado el interés por ello, así que quedé con Sara Guerrero en verla próximamente.
Especialmente me sorprendió como asuntos aislados en la sociedad, Fellini, conseguía transformarlos en sus películas, como por ejemplo, tras la guerra, Italia había acogido muchas apariciones marianas, o como una fiesta de la alta sociedad acabó en un strepteare, por parte de una joven actriz y por consecuencia un gran escándalo en Italia al enterarse de su decadente jet set, mientras que Fellini lo tomó como una fuente de inspiración para una escena de su “obras maestras”. La verdad es que no alcanzo a comprender la razón, sin embargo esta información fue lo que más me impactó de todo. Contemplar esas fotografías de la actriz “la turca” una joven desconocida , que posiblemente ya estuviera acabada, pero sintiendo envidia de la expectación que ejerció el baile de otra, ella decidió causar lo mismo pero de manera más directa y mucho menos elegante. Y mientras ella se desprendía de su ropa y de quizás los últimos vestigios de dignidad que le quedaban, la gente se agolpaba a su alrededor para contemplar su decadencia.
Como fin y curiosidad, quiero cerrar comentando que me he enterado que el término Paparazzi, y la profesión se “inventó” en Italia y deriva de un personaje de este director.
lunes, 8 de noviembre de 2010
Médicos Sin Fronteras
Lunes 08 de noviembre de 2010
Teatro Municipal Buero Vallejo (Alcorcón)
Fotrografías de Médicos sin fronteras
Esperando a que abrieran las puertas del ballet de Victor Ullate, comprobé que la sala de exposiciones estaba llena de gente, así que me decidí a entrar, y me encontré con una amplísima recopilación de fotografías sobre la labor humanitaria que realiza la asociación no gubernamental “Médicos sin Fronteras”.
Los temas se repartían por las pandemias que azotaban determinadas zonas: la enfermedad deChagas, la malaria, el sida y las fiebres negras.
Las fotografías no se quedaban en su contenido, en el aspecto informativo, o propagandístico, repitiendo lo necesaria que es el ayuda humanitaria en determinadas zonas, las más pobres del planeta, o denunciando la escasa o nula inversión en I+D ( investigación más desarrollo) que ocupa a las grandes compañías farmacéuticas a este tipo de enfermedades “de pobres” que tan poco rentabilidad les crea , sino que además, tenían una marcada, y conseguida intencionalidad estética, razón por lo que son comentadas en esta reseña y no como mera anécdota.
Me gustaron esta serie, precisamente por esa razón, pues a pesar de estar creadas sin pensar, sin un estudio de la perspectiva, si no en el momento en el que un médico de “Médicos sin fronteras” realizaba su labor, y no en un estudio de fotografía o una estudiada escenografía con la que captar la belleza de una determinada pose, seguían siendo poseedoras de esa belleza perturbante que solo posee lo desagradable.
Las series eran diferentes unas de otras, incluso dentro d elas mismas series los cambios se hacían evidentes, así algunas fotografías estaban realizadas con un “Gran angular” otras en blanco y negro y otras con un marcado efecto difuminado o borroso.
Teatro Municipal Buero Vallejo (Alcorcón)
Fotrografías de Médicos sin fronteras
Esperando a que abrieran las puertas del ballet de Victor Ullate, comprobé que la sala de exposiciones estaba llena de gente, así que me decidí a entrar, y me encontré con una amplísima recopilación de fotografías sobre la labor humanitaria que realiza la asociación no gubernamental “Médicos sin Fronteras”.
Los temas se repartían por las pandemias que azotaban determinadas zonas: la enfermedad deChagas, la malaria, el sida y las fiebres negras.
Las fotografías no se quedaban en su contenido, en el aspecto informativo, o propagandístico, repitiendo lo necesaria que es el ayuda humanitaria en determinadas zonas, las más pobres del planeta, o denunciando la escasa o nula inversión en I+D ( investigación más desarrollo) que ocupa a las grandes compañías farmacéuticas a este tipo de enfermedades “de pobres” que tan poco rentabilidad les crea , sino que además, tenían una marcada, y conseguida intencionalidad estética, razón por lo que son comentadas en esta reseña y no como mera anécdota.
Me gustaron esta serie, precisamente por esa razón, pues a pesar de estar creadas sin pensar, sin un estudio de la perspectiva, si no en el momento en el que un médico de “Médicos sin fronteras” realizaba su labor, y no en un estudio de fotografía o una estudiada escenografía con la que captar la belleza de una determinada pose, seguían siendo poseedoras de esa belleza perturbante que solo posee lo desagradable.
Las series eran diferentes unas de otras, incluso dentro d elas mismas series los cambios se hacían evidentes, así algunas fotografías estaban realizadas con un “Gran angular” otras en blanco y negro y otras con un marcado efecto difuminado o borroso.
FotoCAM 2009
Lunes 08 de noviembre de 2010
Sala de exposiciones de el Coliseo de la Cultura ( Villaviciosa de Odón)
FotoCAM 2009
Esta es una de las exposiciones que tiñeran por los ayuntamientos de toda la Comunidad de Madrid, se trata de FotoCAM 2009, es el Segundo premio de Fotografía periodística de la comunidad de Madrid, y en ella se recogen las fotografías ganadoras, de periodistas y de sus trabajos para periódicos.
Todas las fotografías han aparecido en alguna página de algún periódico español , reflejando la realidad política, social y reflejan sus diferentes estilos e intereses de los fotógrafos.
Me ha gustado y me ha parecido necesario esta exposición para desligarla de lo meramente informativo, de lo meramente decorativo como complemento de un texto, y que mañana, cuando el periódico caduque, se tirará a la basura y jamás se volverá a ver es fotografía. Esta exposición es un rescate de ese vertedero, en el que acaban todos los periódicos una vez leídos, y además de un rescate, es una reivindicación de la fotografía, pues no solo porque aparezca ilustrando cualquier noticia o artículo en las páginas en un periódico no deja de ser merecedora de la categoría arte. Hay verdaderas fotografías maravillosas que sólo por no estar expuestas en un museo sino en una tirada nacional se desprecian.
En esta exposición se reivindica eso.
Una de las que más me ha gustado, quizás por la cercanía, trataba sobre el derribo de la antiguamente cárcel de Caramanchel . Para llegar a ESCUNI, debo pasar todos los días delante de sus ahora derruidas puertas.
Yo no me enteré por ningún medio de comunicación de su derribo ( También es cierto que yo no suelo estar muy informada) lo descubría al pasar por delante y ver los cascotes y los restos de la construcción, por eso quizás también me llamó de especial manera, pues no sabía que su derribo había transcendido más allá del barrio.
Artísticamente era un fotografía magnífica, tomada al crepúsculo, con un juego de luces espectacular.
Y antes de terminar, quisiera elogiar la calidad increíble de las fotos, pues son unas fotos de un tamaño enorme, y de una calidad inmejorable, eso es algo muy difícil de conseguir
Sala de exposiciones de el Coliseo de la Cultura ( Villaviciosa de Odón)
FotoCAM 2009
Esta es una de las exposiciones que tiñeran por los ayuntamientos de toda la Comunidad de Madrid, se trata de FotoCAM 2009, es el Segundo premio de Fotografía periodística de la comunidad de Madrid, y en ella se recogen las fotografías ganadoras, de periodistas y de sus trabajos para periódicos.
Todas las fotografías han aparecido en alguna página de algún periódico español , reflejando la realidad política, social y reflejan sus diferentes estilos e intereses de los fotógrafos.
Me ha gustado y me ha parecido necesario esta exposición para desligarla de lo meramente informativo, de lo meramente decorativo como complemento de un texto, y que mañana, cuando el periódico caduque, se tirará a la basura y jamás se volverá a ver es fotografía. Esta exposición es un rescate de ese vertedero, en el que acaban todos los periódicos una vez leídos, y además de un rescate, es una reivindicación de la fotografía, pues no solo porque aparezca ilustrando cualquier noticia o artículo en las páginas en un periódico no deja de ser merecedora de la categoría arte. Hay verdaderas fotografías maravillosas que sólo por no estar expuestas en un museo sino en una tirada nacional se desprecian.
En esta exposición se reivindica eso.
Una de las que más me ha gustado, quizás por la cercanía, trataba sobre el derribo de la antiguamente cárcel de Caramanchel . Para llegar a ESCUNI, debo pasar todos los días delante de sus ahora derruidas puertas.
Yo no me enteré por ningún medio de comunicación de su derribo ( También es cierto que yo no suelo estar muy informada) lo descubría al pasar por delante y ver los cascotes y los restos de la construcción, por eso quizás también me llamó de especial manera, pues no sabía que su derribo había transcendido más allá del barrio.
Artísticamente era un fotografía magnífica, tomada al crepúsculo, con un juego de luces espectacular.
Y antes de terminar, quisiera elogiar la calidad increíble de las fotos, pues son unas fotos de un tamaño enorme, y de una calidad inmejorable, eso es algo muy difícil de conseguir
miércoles, 3 de noviembre de 2010
El Palacio Real
Miércoles 03 de noviembre de 2010
Palacio Real de Madrid (Madrid)
Patrimonio Nacional
Con motivo del cambio de guardia que se produce los miércoles, asistí al palacio real para verla, y, aunque me cuenta admitir que las artes marciales, en la categoría de arte, tengo que admitir , que ese desfile era realmente bonito, era como un baile perfectamente sincronizado. Primero los músico, luego la infantería y terminó con la caballería , y la caballería acorazada, todos, incluso los caballos parecían perfectamente alineados y coordinado. Después de eso entramos al interior del Palacio.
De las 2800 habitaciones que posee el palacio, solo se muestran 25, a cada cual más y más diferente, pues están diseñadas al gusto de la época, o bien al gusto de cada rey o reina que las habitó en su momento y las redecoró, así pues por ejemplo, la habitación de porcelana, que en su momento era la mejor muestra de estilo y riqueza que podría existir, ahora su gusto rococó choca con la estética actual, y solo soy capaz de apreciarla por conocer todos los periplos por los que España pasó para conseguir el secreto de la porcelana y poder fabricarla y no importarla de China.
También entramos en la Real Farmacia para contemplar la cantidad de estantes con ingredientes para las mezclas que puede haber en una botica. Y por último, en la real armería, donde se exponen las armaduras, tanto humanas con animales que pertenecieron a al familia real. Lo sorprendente de esta última colección es que hace menos de medio año, hubo una exposición temporal en el Museo del Prado llamada” el arte del poder” en la que puede contemplar ya varias piezas de esta colección, pues se trataba de una muestra de armaduras reales y su correspondiente retrato, o simplemente la armadura, o el escudo, como una verdadera obra de la más fina orfebrería.
Del palacio real, lo que más me gusto ( aparte de un serie de retratos magníficos de Goya, un cartón para tapiz del mismo autor y un par de frescos de Luca Giordano) fue sin duda la grandiosa escalera principal, y me hizo gran ilusión verla, pues desde que fuera pregunta de examen de la asignatura de Barroco, y la viera en una diapositiva proyectada en la pared, no habíha vuelto a verla. En origen esta escalera iba a ser muy distinta, pues aunque sin duda la actual, es una gran obra, no es de tanto tamaño como se proyectó originalmente, que iba a ocupar un ala entera ( también el palacio iba a ser cuatro veces más grande ocupando todo el jardín del moro) si se respetó el esquema imperial de dos escaleras que parten del mismo sitio que confluyen en un único lado, pareciendo que amplía y magnifica el espacio enormemente, y es precisamente eso lo que le da tanto valor.
Palacio Real de Madrid (Madrid)
Patrimonio Nacional
Con motivo del cambio de guardia que se produce los miércoles, asistí al palacio real para verla, y, aunque me cuenta admitir que las artes marciales, en la categoría de arte, tengo que admitir , que ese desfile era realmente bonito, era como un baile perfectamente sincronizado. Primero los músico, luego la infantería y terminó con la caballería , y la caballería acorazada, todos, incluso los caballos parecían perfectamente alineados y coordinado. Después de eso entramos al interior del Palacio.
De las 2800 habitaciones que posee el palacio, solo se muestran 25, a cada cual más y más diferente, pues están diseñadas al gusto de la época, o bien al gusto de cada rey o reina que las habitó en su momento y las redecoró, así pues por ejemplo, la habitación de porcelana, que en su momento era la mejor muestra de estilo y riqueza que podría existir, ahora su gusto rococó choca con la estética actual, y solo soy capaz de apreciarla por conocer todos los periplos por los que España pasó para conseguir el secreto de la porcelana y poder fabricarla y no importarla de China.
También entramos en la Real Farmacia para contemplar la cantidad de estantes con ingredientes para las mezclas que puede haber en una botica. Y por último, en la real armería, donde se exponen las armaduras, tanto humanas con animales que pertenecieron a al familia real. Lo sorprendente de esta última colección es que hace menos de medio año, hubo una exposición temporal en el Museo del Prado llamada” el arte del poder” en la que puede contemplar ya varias piezas de esta colección, pues se trataba de una muestra de armaduras reales y su correspondiente retrato, o simplemente la armadura, o el escudo, como una verdadera obra de la más fina orfebrería.
Del palacio real, lo que más me gusto ( aparte de un serie de retratos magníficos de Goya, un cartón para tapiz del mismo autor y un par de frescos de Luca Giordano) fue sin duda la grandiosa escalera principal, y me hizo gran ilusión verla, pues desde que fuera pregunta de examen de la asignatura de Barroco, y la viera en una diapositiva proyectada en la pared, no habíha vuelto a verla. En origen esta escalera iba a ser muy distinta, pues aunque sin duda la actual, es una gran obra, no es de tanto tamaño como se proyectó originalmente, que iba a ocupar un ala entera ( también el palacio iba a ser cuatro veces más grande ocupando todo el jardín del moro) si se respetó el esquema imperial de dos escaleras que parten del mismo sitio que confluyen en un único lado, pareciendo que amplía y magnifica el espacio enormemente, y es precisamente eso lo que le da tanto valor.
lunes, 25 de octubre de 2010
Vik Muniz
Este artista ya le vimos en el año anterior, pero esta vez, lo vimos en un documental, en el que relataba sus orígenes brasileños y su trayectoria profesional.
El documental prestaba especial atención a un nuevo proyecto del artista sobre el land art, algo que me pareció sorprendente, ya que ese nuevo estilo artístico, me fascina, un tipo de arte que combina una gran simplicidad temática con un tamaño ciclópeo.En el vídeo que hay a continuación, se ve una compilación de este estilo con el que Vik Muniz está experimentando, pero no sale el hueso, que fue la obra que creó para el documental
Tras ver el documental, en el camino, a Sara Guerrero y a mí se nos ocurrió que haciendo un juego conceptual podríamos adaptar la obra land art de Vik Muniz.
Podríamos imitar su obra, realizando el hueso gigante en tierra, y que a medida que se va alejando la cámara de la tierra se vean muñecas Barbies, y que a su tamaño , esa obra sea land art con respecto a su tamaño, pero no al nuestro, en una curiosa metáfora sobre los diferentes puntos de vista.
sábado, 23 de octubre de 2010
Estampa
Sábado23 de octubre 2010
Recinto Ferial Ifema (Madrid)
Estampa (Salón internacional de Arte Múltiple)
He de decir que en un principio, la feria me parecía muy interesante, además una de mis mejores amigas es artista, especializada en grabado, y pensé en lo muchísimo que hubiera disfrutado en esta feria, por eso me agradó el poder disfrutarla yo.
Después de lo pequeños problemas que tuve para acceder, por fin entré, y me sorprendió muchísimo el tamaño del recinto. Era enorme, mucho más de lo que podía imaginarme.
Empecé a caminar abrumada por tantísimo que ver, pensando que no podría terminarla. Y ahora que estoy aquí, intentando hacer la reseña de lo visto no sé por donde empezar, Se supone que bastaría con hacer dos comentarios de dos stand o dos obras, pero soy incapaz de elegir solo dos.
¿Cómo no hablar de las magníficas fotos de los polos helados, que tanta paz transmiten? ¿O de las adaptaciones del arte japonés, con los poemas Haiku traducidos, o los grabados estilo Ukiyo-e , que manteniendo el mismo estilo ancestral, se reinterpretan los motivos? las fotografías de los detalles que en la vida se ignoran, como las cerraduras oxidadas con verde lepara de bronce ¿Cómo ignorarlas aquí? ¿O los lobos devorando un cadáver, que a pesar de ser fotografía estaban tratados como pintura, desdibujando los contornos? ¿O las imágenes de ramas de árboles haciendo contraste con el fondo anaranjado? ¿ O ignorar las dos obras de la serie “el origen de las especies” realizadas con tiras de papel del libro, que tan original me resultó? Y me es imposible no hablar de las obras de Javier Roz, una fusión entre fotografía y grabado, cada una a un extremos del cuadro. Sus dibujos me resultaban parecidos a los de mi amiga.
Me encantaron la serie llamada “in situ”, que plasmaba un bosque y fotografiaba marcos, a veces vacíos, otras con un cuadro, y con múltiples espejos que reflejaban lo que no estaba, pues estaba en un ángulo que debería aparecer tu reflejo, sin embargo solo había bosque y nada. Me apreció una metáfora fantástica. Fue una de las obras que más tiempo contemplé.
Tampoco puedo dejar de mencionar una fotografía de gran formato, en la que había un marco de ventana ajada de madera, sin ya cristales y lo que resta de la mampostería que fue su muro, pero era una fotografía de estudio (se distinguía por la luz y el fondo)
También me sorprendió gratamente el juego que puede dar los marcos digitales, con unas obras que eran agujeros en la pared, y a través de ellos veías la imagen digital, te hacían convertirte en un voyeur o en un preso, según que pared mirases. Es algo tan novedoso, tan original y con tantísimas posibilidades , que me sorprendió que no hubiera más.
En cuanto a las esculturas, uno de mis géneros favoritos, tampoco me decepcionaron,. Me encantaro unas estatuas de unos bañistas jugando con focas, logrando captar la profundidad. Bien cerca de esta serie, había una escultura fabuloso, un hombre unido a una placa de raíces en vacío. Él hace el gesto de querer volar, pero está enraizado al suelo, y de sus axilas salen las ramas , lo único que consigue elevarse, es increíble como capta el movimiento en algo tan sumamente estático. Otra escultura que capto mi atención eras las hechas en dos dimensiones, eran como garabatos hechos de hierro.
Lo que más me sorprendió de esta feria, por mi reacción , fue lo contendiente al “Objet trouve” porque es un género que no me gusta, sin embargo he de reconocer que los que allí se exponían lo hacían con gusto.
Y dejo para la última un video-art que me encantó, que se llama “canonicemos a las Putas” basado en el poema homónimo de Jaime Sabines. Aunque para la obra había sido traducido al inglés, y me contó mucho entenderlo, así que decidí buscarlo al llegar a casa para disfrutarlo con total comprensión, por eso he decidido adjuntarlo aquí.
Santoral del Sábado: Betty, Lola, Margot, vírgenes perpetuas, reconstruidas, mártires provisorias llenas de gracia, manantiales de generosidad.
Das el placer, oh puta redentora del mundo, y nada pides a cambio sino unas monedas miserables. No exiges ser amada, respetada, atendida, ni imitas a las esposas con los lloriqueos, las reconvenciones y los celos. No obligas a nadie a la despedida ni a la reconciliación; no chupas la sangre ni el tiempo; eres limpia de culpa; recibes en tu seno a los pecadores, escuchas las palabras y los sueños, sonríes y besas. Eres paciente, experta, atribulada, sabia, sin rencor.
No engañas a nadie, eres honesta, íntegra, perfecta; anticipas tu precio, te enseñas; no discriminas a los viejos, a los criminales, a los tontos, a los de otro color; soportas las agresiones del orgullo, las asechanzas de los enfermos; alivias a los impotentes, estimulas a los tímidos, complaces a los hartos, encuentras la fórmula de los desencantados. Eres la confidente del borracho, el refugio del perseguido, el lecho del que no tiene reposo.
Has educado tu boca y tus manos, tus músculos y tu piel, tus vísceras y tu alma. Sabes vestir y desvestirte, acostarte, moverte. Eres precisa en el ritmo, exacta en el gemido, dócil a las maneras del amor.
Eres la libertad y el equilibrio; no sujetas ni detienes a nadie; no sometes a los recuerdos ni a la espera. Eres pura presencia, fluidez, perpetuidad.
En el lugar que oficias a la verdad y a la belleza de la vida, ya sea el burdel elegante, la casa discreta o el camastro de la pobreza, eres lo mismo que una lámpara y un vaso de agua y un pan.
Oh puta amiga, amada, recodo de este día de siempre, te reconozco, te canonizo a un lado de los hipócritas y los perversos, te doy todo mi dinero, te corono con hojas de yerba y me dispongo a aprender de ti,... todo el tiempo…
En general estoy muy contenta de haber podido asistir.
Recinto Ferial Ifema (Madrid)
Estampa (Salón internacional de Arte Múltiple)
He de decir que en un principio, la feria me parecía muy interesante, además una de mis mejores amigas es artista, especializada en grabado, y pensé en lo muchísimo que hubiera disfrutado en esta feria, por eso me agradó el poder disfrutarla yo.
Después de lo pequeños problemas que tuve para acceder, por fin entré, y me sorprendió muchísimo el tamaño del recinto. Era enorme, mucho más de lo que podía imaginarme.
Empecé a caminar abrumada por tantísimo que ver, pensando que no podría terminarla. Y ahora que estoy aquí, intentando hacer la reseña de lo visto no sé por donde empezar, Se supone que bastaría con hacer dos comentarios de dos stand o dos obras, pero soy incapaz de elegir solo dos.
¿Cómo no hablar de las magníficas fotos de los polos helados, que tanta paz transmiten? ¿O de las adaptaciones del arte japonés, con los poemas Haiku traducidos, o los grabados estilo Ukiyo-e , que manteniendo el mismo estilo ancestral, se reinterpretan los motivos? las fotografías de los detalles que en la vida se ignoran, como las cerraduras oxidadas con verde lepara de bronce ¿Cómo ignorarlas aquí? ¿O los lobos devorando un cadáver, que a pesar de ser fotografía estaban tratados como pintura, desdibujando los contornos? ¿O las imágenes de ramas de árboles haciendo contraste con el fondo anaranjado? ¿ O ignorar las dos obras de la serie “el origen de las especies” realizadas con tiras de papel del libro, que tan original me resultó? Y me es imposible no hablar de las obras de Javier Roz, una fusión entre fotografía y grabado, cada una a un extremos del cuadro. Sus dibujos me resultaban parecidos a los de mi amiga.
Me encantaron la serie llamada “in situ”, que plasmaba un bosque y fotografiaba marcos, a veces vacíos, otras con un cuadro, y con múltiples espejos que reflejaban lo que no estaba, pues estaba en un ángulo que debería aparecer tu reflejo, sin embargo solo había bosque y nada. Me apreció una metáfora fantástica. Fue una de las obras que más tiempo contemplé.
Tampoco puedo dejar de mencionar una fotografía de gran formato, en la que había un marco de ventana ajada de madera, sin ya cristales y lo que resta de la mampostería que fue su muro, pero era una fotografía de estudio (se distinguía por la luz y el fondo)
También me sorprendió gratamente el juego que puede dar los marcos digitales, con unas obras que eran agujeros en la pared, y a través de ellos veías la imagen digital, te hacían convertirte en un voyeur o en un preso, según que pared mirases. Es algo tan novedoso, tan original y con tantísimas posibilidades , que me sorprendió que no hubiera más.
En cuanto a las esculturas, uno de mis géneros favoritos, tampoco me decepcionaron,. Me encantaro unas estatuas de unos bañistas jugando con focas, logrando captar la profundidad. Bien cerca de esta serie, había una escultura fabuloso, un hombre unido a una placa de raíces en vacío. Él hace el gesto de querer volar, pero está enraizado al suelo, y de sus axilas salen las ramas , lo único que consigue elevarse, es increíble como capta el movimiento en algo tan sumamente estático. Otra escultura que capto mi atención eras las hechas en dos dimensiones, eran como garabatos hechos de hierro.
Lo que más me sorprendió de esta feria, por mi reacción , fue lo contendiente al “Objet trouve” porque es un género que no me gusta, sin embargo he de reconocer que los que allí se exponían lo hacían con gusto.
Y dejo para la última un video-art que me encantó, que se llama “canonicemos a las Putas” basado en el poema homónimo de Jaime Sabines. Aunque para la obra había sido traducido al inglés, y me contó mucho entenderlo, así que decidí buscarlo al llegar a casa para disfrutarlo con total comprensión, por eso he decidido adjuntarlo aquí.
Santoral del Sábado: Betty, Lola, Margot, vírgenes perpetuas, reconstruidas, mártires provisorias llenas de gracia, manantiales de generosidad.
Das el placer, oh puta redentora del mundo, y nada pides a cambio sino unas monedas miserables. No exiges ser amada, respetada, atendida, ni imitas a las esposas con los lloriqueos, las reconvenciones y los celos. No obligas a nadie a la despedida ni a la reconciliación; no chupas la sangre ni el tiempo; eres limpia de culpa; recibes en tu seno a los pecadores, escuchas las palabras y los sueños, sonríes y besas. Eres paciente, experta, atribulada, sabia, sin rencor.
No engañas a nadie, eres honesta, íntegra, perfecta; anticipas tu precio, te enseñas; no discriminas a los viejos, a los criminales, a los tontos, a los de otro color; soportas las agresiones del orgullo, las asechanzas de los enfermos; alivias a los impotentes, estimulas a los tímidos, complaces a los hartos, encuentras la fórmula de los desencantados. Eres la confidente del borracho, el refugio del perseguido, el lecho del que no tiene reposo.
Has educado tu boca y tus manos, tus músculos y tu piel, tus vísceras y tu alma. Sabes vestir y desvestirte, acostarte, moverte. Eres precisa en el ritmo, exacta en el gemido, dócil a las maneras del amor.
Eres la libertad y el equilibrio; no sujetas ni detienes a nadie; no sometes a los recuerdos ni a la espera. Eres pura presencia, fluidez, perpetuidad.
En el lugar que oficias a la verdad y a la belleza de la vida, ya sea el burdel elegante, la casa discreta o el camastro de la pobreza, eres lo mismo que una lámpara y un vaso de agua y un pan.
Oh puta amiga, amada, recodo de este día de siempre, te reconozco, te canonizo a un lado de los hipócritas y los perversos, te doy todo mi dinero, te corono con hojas de yerba y me dispongo a aprender de ti,... todo el tiempo…
En general estoy muy contenta de haber podido asistir.
miércoles, 20 de octubre de 2010
desbordamiento de Val de Omar
Miércoles 20 de octubre 2010
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
:desbordamiento de Val del Omar
La exposición nos recibía con unas grabaciones de audio , quizás para advertirnos que no iban a ser una exposición convencional, como estamos acostumbrados, es decir, imágenes quietas en una o dos dimensiones.
Nos adentramos en una sala totalmente a oscuras con unos bancos, y entonces se empiezan a proyectar una serie de imágenes sobre una pantalla que hasta ahora no habíamos visto, imágenes en blanco y negro, sobre esculturas de barro, sobre estatuas de piedra sobre un hombre cubierto de lodo, y sobre Santiago de Compostela. Y una serie de sonidos indescriptibles , tambores, y algunas voces humanas hablando en gallego.
En conjunto era sin duda desasosegante e inquietante, apelaban a miedos y superchería , hablaban para mí de esa visión macabra que ofrecen a veces las iglesias, por eso aparecían ánimas quemándose, interiores de casas con sus santos protectores, rostros de estatuas deformes que parecían sufrir, y como oposición , la espléndida catedral de peregrinación y el santo siendo abrazado. Sin embargo, Sara Guerrero Gómez, compañera de la carrera, que vino conmigo al Museo Reina Sofía, entendió de la proyección una visión completamente distinta a la mía, ella veía que el video simbolizaba al hombre en paralelismo con el barro, que el ser humano está hecho de barro.
En la puerta estaba escrito que Val del Omar hacía un tríptico al fuego al agua y a la tierra, en Galicia. Lo que me gustó de verdad es que ninguna de las tres visiones está reñida y pueden coexistir a la vez, sin que ninguna esté equivocada.
Otra proyección hablaba sobre Granada, la tierra del autor,. En esta ocasión dejo el registro dramático y se decantó por algo más onírico, esa visión era como un sueño, aparecían cosas sin sentido que mientras las ves te parecen lo más importante del mundo, como pasa a veces cuando dormimos, pero luego no eres capaz de recordarlas con claridad ni con orden, como ocurre cuando despiertas.
Era un sueño sobre Granada, pero no era como si tú, un ser humano cualquiera, soñase con la ciudad, no, era más bien como si la ciudad personificada hubiera, por una noche ,cobrado vida, y ahora estuviera durmiendo sobre lo que ha vivido, lo que es y ha sido.
Es como si Granada entera soñase que está dormida.
La exposición continuaba con fragmentos de obras, fotografías , y un apartado que me pareció sorprendente, un estudio, desordenado , llenos de cintas y anotaciones, tal como se puede esperar del que el autor tuvo en sus momentos de creación.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
:desbordamiento de Val del Omar
La exposición nos recibía con unas grabaciones de audio , quizás para advertirnos que no iban a ser una exposición convencional, como estamos acostumbrados, es decir, imágenes quietas en una o dos dimensiones.
Nos adentramos en una sala totalmente a oscuras con unos bancos, y entonces se empiezan a proyectar una serie de imágenes sobre una pantalla que hasta ahora no habíamos visto, imágenes en blanco y negro, sobre esculturas de barro, sobre estatuas de piedra sobre un hombre cubierto de lodo, y sobre Santiago de Compostela. Y una serie de sonidos indescriptibles , tambores, y algunas voces humanas hablando en gallego.
En conjunto era sin duda desasosegante e inquietante, apelaban a miedos y superchería , hablaban para mí de esa visión macabra que ofrecen a veces las iglesias, por eso aparecían ánimas quemándose, interiores de casas con sus santos protectores, rostros de estatuas deformes que parecían sufrir, y como oposición , la espléndida catedral de peregrinación y el santo siendo abrazado. Sin embargo, Sara Guerrero Gómez, compañera de la carrera, que vino conmigo al Museo Reina Sofía, entendió de la proyección una visión completamente distinta a la mía, ella veía que el video simbolizaba al hombre en paralelismo con el barro, que el ser humano está hecho de barro.
En la puerta estaba escrito que Val del Omar hacía un tríptico al fuego al agua y a la tierra, en Galicia. Lo que me gustó de verdad es que ninguna de las tres visiones está reñida y pueden coexistir a la vez, sin que ninguna esté equivocada.
Otra proyección hablaba sobre Granada, la tierra del autor,. En esta ocasión dejo el registro dramático y se decantó por algo más onírico, esa visión era como un sueño, aparecían cosas sin sentido que mientras las ves te parecen lo más importante del mundo, como pasa a veces cuando dormimos, pero luego no eres capaz de recordarlas con claridad ni con orden, como ocurre cuando despiertas.
Era un sueño sobre Granada, pero no era como si tú, un ser humano cualquiera, soñase con la ciudad, no, era más bien como si la ciudad personificada hubiera, por una noche ,cobrado vida, y ahora estuviera durmiendo sobre lo que ha vivido, lo que es y ha sido.
Es como si Granada entera soñase que está dormida.
La exposición continuaba con fragmentos de obras, fotografías , y un apartado que me pareció sorprendente, un estudio, desordenado , llenos de cintas y anotaciones, tal como se puede esperar del que el autor tuvo en sus momentos de creación.
Una exposición de Arte
Miércoles 20 de octubre 2010
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Hans-Peter Feldmann (Una exposición de arte)
Detrás de su evidente título, se esconde una ecléctica colección de múltiples tipos y estilos de arte contemporáneo, desde el colage, la fotografía al objet trouvé , que el autor re-bautiza como “Wunderkammer” o gabinete de curiosidades
De esta mezcolanza de estilos, formas e inspiraciones destacaron para mí, la primera, la obra que da la bienvenida al visitante, varias macetas colgadas de la pared con un ángulo de 90º diferente a la esperada . Ese simple detalle transforma totalmente una escena, de habitual a chocante, de cotidiana a extraordinaria .
Al seguir avanzando un trampantojo colgaba de la pared, lo que a unos pasos parecían cajones, era un cuadro pintado, y en su reverso un collage con fotografías.
El collage es un estilo que el autor da buena cuenta, pues tenía varios, desde piernas a libros, a el único que me gusto de ellos, un tríptico lleno de fotografías de oleos de retratos femeninos.
La colección de 101 fotografías de diferentes años, de la vida de las personas, me pareció fascinante,. A medio camino entre un estudio antropológico y la cotidianeidad ( ya que todos los allí retratados pertenecen al círculo privado del artista) siendo el arte lo que media entre ambos extremos. Ni yo ni ninguno de los que contemplaban la exposición podía reprimirse a detenerse en la fotografía que representaba su edad, mirar con añoranza al pasado que dejamos atrás, y seguir contemplando el deterioro físico que sufriremos a cada año que se escurre. Es una de las mejores metáforas del paso del tiempo que había visto. Aunque no la mejor, pues para mí esa se expuso hace unos años en Madrid. Cuatro hermanas, siempre en la mismo orden a las que se las fotografiaba año tras año.
“9/12” Otra se trataba de las portadas del los atentados del 11S , recogía una sala entera llena de periódicos reales de distinta nacionalidad ( incluso temática, negocios, deportes …) y todos ellos ( salvo uno que hablaba de un aeropuerto) colocaban en su portada las torres gemelas en llamas.
Había una instalación, que constaba de un sillón, verde, estilo señorial y usado y encima un óleo con un velero al revés, algo en apariencia tan simple, causó gran impacto en mí, ya que sentías por un lado el impulso de colocar el cuadro correctamente , y por otro, ganas de apartarte porque parecía que en cualquier momento se caería el agua , mojando todo el salón que se insinuaba con un único mueble.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Hans-Peter Feldmann (Una exposición de arte)
Detrás de su evidente título, se esconde una ecléctica colección de múltiples tipos y estilos de arte contemporáneo, desde el colage, la fotografía al objet trouvé , que el autor re-bautiza como “Wunderkammer” o gabinete de curiosidades
De esta mezcolanza de estilos, formas e inspiraciones destacaron para mí, la primera, la obra que da la bienvenida al visitante, varias macetas colgadas de la pared con un ángulo de 90º diferente a la esperada . Ese simple detalle transforma totalmente una escena, de habitual a chocante, de cotidiana a extraordinaria .
Al seguir avanzando un trampantojo colgaba de la pared, lo que a unos pasos parecían cajones, era un cuadro pintado, y en su reverso un collage con fotografías.
El collage es un estilo que el autor da buena cuenta, pues tenía varios, desde piernas a libros, a el único que me gusto de ellos, un tríptico lleno de fotografías de oleos de retratos femeninos.
La colección de 101 fotografías de diferentes años, de la vida de las personas, me pareció fascinante,. A medio camino entre un estudio antropológico y la cotidianeidad ( ya que todos los allí retratados pertenecen al círculo privado del artista) siendo el arte lo que media entre ambos extremos. Ni yo ni ninguno de los que contemplaban la exposición podía reprimirse a detenerse en la fotografía que representaba su edad, mirar con añoranza al pasado que dejamos atrás, y seguir contemplando el deterioro físico que sufriremos a cada año que se escurre. Es una de las mejores metáforas del paso del tiempo que había visto. Aunque no la mejor, pues para mí esa se expuso hace unos años en Madrid. Cuatro hermanas, siempre en la mismo orden a las que se las fotografiaba año tras año.
“9/12” Otra se trataba de las portadas del los atentados del 11S , recogía una sala entera llena de periódicos reales de distinta nacionalidad ( incluso temática, negocios, deportes …) y todos ellos ( salvo uno que hablaba de un aeropuerto) colocaban en su portada las torres gemelas en llamas.
Había una instalación, que constaba de un sillón, verde, estilo señorial y usado y encima un óleo con un velero al revés, algo en apariencia tan simple, causó gran impacto en mí, ya que sentías por un lado el impulso de colocar el cuadro correctamente , y por otro, ganas de apartarte porque parecía que en cualquier momento se caería el agua , mojando todo el salón que se insinuaba con un único mueble.
viernes, 15 de octubre de 2010
Otras culturas, otros lugares
Viernes 15 de octubre 2010
Teatro Municipal Buero Vallejo (Alcorcón)
Otras culturas, otros lugares (Red de exposiciones Itinerantes)
Se trata de una selección de fotografías basadas en el Nitrato de Plata, pertenecientes a la colección Alcobendas
Son fotografías hechas en muy diversas tonalidades de grises
La mayoría de ellas muestran aspectos desasosegante
Que son obras de fotógrafos españoles y que recorren una buena parte de países, aunque los países hispanoamericanos son los que muestran las fotos mas interesantes a mi modo de ver.
Me han gustado especialmente
Una en la que se ve en primer termino una silueta en negro de un adolescente sobre la cubierta de un barco probablemente viendo al fondo muy lejana la estatua de la libertad en NY.
Otra también por supuesto en grises en la que se ve una bicicleta destartalada que lleve un carrito hecho como con somieres y que sirve de cama al personaje que aparece durmiendo
Hay otra de Cuba .en la que aparece una barca inmóvil sobre lo que parece un lago también inmóvil y que exhala tristeza no quietud o reposo.
Otra muestra dos zapatos en no muy mal estado puestos a modo de zapatillas de ballet sobre una especie de tronco,
Lo memos interesante a mi parecer son una serie de creo que ocho fotografías de pequeño formato que son fotomontajes.
Por supuesto La fotografiad que se muestra en la portada trasmite inquietud y malos presagios.
Teatro Municipal Buero Vallejo (Alcorcón)
Otras culturas, otros lugares (Red de exposiciones Itinerantes)
Se trata de una selección de fotografías basadas en el Nitrato de Plata, pertenecientes a la colección Alcobendas
Son fotografías hechas en muy diversas tonalidades de grises
La mayoría de ellas muestran aspectos desasosegante
Que son obras de fotógrafos españoles y que recorren una buena parte de países, aunque los países hispanoamericanos son los que muestran las fotos mas interesantes a mi modo de ver.
Me han gustado especialmente
Una en la que se ve en primer termino una silueta en negro de un adolescente sobre la cubierta de un barco probablemente viendo al fondo muy lejana la estatua de la libertad en NY.
Otra también por supuesto en grises en la que se ve una bicicleta destartalada que lleve un carrito hecho como con somieres y que sirve de cama al personaje que aparece durmiendo
Hay otra de Cuba .en la que aparece una barca inmóvil sobre lo que parece un lago también inmóvil y que exhala tristeza no quietud o reposo.
Otra muestra dos zapatos en no muy mal estado puestos a modo de zapatillas de ballet sobre una especie de tronco,
Lo memos interesante a mi parecer son una serie de creo que ocho fotografías de pequeño formato que son fotomontajes.
Por supuesto La fotografiad que se muestra en la portada trasmite inquietud y malos presagios.
miércoles, 13 de octubre de 2010
Recortable
La idea de realizar un recortable con tu propia figura y tu ropa es un poco raro, pero tremendamente divertida. además de que esta actividad es fácilmente extrapolable a infantil, y muy práctica, además de que nos aporta una cantidad inmensa de información sobre la percepción del propio yo del niño, si la ha alcanzado o no.
La actividad consiste en pegar una foto de carné propia en un folio, e intentando que sea proporcionado, hacer tu propio cuerpo; El resultado es muy variado y original, además tenemos un montón de trajes que siempre hemos querido tener que ahora podemos diseñarnos y ver que tal nos sientan.
Aquí están las fotografías de mi propio recortable con sus vestidos
(No puedo publicar todas las fotos del recortable en proceso debido a un fallo técnico de mi teléfono móvil.)
La actividad consiste en pegar una foto de carné propia en un folio, e intentando que sea proporcionado, hacer tu propio cuerpo; El resultado es muy variado y original, además tenemos un montón de trajes que siempre hemos querido tener que ahora podemos diseñarnos y ver que tal nos sientan.
Aquí están las fotografías de mi propio recortable con sus vestidos
(No puedo publicar todas las fotos del recortable en proceso debido a un fallo técnico de mi teléfono móvil.)
Todas íbamos a ser reinas...
Miércoles, 13 de octubre de 2010
Museo de América ( Madrid)
“Gabriela Mistral - Todas íbamos a ser reinas …”
Esta exposición temporal del Museo de América es una magnífica fusión entre poesía y pintura, era poner una al lado de otra dos tipos de arte relacionándose y complementándose añadiendo o matizando para complementarse y sublimarse la una a la otra.
La poesía era toda obra de la chilena premio Nobel, Gabriela Mistral , mientras que las pinturas eran pertenecientes a pintoras tanto chilenas como españolas, pero todas ellas mujeres.
Ese hecho me pareció curioso, ya que en muchas ocasiones las mujeres en la pintura, como en casi todos los trabajos, se han menospreciado y olvidado, tan solo se son un par de nombres de artistas mujeres los que se recuerdan (Frida Kahlo o Artemisa Gentileschi) frente a los innumerables de los hombres.
Cada una de estas mujeres poseía un estilo propio, desde el hiper-realismo (que en la distancia pensé que era una fotografía) pasando por la abstracción.
Fue de este último estilo el que más me cautivo, era un cuadro de una magnífica elección de colores al fondo, y como pétalos que flotaban por un imaginaria brisa que soplaba en la sala ,y como he explicado antes se complementaba con una preciosa poesía que me llego tan adentro que hasta la copié para poder buscarla después
Dame la mano y danzaremos
Dame la mano y me amarás
Como una sola flor seremos
Como una flor y nada más
El mismo verso cantaremos
Al mismo paso bailarás
Como una espiga ondularemos
Como una espiga y nada más
Te llamas rosa y yo esperanza
Pero tu nombre olvidarás
Porque seremos una danza
En la colina y nada más…
Otra obra que me fascino era una realista, en la que en el alféizar de una ventana reposaba un vestidito de bebé, una flor y todo ello rodeado de una luz especial cálida, a pesar de ello me entró cierta melancolía inexplicable y una sensación de nostalgia.
Museo de América ( Madrid)
“Gabriela Mistral - Todas íbamos a ser reinas …”
Esta exposición temporal del Museo de América es una magnífica fusión entre poesía y pintura, era poner una al lado de otra dos tipos de arte relacionándose y complementándose añadiendo o matizando para complementarse y sublimarse la una a la otra.
La poesía era toda obra de la chilena premio Nobel, Gabriela Mistral , mientras que las pinturas eran pertenecientes a pintoras tanto chilenas como españolas, pero todas ellas mujeres.
Ese hecho me pareció curioso, ya que en muchas ocasiones las mujeres en la pintura, como en casi todos los trabajos, se han menospreciado y olvidado, tan solo se son un par de nombres de artistas mujeres los que se recuerdan (Frida Kahlo o Artemisa Gentileschi) frente a los innumerables de los hombres.
Cada una de estas mujeres poseía un estilo propio, desde el hiper-realismo (que en la distancia pensé que era una fotografía) pasando por la abstracción.
Fue de este último estilo el que más me cautivo, era un cuadro de una magnífica elección de colores al fondo, y como pétalos que flotaban por un imaginaria brisa que soplaba en la sala ,y como he explicado antes se complementaba con una preciosa poesía que me llego tan adentro que hasta la copié para poder buscarla después
Dame la mano y danzaremos
Dame la mano y me amarás
Como una sola flor seremos
Como una flor y nada más
El mismo verso cantaremos
Al mismo paso bailarás
Como una espiga ondularemos
Como una espiga y nada más
Te llamas rosa y yo esperanza
Pero tu nombre olvidarás
Porque seremos una danza
En la colina y nada más…
Otra obra que me fascino era una realista, en la que en el alféizar de una ventana reposaba un vestidito de bebé, una flor y todo ello rodeado de una luz especial cálida, a pesar de ello me entró cierta melancolía inexplicable y una sensación de nostalgia.
viernes, 8 de octubre de 2010
Collage
Viernes 08 de octubre 2010
Sala de exposiciones del Coliseo de la cultura (Villaviciosa de Odón)
Collage de Mecha Calvete
La exposición de Mecha Calvete es un compromiso con África pues la recaudación íntegra de las ventas de las obras se destinaran a dicho continente.
Su relación con África no sé queda en su destino de su recaudación, sino que empapa la temática y la estética de sus recortes. Con su cartulina negra interpreta las formas antropomorfas esquematizadas propias de las culturas tribales. (Y que a mí en última instancia me recordaba a las obras de Matisse cuando por sus problemas de visión esquematizaba sus figuras recortando)
La obra seguía como hilo conductor las letras de abecedario. A cada letra se asociaba una palabra con esa inicial, y esta a su vez, con África, o pensándolo mejor, con nuestra concepción tópica del África profunda: Curandera, tribu, fertilidad, guerreros …
La técnica de la exposición me pareció fascinante, eran papel vegetal de diferentes y variados colores que la autora había quemado , y de las protuberancias que se generaban, se pintaban de vivos colores ( A mi entender utilizando acrílicos nacarados, y en ocasiones rotuladores metalizados, )que a la postre se asemejaba a piedras preciosas en técnica de cabujones.
Me pareció algo tremendamente original que encajaba perfectamente con la idea y una técnica fácilmente aplicable para decorar futuros trabajos.
El próximo mural para clase, que vamos a realizar en mi grupo de trabajo versa sobre la prehistoria, y esta exposición me ha brindado muchas ideas, ya que, aunque con un margen, las representaciones humanas se parecían al arte rupestre levantino.
De las obras que había creo que la que más me ha gustado es la O de Oráculo, en una sinfonía de blancos difuminados que creaba una atmósfera de misticismo.
Otro sin duda igualmente fascinante era la D de Destino , que hacía referencia a los intentos de cruzar el estrecho hacinados en pateras infectas que en muchos casos, demasiados, acaban naufragando y muriendo sus ocupantes, sin duda creo que podría haber potenciado el efecto trágico utilizando colores oscuros, mejor que el color cálido elegido, pero quizás la autora buscaba brindar un poco de esperanza en las dos pateras que continuaban navegando, repletas de rostros uniformes sin ningún tipo individualización con una buscada isocefália para aumentar esa sensación.
La hoja que adjunto, ya que la entrada era libre y gratuita, tiene una imagen de las últimas letras, una obra de mucho gusto pero, la foto que lo ilustra no le hace ningún tipo de justicia.
En definitiva, me ha sorprendido gratamente, mucho más de lo que se esperaba.
Sala de exposiciones del Coliseo de la cultura (Villaviciosa de Odón)
Collage de Mecha Calvete
La exposición de Mecha Calvete es un compromiso con África pues la recaudación íntegra de las ventas de las obras se destinaran a dicho continente.
Su relación con África no sé queda en su destino de su recaudación, sino que empapa la temática y la estética de sus recortes. Con su cartulina negra interpreta las formas antropomorfas esquematizadas propias de las culturas tribales. (Y que a mí en última instancia me recordaba a las obras de Matisse cuando por sus problemas de visión esquematizaba sus figuras recortando)
La obra seguía como hilo conductor las letras de abecedario. A cada letra se asociaba una palabra con esa inicial, y esta a su vez, con África, o pensándolo mejor, con nuestra concepción tópica del África profunda: Curandera, tribu, fertilidad, guerreros …
La técnica de la exposición me pareció fascinante, eran papel vegetal de diferentes y variados colores que la autora había quemado , y de las protuberancias que se generaban, se pintaban de vivos colores ( A mi entender utilizando acrílicos nacarados, y en ocasiones rotuladores metalizados, )que a la postre se asemejaba a piedras preciosas en técnica de cabujones.
Me pareció algo tremendamente original que encajaba perfectamente con la idea y una técnica fácilmente aplicable para decorar futuros trabajos.
El próximo mural para clase, que vamos a realizar en mi grupo de trabajo versa sobre la prehistoria, y esta exposición me ha brindado muchas ideas, ya que, aunque con un margen, las representaciones humanas se parecían al arte rupestre levantino.
De las obras que había creo que la que más me ha gustado es la O de Oráculo, en una sinfonía de blancos difuminados que creaba una atmósfera de misticismo.
Otro sin duda igualmente fascinante era la D de Destino , que hacía referencia a los intentos de cruzar el estrecho hacinados en pateras infectas que en muchos casos, demasiados, acaban naufragando y muriendo sus ocupantes, sin duda creo que podría haber potenciado el efecto trágico utilizando colores oscuros, mejor que el color cálido elegido, pero quizás la autora buscaba brindar un poco de esperanza en las dos pateras que continuaban navegando, repletas de rostros uniformes sin ningún tipo individualización con una buscada isocefália para aumentar esa sensación.
La hoja que adjunto, ya que la entrada era libre y gratuita, tiene una imagen de las últimas letras, una obra de mucho gusto pero, la foto que lo ilustra no le hace ningún tipo de justicia.
En definitiva, me ha sorprendido gratamente, mucho más de lo que se esperaba.
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