Sábado 27 de noviembre de 2010
Palacio de congresos ( Madrid)
Fain Art
Feria de arte independiente
Antes de empezar quería dar gracias a la chica de la puerta, pues en un principio yo había quedado con dos amigos además de con Sara Guerrero, para ir juntos a esa feria aprovechando que teníamos dos entradas dobles ( la suya y la mía)pero cuando llegué a la puerta me di cuenta de que me la había olvidado en mesa del ordenador, mientras comprobaba dónde se encontraba situado en el mapa la feria. La recepcionista me regaló otra entrada para no se estropearan nuestros planes.
La feria me gusto muchísimo. Cuando llegamos había un concierto en directo y un ambiente neo - bohemio vanguardista que me entusiasma. Es un ambiente muy fresco y distendido.
El primer Stan en el nos encontramos, fue también uno de los que más me gustó.
La colección REFLEJOS, con un estilo hiper-realista, pero no lo suficiente como para parecer una fotografía, pues ese estilo de pintura no me gusta nada, me parece de una vulgaridad espantosa y anodina, un clasicismo insincero absolutamente kirch, y en la feria los había. Había un stan que entre mi grupo de amigos causo muchos elogios, excepto a mi. Que ver ese tipo de cuadros solo me hace pensar en lo que haría un camionero., sin embargo la colección de CARMINA OREJAS no lo era en absoluto.
Sara Guerrero y yo estuvimos hablando con la autora, y nos contó una anécdota sobre su pintura que no me resisto a retransmitir. Había un cuadro de un niño, (su nieto) basado en una fotografía “DESCUBRIENDO EL MUNDO” en el que se encontraba en el río unas pompas y va a explotarlas, pues en al feria hubo una niña pequeña que de la entrada, vio el cuadro y salió corriendo a explotarlas pero solo se golpeó contra el cuadro.
La verdad es que el tema de los reflejos es algo que siempre me a apasionado. Como conseguir que se rompa el espacio donde está el espectador y donde esta el cuadro, como algunos parece que donde deberías de estar reflejado tú hay otra cosa, que amplía el espacio de una manera asombrosa.
Me encantó también la opción propuesta por Castañeda Fuertes, pues esta licenciada en bellas artes dícese capaz conseguir la sanación a través de sus pinturas.
Mediante un encargo, se hará un cuadro absolutamente personal, y exclusivo, diseñado para un lugar de la casa, y dice que después al contemplarlo durante el tiempo se compromete a curar el interior, realizar un despertar interior.
La verdad es que no creo demasiado en semejante milagro de la medicina, pero me pareció muy interesante, por no decir que su obra en general, aparte de si sanan o no, me apreció realmente hermosa .
Sus mayores virtudes son un color vibrante e intensísimo, en todas las escalas unos paisajes de diferentes orígenes, que básicamente son una mísera excusa para el maravilloso cromatismo.
Creo que sin duda el que más me gustó de todos son unos “esbozos” realizados por MARIA LUISA ESPARCIA. Son unos cuadros, unos retratos basados en los grandes cuadros de la humanidad, y con tan solo unos esbozos se podía apreciar perfectamente qué es.
Desde la chica de la perla, hasta un greco, la dama del armiño, y una virgen renacentista, todos los cuadros, pero la característica es que en la cara solo había un espacio en blanco. No tenían cara, son rostros sin cara que aun así extrañamente tiene una profundidad tremenda, y que parece que te mira, te atraviesan con unos ojos inexistentes.
Además me pareció que el precio por estas pinturas era muy accesible a los bolsillos de la gente, un gran oportunidad. Aunque en el fondo, el asunto económico del precio me apreció muy asequible en tonos generales, al contrario que la exposición de grabados y arte múltiple que se celebró en el Ifema. Aquí, no había unos precios desorbitados,, al contrario era un buen sitio donde un esteta podría surtirse y satisfacerse con su mecenazgo.
GLORIA GOMEZ también fue otra autora de la que disfruté mucho.
Había una serie de grabados de diferentes motivos y tamaños, realmente hermosos y actuales. ME gusto especialmente el que trababa de unos peces.
Me pareció que la técnica eran litografías aunque no estoy muy segura, pues también cabe la posibilidad de realizarla con planchas de bronce. Indistintamente a la técnica, la colección numerada era muy bonita a la para que sencilla, nada recargada, solo unos pocos trazos .
La verdad es que me molestó enormemente el hecho de que no pudiera permitirme el pagar por una de esas obras. Porque realmente me gustaron mucho.
Unos cuadros con una luminosidad tremenda eran los cuadros del stan de la SALA ALBAREDA. Eran todos ellos paisajes, con o sin figuras antropomorfas, y con o sin construcciones de fondo, pero todas ellas con el denominador común de la luz. Un cromatismo muy claro y una pincelada muy fluida son los otros nexos .
Voy a acabar hablando de unas obras que no me gustaron en absoluto, que son sin duda unas esculturas, y eso que a mí la escultura me fascina, y me parece que tiene una presencia real tremenda, en este caso me aprecio espantosa, que son unas esculturas en resina de uno mono, y un perro que tenía la cara de Iltre. Y del presidente Obama.
La verdad es que me apreció tremendamente ofensivo, humillante y vejatorio , y fuera de lugar. En definitiva muy desagradable.
No sé qué opinarán los demás sobre ella pero no sabría ni describirla correctamente porque pasé de largo de aquella ofensa estética en cuanto pude. Sin detenerme a mirarla, así que ni siquiera sé el nombre del autor y la verdad no me interesa lo más mínimo conocerlo.
sábado, 27 de noviembre de 2010
viernes, 26 de noviembre de 2010
Jardines impresionistas
Viernes 26 de noviembre de 2010
Fundación Caja Madrid (Madrid)
Jardines impresionstas
esta deliciosa exposición deliciosa es para disfrutar recorriéndola, con la única pega de que es imposible hacerlo con el sosiego y la intimidad que precisa, por el numero de visitantes a cualquier hora del día.
Los pintores que se muestran , Curran, Pisarro, Klimt, Anglada Camarasa, Van Gogh, Monet.... etc son todos ellos , de una calidad ampliamente reconocida, por lo tanto es verdaderamente difícil elegir que obra describir o en que cuadro pararse mas tiempo.
Es la primera vez que se realiza una exposición monográfica de jardines impresionista, postimpresionistas y naturalistas y ver juntas todas estas cantidades de obras es un regalo.
Los jardines fueron no obstante un tema caro para estos pintores porque reunía tres características muy definidas de su pintura. Pintar al aire libre, presencia de figuras de la vida moderna y posibilidad de desplegar una paleta de colores intensos y brillantes.
Aquí podemos ver pinturas de Caillebotte de una planitud manifiesta, casi como si estuviera pintando un tapiz, de Bonart coqueteando con lo nabit y con el simbolismo, de Villard decorativista, con colores brillantes y contornos delimitados, con Van Gogh en una pintura que representa un sotobosque y que nos hable de terquedad, pero también de esperanza en el rayo de luz que aparece al fondo con esa pincelada descompuesta .
Los pintores americanos también están presentes Friesele, pintando a una mujer que casi forma parte de la decoración, Curran en un cuadro espléndido en el que aparecen dos mujeres en una barca y en un lago de flores, paisaje que por otra parte existe en Ohio. Pintores austriacos como Kramer o Corinth , escandinavos como Larson muy apreciado en esas latitudes y poco conocido en estas.. etc
Pero mención especial, para mi merecen Klimt con tres soberbios cuadros, en formato cuadrado tan característico de él , en uno de ellos mezcla arquitectura con jardín y con jardín productivo, en todos tiende a la abstracción utiliza colores planos y es muy decorativista. Anglada Camarasa, pintor inconfundible con esa mujer tan rotunda como todas las suyas , vestida de blanco y que parece un pavo real, en ese jardín nocturno al que ella ilumina, Malevich en una pintura que sorprende porque es inusual en su estilo de las vanguardia rusa, esta pertenece a su época parisina es casi naif y nos muestra la vida en la ciudad, también sorprende Braque en este jardín con ya muy clara influencia cubista y no lo hace Nolde, heredero de la pintura de Van Gogh conocido también por sus flores rotundas, que inciden en los sentidos con colores tensos y con su trazo grueso casi táctil.
Debería nombrar a muchos más porque todos son estupendos, Es esta una exposición que no debe perderse nadie que disfrute con el arte.
Fundación Caja Madrid (Madrid)
Jardines impresionstas
esta deliciosa exposición deliciosa es para disfrutar recorriéndola, con la única pega de que es imposible hacerlo con el sosiego y la intimidad que precisa, por el numero de visitantes a cualquier hora del día.
Los pintores que se muestran , Curran, Pisarro, Klimt, Anglada Camarasa, Van Gogh, Monet.... etc son todos ellos , de una calidad ampliamente reconocida, por lo tanto es verdaderamente difícil elegir que obra describir o en que cuadro pararse mas tiempo.
Es la primera vez que se realiza una exposición monográfica de jardines impresionista, postimpresionistas y naturalistas y ver juntas todas estas cantidades de obras es un regalo.
Los jardines fueron no obstante un tema caro para estos pintores porque reunía tres características muy definidas de su pintura. Pintar al aire libre, presencia de figuras de la vida moderna y posibilidad de desplegar una paleta de colores intensos y brillantes.
Aquí podemos ver pinturas de Caillebotte de una planitud manifiesta, casi como si estuviera pintando un tapiz, de Bonart coqueteando con lo nabit y con el simbolismo, de Villard decorativista, con colores brillantes y contornos delimitados, con Van Gogh en una pintura que representa un sotobosque y que nos hable de terquedad, pero también de esperanza en el rayo de luz que aparece al fondo con esa pincelada descompuesta .
Los pintores americanos también están presentes Friesele, pintando a una mujer que casi forma parte de la decoración, Curran en un cuadro espléndido en el que aparecen dos mujeres en una barca y en un lago de flores, paisaje que por otra parte existe en Ohio. Pintores austriacos como Kramer o Corinth , escandinavos como Larson muy apreciado en esas latitudes y poco conocido en estas.. etc
Pero mención especial, para mi merecen Klimt con tres soberbios cuadros, en formato cuadrado tan característico de él , en uno de ellos mezcla arquitectura con jardín y con jardín productivo, en todos tiende a la abstracción utiliza colores planos y es muy decorativista. Anglada Camarasa, pintor inconfundible con esa mujer tan rotunda como todas las suyas , vestida de blanco y que parece un pavo real, en ese jardín nocturno al que ella ilumina, Malevich en una pintura que sorprende porque es inusual en su estilo de las vanguardia rusa, esta pertenece a su época parisina es casi naif y nos muestra la vida en la ciudad, también sorprende Braque en este jardín con ya muy clara influencia cubista y no lo hace Nolde, heredero de la pintura de Van Gogh conocido también por sus flores rotundas, que inciden en los sentidos con colores tensos y con su trazo grueso casi táctil.
Debería nombrar a muchos más porque todos son estupendos, Es esta una exposición que no debe perderse nadie que disfrute con el arte.
Museo del traje
Viernes 26 de noviembre de 2010
Museo del traje (Madrid)
La edad de oro de la alta costura española
Lope (las entretablas del siglo de Oro)
Nunca había ido al Museo del traje antes, y eso que me habían contando que estaba muy bien y era muy interesante. El museo está un tanto alejado de la puerta, pero me sorprendió lo grande que era.
Allí en ocasiones se exhiben los vestuarios de algunas películas, como fue el caso de “Ágora” ( una lástima no poder verlo) y como ha sido el caso del film español estrenado este verano “Lope: las entretelas del siglo de Oro” . Tengo amigos que han visto la película, y me dieron una opinión bastante mala de la misma. No puedo decir lo mismo de su vestuario.
Estaba realmente logrado.
Me gustó mucho el vestuario en general, y me dio muchas ideas para hacer futuros trajes, cuando aprenda a patronar, o cuando consiga quedar con una amiga, intentare reproducir la capa azul.
Algo que me sorprendió mucho es que las cámaras de cine oscurecen mucho los colores, así la capa que a simple vista era de un azul extraño, en los póster de los fotogramas que había de la película, se veía de un azul oscuro, casi marino.
La otra exposición temporal del museo se llamaba “La edad de oro de la alta costura española“ , y eran trajes de fiesta por prestigiosos diseñadores españoles desde los años veinte a los setenta.
Me llego a sorprender muchísimo la intemporalidad de la alta costura. Pues aunque se veía perfectamente que era un corte antiguo, había trajes que eran realmente “actuales” es decir, cualquier famosa podría ir a recoger un premio cualquiera con algunos de estos trajes sin llamar la atención de modo negativo, sino al contrario recibiendo elogios por parte de la prensa.
Nos sorprendió muchísimo al llegar a los vestidos más actuales ( década de los setenta) y ver allí algún corte o algún descampado que nos recordaba a nuestra madre, alguna fotografía de casa con un traje realmente parecido a los allí expuestos.
Museo del traje (Madrid)
La edad de oro de la alta costura española
Lope (las entretablas del siglo de Oro)
Nunca había ido al Museo del traje antes, y eso que me habían contando que estaba muy bien y era muy interesante. El museo está un tanto alejado de la puerta, pero me sorprendió lo grande que era.
Allí en ocasiones se exhiben los vestuarios de algunas películas, como fue el caso de “Ágora” ( una lástima no poder verlo) y como ha sido el caso del film español estrenado este verano “Lope: las entretelas del siglo de Oro” . Tengo amigos que han visto la película, y me dieron una opinión bastante mala de la misma. No puedo decir lo mismo de su vestuario.
Estaba realmente logrado.
Me gustó mucho el vestuario en general, y me dio muchas ideas para hacer futuros trajes, cuando aprenda a patronar, o cuando consiga quedar con una amiga, intentare reproducir la capa azul.
Algo que me sorprendió mucho es que las cámaras de cine oscurecen mucho los colores, así la capa que a simple vista era de un azul extraño, en los póster de los fotogramas que había de la película, se veía de un azul oscuro, casi marino.
La otra exposición temporal del museo se llamaba “La edad de oro de la alta costura española“ , y eran trajes de fiesta por prestigiosos diseñadores españoles desde los años veinte a los setenta.
Me llego a sorprender muchísimo la intemporalidad de la alta costura. Pues aunque se veía perfectamente que era un corte antiguo, había trajes que eran realmente “actuales” es decir, cualquier famosa podría ir a recoger un premio cualquiera con algunos de estos trajes sin llamar la atención de modo negativo, sino al contrario recibiendo elogios por parte de la prensa.
Nos sorprendió muchísimo al llegar a los vestidos más actuales ( década de los setenta) y ver allí algún corte o algún descampado que nos recordaba a nuestra madre, alguna fotografía de casa con un traje realmente parecido a los allí expuestos.
miércoles, 17 de noviembre de 2010
Escultura al aire libre
Miércoles 17 de Noviembre de 2010
Museo de Escultura de Leganés (Leganés)
Este museo es uno de mis favoritos, paso por su lado cada vez que voy a recibir mis clases de baile, es decir, cada miércoles.
Recuerdo que fue para mí una enorme sorpresa encontrármelo, buscando el centro cívico para un intensivo de ritmo Saidi pasé por delante de lo que creía un parque, y entre las rejas de hierro forjado se asomaban ciertas esculturas.
Tengo que confesar que para mí la escultura es mi arte mayor preferido, y con el que más disfruto, quizás porque es mucho más cercano que la pintura, incluye la multiplicidad de puntos de vista disfrutas desde todos su ángulos y es capaz de conmoverme como no puede hacer un edificio. Me gusta rodearlas, acercarme a las esculturas para luego alejarme, comprobar el material ¡Qué ofrece mil y una posibilidades! Aproximarme tanto que pudiera tocarlas si lo deseara..
Muchas veces la conservación choca con los deseos del artistas, pues muchas esculturas no están hechas para mirar desde un pedestal. Sino para disfrutarlas. Por eso comulgo tantísimo con este museo. Naturaleza y arte de la mano, como tantos humanistas renacentistas se empeñaron en realizar, pues este museo no deja de ser un paisaje intervenido, creado el mismo con un fin estético, con elementos sacados de la naturaleza y creados para este único fin. Es el sueño de la humanidad, la mítica armonía con la naturaleza, pues los parques y jardines significan una añoranza, el regreso sentimental a la Edad Dorada, al Edén. También es una vía de escape, y el camino para alcanzar esa meta es la reconciliación con la naturaleza y esta se hace a través del arte. Este museo es la conjugación de lo bello del arte y de la naturaleza.
Es un museo al aire libre, es arte que respira, arte vivo.
Las esculturas de este museo son algunas cedidas por el Reina Sofía, y son difíciles de escribir en conjunto, ya que cada una pertenece a un escultor, y a un estilo.
Una de su obras favoritas se llama Milenia de Manolo González , es un conjunto de esculturas forradas como de malla de metal que calca la anatomía perfecta de figuras masculinas antropomorfas sostenidas por cables metálicos. Una única figura en varios momentos diferentes, realizando una especie de acrobacia, y captada en los momentos más espectaculares de la misma.
A pesar de su material da un aspecto de ligereza, que se acentúa por el hecho de que casi eres capaz de colocarte debajo de las mismas, que las ves sostenidas en el aire , violando continuamente la fuerza de la gravedad, mientras tus pies se aferran constantemente al suelo.
Las figuras casi se tocan con los dedos, pero no llegan a alcanzarse, pero ayuda a la composición, y el material con el que están hechas , al ser translucido da una sensación de todavía más acusada de etéreo.
Museo de Escultura de Leganés (Leganés)
Este museo es uno de mis favoritos, paso por su lado cada vez que voy a recibir mis clases de baile, es decir, cada miércoles.
Recuerdo que fue para mí una enorme sorpresa encontrármelo, buscando el centro cívico para un intensivo de ritmo Saidi pasé por delante de lo que creía un parque, y entre las rejas de hierro forjado se asomaban ciertas esculturas.
Tengo que confesar que para mí la escultura es mi arte mayor preferido, y con el que más disfruto, quizás porque es mucho más cercano que la pintura, incluye la multiplicidad de puntos de vista disfrutas desde todos su ángulos y es capaz de conmoverme como no puede hacer un edificio. Me gusta rodearlas, acercarme a las esculturas para luego alejarme, comprobar el material ¡Qué ofrece mil y una posibilidades! Aproximarme tanto que pudiera tocarlas si lo deseara..
Muchas veces la conservación choca con los deseos del artistas, pues muchas esculturas no están hechas para mirar desde un pedestal. Sino para disfrutarlas. Por eso comulgo tantísimo con este museo. Naturaleza y arte de la mano, como tantos humanistas renacentistas se empeñaron en realizar, pues este museo no deja de ser un paisaje intervenido, creado el mismo con un fin estético, con elementos sacados de la naturaleza y creados para este único fin. Es el sueño de la humanidad, la mítica armonía con la naturaleza, pues los parques y jardines significan una añoranza, el regreso sentimental a la Edad Dorada, al Edén. También es una vía de escape, y el camino para alcanzar esa meta es la reconciliación con la naturaleza y esta se hace a través del arte. Este museo es la conjugación de lo bello del arte y de la naturaleza.
Es un museo al aire libre, es arte que respira, arte vivo.
Las esculturas de este museo son algunas cedidas por el Reina Sofía, y son difíciles de escribir en conjunto, ya que cada una pertenece a un escultor, y a un estilo.
Una de su obras favoritas se llama Milenia de Manolo González , es un conjunto de esculturas forradas como de malla de metal que calca la anatomía perfecta de figuras masculinas antropomorfas sostenidas por cables metálicos. Una única figura en varios momentos diferentes, realizando una especie de acrobacia, y captada en los momentos más espectaculares de la misma.
A pesar de su material da un aspecto de ligereza, que se acentúa por el hecho de que casi eres capaz de colocarte debajo de las mismas, que las ves sostenidas en el aire , violando continuamente la fuerza de la gravedad, mientras tus pies se aferran constantemente al suelo.
Las figuras casi se tocan con los dedos, pero no llegan a alcanzarse, pero ayuda a la composición, y el material con el que están hechas , al ser translucido da una sensación de todavía más acusada de etéreo.
lunes, 15 de noviembre de 2010
La fiesta de la espuma
Siguiendo una recomendación de una chica que solía trabajar en educación especial, ese día trajimos espuma de afeitar y durante la clase entera jugamos con ella.
Se supone que esta actividad debía ser relajante, sin embargo, en nuestra clase compuesta de cincuenta mujeres, no lo fue.
( Debido a un problema técnico con mi móvil, no tengo las fotografías correspondientes a este día)
Se supone que esta actividad debía ser relajante, sin embargo, en nuestra clase compuesta de cincuenta mujeres, no lo fue.
( Debido a un problema técnico con mi móvil, no tengo las fotografías correspondientes a este día)
miércoles, 10 de noviembre de 2010
Los paisajes americanos de Asher B. Durand
Miércoles 10 de noviembre de 2010
Fundación Juan March (Madrid)
Los paisajes americanos de Asher B. Durand.(1796-1886)
La exposición de la Fundación Juan March, como todas las que se hacen en esa sede, está muy bien organizada, además con la nueva remodelación, las salas han quedado mucho mas amplias y así las exposiciones ganan en perspectiva.
En esta exposición se recogen múltiples obras del artista, entre oleos, dibujos y grabados, que nos dan una visión muy completa de su trabajo y su evolución.
Nacido en 1769, muy joven se dedico al arte del grabado, y durante casi 28 años este fue su oficio. Aunque su obra cumbre en este periodo fue el grabado que hizo de la “Declaración de la Independencia” muy merecido, a mí me ha llamado más la atención los grabados que él realizó en los billetes de banco en los que mezcla figuras extraídas directamente del clasicismo conviviendo con las caras de americanos del momento. En uno de ellos aparece el Presidente Lincon a la manera de Julio Cesar.
Asher no se contentó con el grabado, aspiraba a pintar al óleo, pues consideraba que esa forma de arte era de más categoría . Así empezó a pintar retratos de filántropos, y se le encargo posteriormente el retrato de siete de los presidentes de EEUU, pero su meta era llegar a ser un pintor de paisajes. Como no tenia preparación en estos temas , durante un año viajo por Europa, sin duda cuna del arte para estudiar la pintura europea y aprender de ella. A su vuelta a casa este fue su único oficio , y debía de tener muy claro su objetivo porque se convirtió en el mas afamado pintor de paisajes de su tiempo llegando a ser el mentor junto con su amigo y maestro de la “Hudson River School”
Los árboles fueron su obsesión, los consideraba casi como humanos , en este sentido, fue un pintor meticuloso, como así lo demuestran las cientos de apuntes que hizo sobre los mismos, diferenciándolos como podía diferenciar los rostros de las personas.
En la exposición se muestran muchos paisajes, y casi todos siguen unas reglas muy definidas: un primer plano terrenal, en colores ocres, después árboles, que unas veces forman pantalla para que la vista eleve hacia el horizonte muy lejano y otras veces este se deja entrever, en los primeros el horizonte se abre y en el se percibe el aire o la atmósfera.
En sus últimos cuadros la forma de concebir el paisaje cambia de manera significativa, los impresionistas dejan su huella y los colores se suavizan tirando a verdes suaves y diluyendo la pincelada.
Fundación Juan March (Madrid)
Los paisajes americanos de Asher B. Durand.(1796-1886)
La exposición de la Fundación Juan March, como todas las que se hacen en esa sede, está muy bien organizada, además con la nueva remodelación, las salas han quedado mucho mas amplias y así las exposiciones ganan en perspectiva.
En esta exposición se recogen múltiples obras del artista, entre oleos, dibujos y grabados, que nos dan una visión muy completa de su trabajo y su evolución.
Nacido en 1769, muy joven se dedico al arte del grabado, y durante casi 28 años este fue su oficio. Aunque su obra cumbre en este periodo fue el grabado que hizo de la “Declaración de la Independencia” muy merecido, a mí me ha llamado más la atención los grabados que él realizó en los billetes de banco en los que mezcla figuras extraídas directamente del clasicismo conviviendo con las caras de americanos del momento. En uno de ellos aparece el Presidente Lincon a la manera de Julio Cesar.
Asher no se contentó con el grabado, aspiraba a pintar al óleo, pues consideraba que esa forma de arte era de más categoría . Así empezó a pintar retratos de filántropos, y se le encargo posteriormente el retrato de siete de los presidentes de EEUU, pero su meta era llegar a ser un pintor de paisajes. Como no tenia preparación en estos temas , durante un año viajo por Europa, sin duda cuna del arte para estudiar la pintura europea y aprender de ella. A su vuelta a casa este fue su único oficio , y debía de tener muy claro su objetivo porque se convirtió en el mas afamado pintor de paisajes de su tiempo llegando a ser el mentor junto con su amigo y maestro de la “Hudson River School”
Los árboles fueron su obsesión, los consideraba casi como humanos , en este sentido, fue un pintor meticuloso, como así lo demuestran las cientos de apuntes que hizo sobre los mismos, diferenciándolos como podía diferenciar los rostros de las personas.
En la exposición se muestran muchos paisajes, y casi todos siguen unas reglas muy definidas: un primer plano terrenal, en colores ocres, después árboles, que unas veces forman pantalla para que la vista eleve hacia el horizonte muy lejano y otras veces este se deja entrever, en los primeros el horizonte se abre y en el se percibe el aire o la atmósfera.
En sus últimos cuadros la forma de concebir el paisaje cambia de manera significativa, los impresionistas dejan su huella y los colores se suavizan tirando a verdes suaves y diluyendo la pincelada.
Dalí, Lorca y la residencia de estudiantes
Miércoles 10 de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Dalí, Lorca y la residencia de Estudiantes
Una exposición poco convencional. Nos habla de la relación de grandes mentes españolas que coincidieron durante unos años cohabitando en un mismo lugar, grandes artistas, siendo Dalí, Lorca y Buñuel sus máximos exponentes.
Yo sabía que ellos se habían conocido, pero no sabía con cuanta afinidad y cuan estrecha había resultado esa amistad hasta hoy, como la pintura de Dalí se veía influida por Lorca, y como la poesía de Lorca bebía de Dalí , de esa relación me ha sorprendido el resultado de su amistad, me ha parecido muy afable, muy cercana, aquí no se exponían los trabajos de dos genios, que también, sino los proyectos, la mayoría inacabados, de dos amigos, dos estudiantes con ganas de comerse el mundo e infinidad de ideas que se retroalimentan mutuamente.
De esa relación simbiótica, aparece uno de los cuadros que más me ha gustado, un retrato de Federico García Lorca realizado por Salvador Dalí , al estilo cubista, cosa que me sorprendió, dado que no conocía esa faceta del pintor, supongo que no llegaría a sentirse cómodo en el estilo, sin embargo, debo decir que era un retrato cubista, bastante bueno, de forma muy desestructurada, en la que solo se distinguía la figura antropomorfa ligeramente, detalles como la corbata, la hoja de papel, seguramente haciendo alusión a poesía. El colorido estába muy bien plasmado dejando los tonos de luz muy centrados, siendo fácil seguir el eje y distinguir de ese modo la figura.
De este mismo estilo destaco un maravilloso bodegón ( naturaleza muerta )de Juan Gris, en la escala del color homónimo.
Otro de los cuadros que más me gustó, apenas debería estar dentro de la exposición, dado que en ella no llegan al surrealismo ( etapa que encumbro a Dalí como genio) pero estaba, y me encantó. Se trata de “la mañana angustiosa” de Giorgio de Chirico. Es un cuadro que no hace, a priori, honor a su nombre, pues en él ves muchísima claridad, pero al fijarnos más detenidamente, sí sentimos esa presión en el pecho que caracteriza , esa sensación de ahogo.
Ese miedo que inspiran las sombras alargadas, como garras, que arañan las zonas iluminadas.
La perspectiva del cuadro, tremendamente marcada, parece hacernos creer que el final está demasiado lejos, que se extiende al infinito, y que nunca podremos llegar a él.
También está al angustia de la oscuridad que muere, y que la luz bañe todo, que muestre la realidad que las sombras ocultan, porque el horror más grande no es el que mora en las tinieblas, es aquél que después de morar en las tinieblas, acechante, sale a la luz.
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Dalí, Lorca y la residencia de Estudiantes
Una exposición poco convencional. Nos habla de la relación de grandes mentes españolas que coincidieron durante unos años cohabitando en un mismo lugar, grandes artistas, siendo Dalí, Lorca y Buñuel sus máximos exponentes.
Yo sabía que ellos se habían conocido, pero no sabía con cuanta afinidad y cuan estrecha había resultado esa amistad hasta hoy, como la pintura de Dalí se veía influida por Lorca, y como la poesía de Lorca bebía de Dalí , de esa relación me ha sorprendido el resultado de su amistad, me ha parecido muy afable, muy cercana, aquí no se exponían los trabajos de dos genios, que también, sino los proyectos, la mayoría inacabados, de dos amigos, dos estudiantes con ganas de comerse el mundo e infinidad de ideas que se retroalimentan mutuamente.
De esa relación simbiótica, aparece uno de los cuadros que más me ha gustado, un retrato de Federico García Lorca realizado por Salvador Dalí , al estilo cubista, cosa que me sorprendió, dado que no conocía esa faceta del pintor, supongo que no llegaría a sentirse cómodo en el estilo, sin embargo, debo decir que era un retrato cubista, bastante bueno, de forma muy desestructurada, en la que solo se distinguía la figura antropomorfa ligeramente, detalles como la corbata, la hoja de papel, seguramente haciendo alusión a poesía. El colorido estába muy bien plasmado dejando los tonos de luz muy centrados, siendo fácil seguir el eje y distinguir de ese modo la figura.
De este mismo estilo destaco un maravilloso bodegón ( naturaleza muerta )de Juan Gris, en la escala del color homónimo.
Otro de los cuadros que más me gustó, apenas debería estar dentro de la exposición, dado que en ella no llegan al surrealismo ( etapa que encumbro a Dalí como genio) pero estaba, y me encantó. Se trata de “la mañana angustiosa” de Giorgio de Chirico. Es un cuadro que no hace, a priori, honor a su nombre, pues en él ves muchísima claridad, pero al fijarnos más detenidamente, sí sentimos esa presión en el pecho que caracteriza , esa sensación de ahogo.
Ese miedo que inspiran las sombras alargadas, como garras, que arañan las zonas iluminadas.
La perspectiva del cuadro, tremendamente marcada, parece hacernos creer que el final está demasiado lejos, que se extiende al infinito, y que nunca podremos llegar a él.
También está al angustia de la oscuridad que muere, y que la luz bañe todo, que muestre la realidad que las sombras ocultan, porque el horror más grande no es el que mora en las tinieblas, es aquél que después de morar en las tinieblas, acechante, sale a la luz.
Infancia
Miércoles 10 de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Infancia - Isabel Muñoz
Fue una exposición tremendamente impactante para mí.
La obra ,organizada por Unicef, conmemora el vigésimo aniversario de la Convención de los Derechos del Niño. Se trata de las fotografías de Isabel Muñoz, tomadas en las zonas más desfavorecidas de los cuatro continentes, y en todas ellas refleja la más cruenta cara del fracaso, en sus más desfavorables y desprotegidas víctimas: Los niños.
Las imágenes estaban acompañadas de la trágica historia de los niños que retrataban. Historias plagadas de abandonos, raptos, enfermedad, abusos sexuales, y con el denominador común de la pobreza y la vulnerabilidad. Historias a cada cual más trágica y desoladora que conseguía, transmitir la compasión y el horror a la que se han visto sometidos.
Hubo unas fotografía, que especialmente me llamaron, las manos de una niña india, decoradas con henna, pero ajadas, pues llevaba desde más tiempo de lo que recordaba trabajando como limpiadora, de las suaves manos de niña, ya no quedaba nada.
Había otra, también era unas manos, unas manos de varón africano, que ocultaban su rostro, unas manos llenas de callos y cicatrices provocadas por años de torturas a las que se había visto sometido.
La más espectacular de todas, trataba de un joven nigeriano, un huérfano de uno de sus progenitores, y abandona por el otro, sufría enormemente y se despertaba todos los días esnifando pegamento para olvidar su pasado.
Tenía apenas 17 años, y ya eran 17 años los que tenía que olvidar.
No era solo su funesta historia lo que me llamó. Era la fuerza de su imagen: En ella aparecía este apuesto joven de raza africana, enfocado de torso para arriba, vestido con una turbante y en un marco incomparable, rodeado de desierto y arena bajo un sol abrasador. Y en escala de grises, que , aunque aparentemente sea igual que una imagen a color, mentalmente no es así, las imágenes en blanco y negro impactan más estéticamente.
La imagen transmitía una fuerza increíble. Un dolor más allá de lo imaginable, un horror más allá de lo visible.
Nunca había visto unos ojos como aquellos, tan llenos de dolor y tan carentes de esperanza, tan luminosos y brillantes cristales, pero tan inertes como los mismos
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Infancia - Isabel Muñoz
Fue una exposición tremendamente impactante para mí.
La obra ,organizada por Unicef, conmemora el vigésimo aniversario de la Convención de los Derechos del Niño. Se trata de las fotografías de Isabel Muñoz, tomadas en las zonas más desfavorecidas de los cuatro continentes, y en todas ellas refleja la más cruenta cara del fracaso, en sus más desfavorables y desprotegidas víctimas: Los niños.
Las imágenes estaban acompañadas de la trágica historia de los niños que retrataban. Historias plagadas de abandonos, raptos, enfermedad, abusos sexuales, y con el denominador común de la pobreza y la vulnerabilidad. Historias a cada cual más trágica y desoladora que conseguía, transmitir la compasión y el horror a la que se han visto sometidos.
Hubo unas fotografía, que especialmente me llamaron, las manos de una niña india, decoradas con henna, pero ajadas, pues llevaba desde más tiempo de lo que recordaba trabajando como limpiadora, de las suaves manos de niña, ya no quedaba nada.
Había otra, también era unas manos, unas manos de varón africano, que ocultaban su rostro, unas manos llenas de callos y cicatrices provocadas por años de torturas a las que se había visto sometido.
La más espectacular de todas, trataba de un joven nigeriano, un huérfano de uno de sus progenitores, y abandona por el otro, sufría enormemente y se despertaba todos los días esnifando pegamento para olvidar su pasado.
Tenía apenas 17 años, y ya eran 17 años los que tenía que olvidar.
No era solo su funesta historia lo que me llamó. Era la fuerza de su imagen: En ella aparecía este apuesto joven de raza africana, enfocado de torso para arriba, vestido con una turbante y en un marco incomparable, rodeado de desierto y arena bajo un sol abrasador. Y en escala de grises, que , aunque aparentemente sea igual que una imagen a color, mentalmente no es así, las imágenes en blanco y negro impactan más estéticamente.
La imagen transmitía una fuerza increíble. Un dolor más allá de lo imaginable, un horror más allá de lo visible.
Nunca había visto unos ojos como aquellos, tan llenos de dolor y tan carentes de esperanza, tan luminosos y brillantes cristales, pero tan inertes como los mismos
Federico Fellini, El circo de las ilusiones
Miércoles 10 de noviembre de 2010
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Federico Fellini, El circo de las ilusiones
Caixa forum, ubicado en el llamado triángulo del arte de Madrid, es un edifico espectacular en mi opinión, de los más bonitos de Madrid, pues a pesar de su construcción tiempo atrás, se ha remodela de una forma espectacular desde sus cimientos , pero conservando esa fachada de ladrillo tan característica.
Pero luego de donde debiera estar el tejado aparecen unos módulos de metal ajado y oxidado , que casan a la perfección con el edificio, pues le da ese aspecto de corrosividad que me encanta, esa sensación de lugar horrible, con las ventanas tapiadas, con el óxido de sus paredes, para llegar a lo más espectacular: El edificio flota, se suspende en el aire como levitando del suelo, pues cuando caminas para buscar exactamente dónde se sujeta, solo ves esa escalera de caracol que te da la bienvenida , diseñada en homenaje al las escaleras de museo Guggenheim, y una pequeña fuente, como una cascada de la que fluye agua y una sonorabilidad fantástica.
Una vez dentro entramos en la exposición homoníma al cineasta Fellini, en la sala nos llenamos de la música de sus películas que, en un ciclo continuo, no paraba de ambientar.
La exposición hablaba de su vida, de su amada Italia , de sus gentes y de todo ello unido y de nada de eso a la vez, pues todo eso era lo que componía su arte.
La exposición hacia especial interés en la película “la dolce vita” un film que todavía no he visto, pero esta exposición ha despertado el interés por ello, así que quedé con Sara Guerrero en verla próximamente.
Especialmente me sorprendió como asuntos aislados en la sociedad, Fellini, conseguía transformarlos en sus películas, como por ejemplo, tras la guerra, Italia había acogido muchas apariciones marianas, o como una fiesta de la alta sociedad acabó en un strepteare, por parte de una joven actriz y por consecuencia un gran escándalo en Italia al enterarse de su decadente jet set, mientras que Fellini lo tomó como una fuente de inspiración para una escena de su “obras maestras”. La verdad es que no alcanzo a comprender la razón, sin embargo esta información fue lo que más me impactó de todo. Contemplar esas fotografías de la actriz “la turca” una joven desconocida , que posiblemente ya estuviera acabada, pero sintiendo envidia de la expectación que ejerció el baile de otra, ella decidió causar lo mismo pero de manera más directa y mucho menos elegante. Y mientras ella se desprendía de su ropa y de quizás los últimos vestigios de dignidad que le quedaban, la gente se agolpaba a su alrededor para contemplar su decadencia.
Como fin y curiosidad, quiero cerrar comentando que me he enterado que el término Paparazzi, y la profesión se “inventó” en Italia y deriva de un personaje de este director.
CaixaForum de Madrid (Madrid)
Federico Fellini, El circo de las ilusiones
Caixa forum, ubicado en el llamado triángulo del arte de Madrid, es un edifico espectacular en mi opinión, de los más bonitos de Madrid, pues a pesar de su construcción tiempo atrás, se ha remodela de una forma espectacular desde sus cimientos , pero conservando esa fachada de ladrillo tan característica.
Pero luego de donde debiera estar el tejado aparecen unos módulos de metal ajado y oxidado , que casan a la perfección con el edificio, pues le da ese aspecto de corrosividad que me encanta, esa sensación de lugar horrible, con las ventanas tapiadas, con el óxido de sus paredes, para llegar a lo más espectacular: El edificio flota, se suspende en el aire como levitando del suelo, pues cuando caminas para buscar exactamente dónde se sujeta, solo ves esa escalera de caracol que te da la bienvenida , diseñada en homenaje al las escaleras de museo Guggenheim, y una pequeña fuente, como una cascada de la que fluye agua y una sonorabilidad fantástica.
Una vez dentro entramos en la exposición homoníma al cineasta Fellini, en la sala nos llenamos de la música de sus películas que, en un ciclo continuo, no paraba de ambientar.
La exposición hablaba de su vida, de su amada Italia , de sus gentes y de todo ello unido y de nada de eso a la vez, pues todo eso era lo que componía su arte.
La exposición hacia especial interés en la película “la dolce vita” un film que todavía no he visto, pero esta exposición ha despertado el interés por ello, así que quedé con Sara Guerrero en verla próximamente.
Especialmente me sorprendió como asuntos aislados en la sociedad, Fellini, conseguía transformarlos en sus películas, como por ejemplo, tras la guerra, Italia había acogido muchas apariciones marianas, o como una fiesta de la alta sociedad acabó en un strepteare, por parte de una joven actriz y por consecuencia un gran escándalo en Italia al enterarse de su decadente jet set, mientras que Fellini lo tomó como una fuente de inspiración para una escena de su “obras maestras”. La verdad es que no alcanzo a comprender la razón, sin embargo esta información fue lo que más me impactó de todo. Contemplar esas fotografías de la actriz “la turca” una joven desconocida , que posiblemente ya estuviera acabada, pero sintiendo envidia de la expectación que ejerció el baile de otra, ella decidió causar lo mismo pero de manera más directa y mucho menos elegante. Y mientras ella se desprendía de su ropa y de quizás los últimos vestigios de dignidad que le quedaban, la gente se agolpaba a su alrededor para contemplar su decadencia.
Como fin y curiosidad, quiero cerrar comentando que me he enterado que el término Paparazzi, y la profesión se “inventó” en Italia y deriva de un personaje de este director.
lunes, 8 de noviembre de 2010
Médicos Sin Fronteras
Lunes 08 de noviembre de 2010
Teatro Municipal Buero Vallejo (Alcorcón)
Fotrografías de Médicos sin fronteras
Esperando a que abrieran las puertas del ballet de Victor Ullate, comprobé que la sala de exposiciones estaba llena de gente, así que me decidí a entrar, y me encontré con una amplísima recopilación de fotografías sobre la labor humanitaria que realiza la asociación no gubernamental “Médicos sin Fronteras”.
Los temas se repartían por las pandemias que azotaban determinadas zonas: la enfermedad deChagas, la malaria, el sida y las fiebres negras.
Las fotografías no se quedaban en su contenido, en el aspecto informativo, o propagandístico, repitiendo lo necesaria que es el ayuda humanitaria en determinadas zonas, las más pobres del planeta, o denunciando la escasa o nula inversión en I+D ( investigación más desarrollo) que ocupa a las grandes compañías farmacéuticas a este tipo de enfermedades “de pobres” que tan poco rentabilidad les crea , sino que además, tenían una marcada, y conseguida intencionalidad estética, razón por lo que son comentadas en esta reseña y no como mera anécdota.
Me gustaron esta serie, precisamente por esa razón, pues a pesar de estar creadas sin pensar, sin un estudio de la perspectiva, si no en el momento en el que un médico de “Médicos sin fronteras” realizaba su labor, y no en un estudio de fotografía o una estudiada escenografía con la que captar la belleza de una determinada pose, seguían siendo poseedoras de esa belleza perturbante que solo posee lo desagradable.
Las series eran diferentes unas de otras, incluso dentro d elas mismas series los cambios se hacían evidentes, así algunas fotografías estaban realizadas con un “Gran angular” otras en blanco y negro y otras con un marcado efecto difuminado o borroso.
Teatro Municipal Buero Vallejo (Alcorcón)
Fotrografías de Médicos sin fronteras
Esperando a que abrieran las puertas del ballet de Victor Ullate, comprobé que la sala de exposiciones estaba llena de gente, así que me decidí a entrar, y me encontré con una amplísima recopilación de fotografías sobre la labor humanitaria que realiza la asociación no gubernamental “Médicos sin Fronteras”.
Los temas se repartían por las pandemias que azotaban determinadas zonas: la enfermedad deChagas, la malaria, el sida y las fiebres negras.
Las fotografías no se quedaban en su contenido, en el aspecto informativo, o propagandístico, repitiendo lo necesaria que es el ayuda humanitaria en determinadas zonas, las más pobres del planeta, o denunciando la escasa o nula inversión en I+D ( investigación más desarrollo) que ocupa a las grandes compañías farmacéuticas a este tipo de enfermedades “de pobres” que tan poco rentabilidad les crea , sino que además, tenían una marcada, y conseguida intencionalidad estética, razón por lo que son comentadas en esta reseña y no como mera anécdota.
Me gustaron esta serie, precisamente por esa razón, pues a pesar de estar creadas sin pensar, sin un estudio de la perspectiva, si no en el momento en el que un médico de “Médicos sin fronteras” realizaba su labor, y no en un estudio de fotografía o una estudiada escenografía con la que captar la belleza de una determinada pose, seguían siendo poseedoras de esa belleza perturbante que solo posee lo desagradable.
Las series eran diferentes unas de otras, incluso dentro d elas mismas series los cambios se hacían evidentes, así algunas fotografías estaban realizadas con un “Gran angular” otras en blanco y negro y otras con un marcado efecto difuminado o borroso.
FotoCAM 2009
Lunes 08 de noviembre de 2010
Sala de exposiciones de el Coliseo de la Cultura ( Villaviciosa de Odón)
FotoCAM 2009
Esta es una de las exposiciones que tiñeran por los ayuntamientos de toda la Comunidad de Madrid, se trata de FotoCAM 2009, es el Segundo premio de Fotografía periodística de la comunidad de Madrid, y en ella se recogen las fotografías ganadoras, de periodistas y de sus trabajos para periódicos.
Todas las fotografías han aparecido en alguna página de algún periódico español , reflejando la realidad política, social y reflejan sus diferentes estilos e intereses de los fotógrafos.
Me ha gustado y me ha parecido necesario esta exposición para desligarla de lo meramente informativo, de lo meramente decorativo como complemento de un texto, y que mañana, cuando el periódico caduque, se tirará a la basura y jamás se volverá a ver es fotografía. Esta exposición es un rescate de ese vertedero, en el que acaban todos los periódicos una vez leídos, y además de un rescate, es una reivindicación de la fotografía, pues no solo porque aparezca ilustrando cualquier noticia o artículo en las páginas en un periódico no deja de ser merecedora de la categoría arte. Hay verdaderas fotografías maravillosas que sólo por no estar expuestas en un museo sino en una tirada nacional se desprecian.
En esta exposición se reivindica eso.
Una de las que más me ha gustado, quizás por la cercanía, trataba sobre el derribo de la antiguamente cárcel de Caramanchel . Para llegar a ESCUNI, debo pasar todos los días delante de sus ahora derruidas puertas.
Yo no me enteré por ningún medio de comunicación de su derribo ( También es cierto que yo no suelo estar muy informada) lo descubría al pasar por delante y ver los cascotes y los restos de la construcción, por eso quizás también me llamó de especial manera, pues no sabía que su derribo había transcendido más allá del barrio.
Artísticamente era un fotografía magnífica, tomada al crepúsculo, con un juego de luces espectacular.
Y antes de terminar, quisiera elogiar la calidad increíble de las fotos, pues son unas fotos de un tamaño enorme, y de una calidad inmejorable, eso es algo muy difícil de conseguir
Sala de exposiciones de el Coliseo de la Cultura ( Villaviciosa de Odón)
FotoCAM 2009
Esta es una de las exposiciones que tiñeran por los ayuntamientos de toda la Comunidad de Madrid, se trata de FotoCAM 2009, es el Segundo premio de Fotografía periodística de la comunidad de Madrid, y en ella se recogen las fotografías ganadoras, de periodistas y de sus trabajos para periódicos.
Todas las fotografías han aparecido en alguna página de algún periódico español , reflejando la realidad política, social y reflejan sus diferentes estilos e intereses de los fotógrafos.
Me ha gustado y me ha parecido necesario esta exposición para desligarla de lo meramente informativo, de lo meramente decorativo como complemento de un texto, y que mañana, cuando el periódico caduque, se tirará a la basura y jamás se volverá a ver es fotografía. Esta exposición es un rescate de ese vertedero, en el que acaban todos los periódicos una vez leídos, y además de un rescate, es una reivindicación de la fotografía, pues no solo porque aparezca ilustrando cualquier noticia o artículo en las páginas en un periódico no deja de ser merecedora de la categoría arte. Hay verdaderas fotografías maravillosas que sólo por no estar expuestas en un museo sino en una tirada nacional se desprecian.
En esta exposición se reivindica eso.
Una de las que más me ha gustado, quizás por la cercanía, trataba sobre el derribo de la antiguamente cárcel de Caramanchel . Para llegar a ESCUNI, debo pasar todos los días delante de sus ahora derruidas puertas.
Yo no me enteré por ningún medio de comunicación de su derribo ( También es cierto que yo no suelo estar muy informada) lo descubría al pasar por delante y ver los cascotes y los restos de la construcción, por eso quizás también me llamó de especial manera, pues no sabía que su derribo había transcendido más allá del barrio.
Artísticamente era un fotografía magnífica, tomada al crepúsculo, con un juego de luces espectacular.
Y antes de terminar, quisiera elogiar la calidad increíble de las fotos, pues son unas fotos de un tamaño enorme, y de una calidad inmejorable, eso es algo muy difícil de conseguir
miércoles, 3 de noviembre de 2010
El Palacio Real
Miércoles 03 de noviembre de 2010
Palacio Real de Madrid (Madrid)
Patrimonio Nacional
Con motivo del cambio de guardia que se produce los miércoles, asistí al palacio real para verla, y, aunque me cuenta admitir que las artes marciales, en la categoría de arte, tengo que admitir , que ese desfile era realmente bonito, era como un baile perfectamente sincronizado. Primero los músico, luego la infantería y terminó con la caballería , y la caballería acorazada, todos, incluso los caballos parecían perfectamente alineados y coordinado. Después de eso entramos al interior del Palacio.
De las 2800 habitaciones que posee el palacio, solo se muestran 25, a cada cual más y más diferente, pues están diseñadas al gusto de la época, o bien al gusto de cada rey o reina que las habitó en su momento y las redecoró, así pues por ejemplo, la habitación de porcelana, que en su momento era la mejor muestra de estilo y riqueza que podría existir, ahora su gusto rococó choca con la estética actual, y solo soy capaz de apreciarla por conocer todos los periplos por los que España pasó para conseguir el secreto de la porcelana y poder fabricarla y no importarla de China.
También entramos en la Real Farmacia para contemplar la cantidad de estantes con ingredientes para las mezclas que puede haber en una botica. Y por último, en la real armería, donde se exponen las armaduras, tanto humanas con animales que pertenecieron a al familia real. Lo sorprendente de esta última colección es que hace menos de medio año, hubo una exposición temporal en el Museo del Prado llamada” el arte del poder” en la que puede contemplar ya varias piezas de esta colección, pues se trataba de una muestra de armaduras reales y su correspondiente retrato, o simplemente la armadura, o el escudo, como una verdadera obra de la más fina orfebrería.
Del palacio real, lo que más me gusto ( aparte de un serie de retratos magníficos de Goya, un cartón para tapiz del mismo autor y un par de frescos de Luca Giordano) fue sin duda la grandiosa escalera principal, y me hizo gran ilusión verla, pues desde que fuera pregunta de examen de la asignatura de Barroco, y la viera en una diapositiva proyectada en la pared, no habíha vuelto a verla. En origen esta escalera iba a ser muy distinta, pues aunque sin duda la actual, es una gran obra, no es de tanto tamaño como se proyectó originalmente, que iba a ocupar un ala entera ( también el palacio iba a ser cuatro veces más grande ocupando todo el jardín del moro) si se respetó el esquema imperial de dos escaleras que parten del mismo sitio que confluyen en un único lado, pareciendo que amplía y magnifica el espacio enormemente, y es precisamente eso lo que le da tanto valor.
Palacio Real de Madrid (Madrid)
Patrimonio Nacional
Con motivo del cambio de guardia que se produce los miércoles, asistí al palacio real para verla, y, aunque me cuenta admitir que las artes marciales, en la categoría de arte, tengo que admitir , que ese desfile era realmente bonito, era como un baile perfectamente sincronizado. Primero los músico, luego la infantería y terminó con la caballería , y la caballería acorazada, todos, incluso los caballos parecían perfectamente alineados y coordinado. Después de eso entramos al interior del Palacio.
De las 2800 habitaciones que posee el palacio, solo se muestran 25, a cada cual más y más diferente, pues están diseñadas al gusto de la época, o bien al gusto de cada rey o reina que las habitó en su momento y las redecoró, así pues por ejemplo, la habitación de porcelana, que en su momento era la mejor muestra de estilo y riqueza que podría existir, ahora su gusto rococó choca con la estética actual, y solo soy capaz de apreciarla por conocer todos los periplos por los que España pasó para conseguir el secreto de la porcelana y poder fabricarla y no importarla de China.
También entramos en la Real Farmacia para contemplar la cantidad de estantes con ingredientes para las mezclas que puede haber en una botica. Y por último, en la real armería, donde se exponen las armaduras, tanto humanas con animales que pertenecieron a al familia real. Lo sorprendente de esta última colección es que hace menos de medio año, hubo una exposición temporal en el Museo del Prado llamada” el arte del poder” en la que puede contemplar ya varias piezas de esta colección, pues se trataba de una muestra de armaduras reales y su correspondiente retrato, o simplemente la armadura, o el escudo, como una verdadera obra de la más fina orfebrería.
Del palacio real, lo que más me gusto ( aparte de un serie de retratos magníficos de Goya, un cartón para tapiz del mismo autor y un par de frescos de Luca Giordano) fue sin duda la grandiosa escalera principal, y me hizo gran ilusión verla, pues desde que fuera pregunta de examen de la asignatura de Barroco, y la viera en una diapositiva proyectada en la pared, no habíha vuelto a verla. En origen esta escalera iba a ser muy distinta, pues aunque sin duda la actual, es una gran obra, no es de tanto tamaño como se proyectó originalmente, que iba a ocupar un ala entera ( también el palacio iba a ser cuatro veces más grande ocupando todo el jardín del moro) si se respetó el esquema imperial de dos escaleras que parten del mismo sitio que confluyen en un único lado, pareciendo que amplía y magnifica el espacio enormemente, y es precisamente eso lo que le da tanto valor.
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